传统民族图案与色彩在服装设计中的应用
摘要：服装是一个人、一个民族、一个国家和外界联系的纽带和桥梁。它对个人来说可以展现一个人的性格、气质和品位;对一个国家来说体现了国家的形象和精神;而对于一个民族来说，特有的民族服饰则是展示了民族特有的文化沉淀，以及这个民族的整体风格。到了现代以来，我国受西方文化影响，服饰设计中也参考了西方设计理念，但是却缺少了我国传统文化的元素，无法彰显我们民族的特色。因此对于服装设计来说，我们还要很长的路要走，在反映现代主流文化的同时也要保留民族文化和特色，因此对服装设计中的民族风格进行研究是一份很有意义和价值的工作。
关键词：民间服饰;植物纹样;童装设计
纵观中国衣文化历史有两个显著的特点，使它在人类文明史上占有独树一帜的重要地位。其一，是以人伦思想为主线的人文精神，贯彻于包括衣文化在内的中国传统服饰各种形态，其美学思想和艺术理论博大精深;其二是中国传统服饰是多民族共同创造的文明成果，它既承袭着统一的文脉，又具各民族多元特色，其表现绚丽多彩。
服饰是由很多部分组成的一个整体，包括色彩、图案、配饰、材质等组合在一起的。假设这几个部分能够和谐有机地处于一个整体，那么这件衣服就可以使主人增色不少，令人印象深刻。但如果这几者搭配完全不成体系，则会使得别人对主人的品位和性格产生质疑。同时，一个民族的文化，也有相当一部分融入到服饰的风格之中。因此，不同的时代、不同的民族，也鲜有相同的服饰风格。本文将分别从传统民族图案、传统民族色彩两个方面去分析探讨服装设计中的民族风。
一、传统民族图案在服装设计中的应用
民族服饰对图案的运用比较普遍，无论在服装上还是饰品(包袋、头饰、鞋、腰带)上都少不了图案。图案的内容以动物、植物、人物、几何、文字为主，从结构上看有通感联想、固定程式、主观构成等特点。
服饰设计中的图案往往是和色彩相互融合的，不同的图案采用不同的色彩去设计，使得整件服饰能够相得益彰。而代表中华民族特色的服饰有唐装、中山装和旗袍，而古代读书人所传的长袍现在已经无人问津只有在一些寺庙之中才能偶尔看见，这不能不让人惋惜。因为服饰代表着民族的精神和内涵，而失去了民族自身的服装特色，那么就失去了相当的民族凝聚力。而相对来说少数民族对于汉族来说，他们的民族服饰就显得多姿多彩，再配合民族舞蹈和配饰，使得他们自己的民族文化得以一代代的传承下去。
吉祥图案是中国传统装饰艺术的一个重要门类，其历史可以追溯到石器时代的岩画或石刻创作中，它以图腾的形式出现。而后经历了上周的青铜器、秦汉的画像石和画像砖、隋唐的石雕、宋元的花鸟画、明清的织绣、瓷器等，并越来越趋于成熟。“图必有意，意必吉祥”，中国的审美文化心理形成了“吉祥”的图案特色，寓意、谐音、含蓄、喜庆都是吉祥图案最大表现。中国常见的吉祥图案有：富有神话色彩及寓意的龙凤、云纹;用莲花、鲤鱼造型代表的“连年有余”;喜鹊、梅花造型代表“喜上眉梢”等。更有“双凤朝阳”、“梅兰竹菊”、“八宝如意”等借用形象的图案用以表达吉祥的内涵，以及人们的美好愿望和祈盼。吉祥图案成为实现理想的一种载体，给中国乃至世界服饰文化带来美好题材。
在古代来说，一般只有皇族才能在服饰上缝制龙的图案，皇后则是凤凰图案，而官吏则是麒麟，仙鹤等图案。从中我们可以看出传统民族图案实则是传统文化的内在体现，而服饰则是民族文化的外在的载体。中华民族从古至今都以龙的传人自居，而通过部落兼并使得各个原始部落的图腾融合在一起，形成多元化，复杂的图案，因此传统民族图案实则是传统文化的沉淀。
而历史发展到今天，服饰的图案和色彩早已日新月异，每个人都有自己不同的服饰风格，因此走在繁华的大街上，就会呈现色彩斑斓，图案各式的衣服。而代表传统的中华民族精神和文化的图案早已销声匿迹，这也不得不令人叹息，在追求个性的现代社会，是否我们还要留给传统文化一点空间，让民族风格的传统服饰能够再现江湖。而相对于不同年龄段和不同性格的人群，对服饰的设计又不尽相同。对于年轻人来说，一般都追求色彩鲜艳，图案花哨的风格，而中老年人则是追求色彩内敛且图案朴素的衣服;对于性格开朗阳光的人则是会选择暖色系的服饰，而性格内敛的人则是大多会选择冷色系的服饰。
民族服饰图案可以说是一个有着丰富资源的宝库，也是被设计师们借鉴得最多的因素。对民族服饰图案的借鉴，有两种方法：一是对民族服饰图案原始样本的运用;二是民族服饰图案的打散重构，其图案风格色彩不变。因此在服装设计的领域中，我们应该对所面对的人群加以调查和分析，去选择设计理念和设计方案，去满足多方的需求。传统与时尚，是时尚既新又老的话题，时装从20世纪初走到今天，不断的变化翻新成为其显著的特点。各个品牌的服装设计师在为各自的服装风格寻找设计灵感的时候，总希望捕捉一切能带来新的设计灵感的感觉、幻想和事物。
二、传统民族色彩在服装设计中的应用
中国传统服装色彩的运用，依附于先人对自然的原始认识，并深受“礼”的影响。传统色彩，尤其是宫廷及官宦的服色，是中国宗法社会思辨观念在服装上的集中表现。古时，服色在很大程度上是各阶层成员的社会标志，使用范围受到一定的约束。自古以来我国的服装色彩历经朝代的变迁都会有所变化，因为古代中国人相信不同色彩代表不同的五行。根据战国时代著名的学术大师邹衍的观点，不同的朝代有着不同的五德，也即是金木水火土五德。在五行中金的代表是白色，木的代表是绿色，水的代表是黑色，火的代表是红色，土的代表是黄色。而新的朝代替代旧的朝代，那么新朝代的五德就会发生变化，那么最明显的变化莫过于国人衣服的颜色和图案。
据历史记载，秦国人崇尚黑色的衣服，且军队所传的也是黑甲，因而有黑甲骑兵的称号。因为当时人们认为周朝属火德，周人喜欢红色服饰，而克火者即水，因此秦国人通过这个方式证明自己取代周朝乃是天命所归。在另一个方面，古代中国不同的服饰的颜色也代表着不同的身份等级，只有皇帝才能穿黄色衣服，士大夫能够穿紫色和红色，地方官用青色颜色，而庶人只能穿麻衣和青衣，对于葬礼来说则是同一的白色素服。因此古代的服饰颜色实际上是受到限制的，不能随意设计，庶人不能再颜色方面有所僭越，否则就是大不敬之罪。民族服饰色彩以黑、靛普蓝、绿、红、黄、白为服装基本色，个别民族用褐色、浅灰色系列为基本色。
然而到了现代以来，服饰颜色的限制不再存在，因而服装设计在我国才能成为炙手可热的行业，各种颜色搭配也可以随心所欲。色彩也按感受分为两类：冷色和暖色，冷色系的有蓝色、蓝绿、蓝紫，暖色系包括红色、红紫、橙色，还有介于两者之间的黄色和紫色。而按照来源分为原色和辅色，红黄蓝为三原色，而其他颜色都是由这三种混合产生。
就当今我国的服装设计色彩运用上来看，在对于传统民族色彩的运用是较少的，在色彩更多的选择运用上倾向于国际流行色，而忽视了本民族所特有的色彩。对于现代人来说，不同的人有着不同的相貌、性格和气质，因此就需要不同色彩的服饰加以搭配和调和，使得人和服饰有一种和谐一致的效果，否则会使得人们对自己的印象大打折扣。因此，在服装的色彩选择方面就显得尤为重要，一件设计精美的衣服可以使得一个人在面试或者舞会等场合有着让人眼前一亮的感觉，而色彩则是其中最显眼的元素。你所穿着的色彩，代表了你的品性与心情，人与人之间的交往也更多地是从“外在”的着装去选择。我国的设计师也应在保留符合当下大众审美的需求下，吸收本民族所特有的色彩搭配，兼收并蓄的设计出能够代表我们民族、国家的服装。
三、结语
在当代社会中，民族风在服装设计中的分量已经少之又少，只有在少数民族服饰中才有所体现，这不仅是服装设计师的悲哀，更是民族文化的悲哀。因此我们需要培养一批有着深厚民族文化底蕴的设计师，从色彩颜色和配饰等方面去设计出具有中国传统民族文化特色的服饰。更希望通过设计出这些服饰能够恢复我们国人对中华民族传统文化的信心，能让我们和别人看到身上的衣服就能够想到自己是中华民族的一员，是龙的传人。
通讯作者： 李正 教授
【参考文献】
[1] 马蓉.民族服饰语言的时尚运用[M].重庆：重庆大学出版社 ，2009
[2] 胡梅芳 .民族服饰要素与创意[M].重庆：西南师范大学出版社，2002
[3] 赵平勇，曹建中，车岩鑫.民族服饰绘画与色彩表现[M].北京：中国传媒大学出版社，2012
[4] 王群山， 王羿.服装设计元素[M].北京：中国纺织出版社，2013
[5]刘蓬.服装设计与表现 [M].沈阳：辽宁美术出版社.2013
[6]陈晓鹏 .服装设计管理教程[M].上海：东华大学出版社，2013
[7] 张灏.服装设计策略[M].北京：中国纺织出版社，2006
【作者单位： 苏州大学艺术学院】
作者：王小萌 李正
摘要：在日常生活中，随处可见混搭风，除去穿衣以外，室内设计也能够进行混搭。就室内设计来说，其就是混搭风发展衍生出来的。本文就针对中西方混搭室内设计传统图案和色彩进行了分析与论述。
关键词：中西混搭;室内设计;传统图案;色彩;运用
通常而言，室内设计最关键的是灵感，近期传统文化与图案变成了很多设计人员的灵感来源。这样的传统文化与图案并非只是中国的，还有西方的，如此便兴起了中西混搭设计。在进行室内设计的时候，传统色彩及图案的合理搭配显得非常重要。室内设计不仅可以满足人们对于装修的基本需求，还可以反射出当代社会人们的审美观，因此混搭设计伴随着人们审美的变化诞生了。
一、混搭的基本概念
混搭就是混合搭配，混搭的英文就是Mix Match，是把两种和两种以上的不相同形式与材质以及色彩等事物配置在一起，进而构成一个具备特点的新鲜事物。混搭风从诞生起就仅在服装领域中使用，可是伴随着时间的推移以及社会的不断发展和进步，混搭风开始一步步渗人到各个行业与领域中。而一个良好的混搭应当是看起来没有联系，实际上细细研究可以发现事物与事物间存在着很多的共同点。
二、中西传统图案简介
(一)中西传统图案对比
不同的时代和不同的社会背景会衍生出不同风格的审美，社会经济的持续增长使得人们的审美观在持续产生变化，图案是社会审美观的表现形式之一，出现了很大的变化。如先秦的饕餮纹;汉朝的石像以及砖瓦三角图案、凤鸟与四叶图案;隋唐的花鸟纹以及卷草纹。相同时期的西方也在经历着极大的社会改革，不一样的时代具备了不相同的主导图案风格。文艺复兴时候，西方传统图案雍容华贵，并且非常豪华繁杂，可是发展到近代工业革命以后，传统图案设计开始朝着简洁内敛的趋势发展，更多关注的是图案的作用。
(二)中西方传统图案语言异同点
装饰图案按照语言特征可以划分成简单类型和复杂的类型，也就是图案纹样的复杂和简洁。根据图案语言的类别角度看来，中国和西方国家的传统图案存在着很多类似的地方。图案的简洁于中国民间纹样里面经常出现。民间纹样是通过某一种模式开展抽象简化，进而构成具备浓厚文化意识，同时具备独特文化含义的符号，例如八宝纹样、十二章纹与部分吉祥纹样等。可是，西方的简洁性一般出现在几何图形里面。说到图案语言的复杂性，中国在很早前就为了表现出室内装饰风格的雍容华贵，经常使用复杂的纹样来雕饰在隔断以及家具上面。与此同时在我国唐朝时期的卷草纹，其也是通过一种非常反复的图案语言来表现华丽纤巧的。而在西方国家，传统图案语言的复杂性就是巴洛克、洛可可装置图案。根据装饰题材与目的这一角度来分析，中国与西方国家有着很大的不同。中国与西方国家装饰题材的不一样，通常应当归根于西方国家装饰目的和对空间本质的理解差异性。中国的主要目的是思想意蕴以及礼教世俗化;西方国家的主要目的就是神化宗教，装饰和美化。于空间本质方面来说，中国突出人居，西方追寻神居。打个比方，中国经常使用的是“四君子”来进行装饰，而梅花代表的是清白、兰花代表的是高洁，竹子代表的是劲节，菊花代表的是傲骨，不仅可以净化自己，还可以教化他人。在西方国家经常把神话故事雕琢于建筑表面上，或者绘在室内界面进行装饰与美化。
三、中西传统色彩观表现及其寻找路径分析
(一)传统色彩简述
传统是文明演化而聚集成一种反映民族风貌与特质，多种思想观念形态的整体表征，而颜色就是一种客观存在的自然现象，其本身并没有赋予任何情感。仅仅是和人有了接触以后，才被赋予了人的情感与价值、政治与文化意识等信息。伴随着人类历史文明的不断发展，因为不一样的国家，民族环境与心理、民族哲学思想与文化等的差别，记录着不一样的人文特色与民族精神，反映了颜色的空间性与时间性，以及表情的多样化。传统色彩从而具有了象征符号的性质，可以引起人们对于传统文化的思考。
(二)中西传统色彩表现
中国古时候的传统色彩通常表现在五行思想和儒道，五行里面的金、木、水、火、土这几种元素所表示的是五种不一样的颜色，其一一对应的颜色是白色、青色、黑色、红色、黄色。可是在西方，不一样的国家和民族均有着不相同的色彩喜好，难以简单地概括成详细的色彩观念。一般而言，西方国家对白色是非常喜爱的，白色于西方有着各种各样的含义，比如说，白色表示纯洁、典雅。除去白色以外，西方国家也非常喜欢红色、绿色，这些颜色大多被运用在国旗设计之中。
(三)找到传统色彩的路径
全面认识和掌握传播国家、文化印象以及地域印象的搭配色彩方式是色彩混搭方式探索的第一个步骤。中国与西方国家混搭的颜色搭配方式实际上是可以归纳出反映中国与西方国家传统文化的，以及反映风土人情色彩的组合，整理与归纳起来通常有这样几个路径：首先，灵活使用可以激起不一样的国家与地域记忆的色彩。例如，红色、白色与绿色的组合和意大利国家文化的风格及料理色彩搭配，这样基于意大利料理的颜色记忆，可以让人们联想到意大利国旗的颜色搭配，进而复苏意大利国家的有关记忆。其次，传统服饰与国旗色彩表现国家的文化与传统，可以充分表现出国家与文化的色彩，让人一开始想到的就是国旗的色彩搭配。打个比方，英联邦的米字旗，美国的星条旗，法国以及意大利等的三色旗帜。国家的色彩搭配均和国家、民族以及文化的特色有关系，而传统的服饰色彩、图案与样式、民族风俗中的颜色要素于人们的日常生活中可以常常看到。所以，需要从部分具备浓厚风土人情的民族生活里面找到素材进而整理与归纳出来，将其合理使用在室内设计上。
四、中西混搭室内设计传统图案和色彩运用对策
(一)準确使用文化内涵
我们知道，世界上每一个国家均有着一部分具备象征性含义的图案，例如，中国龙纹象征着吉祥，其寓意就是吉祥如意，在中国古代大多数是用来装饰皇帝衣物的。而在西方国家，很多都有自身的信仰，因此宗教非常繁盛。比如，西方国家基督教标志就是十字架，其象征着救赎和爱以及舍生取义，寓意着上帝对于人类的救赎。西方国家的设计多数蕴含着雍容华贵之感。假设设计人员可以进一步挖掘我国传统图案含义，进而把其和西方设计相结合起来，进行中西混搭设计，这样一来就可以充分满足人们的各种审美要求，提高设计效果。
(二)找到合理搭配的原则
中西混搭设计是21世纪的新型设计方法，在正式实施的时候对设计人员的能力提出了高要求，要找到最合适的搭配形式，并非把美丽的图案与色彩搭配在一起，这种搭配的色彩与图案不但无法得到令人满意的效果，很可能会导致其整个格局给人以混乱无序的任意搭配的感觉。混搭的关键不是混而是搭，不是那种没有章法的任意搭配，而是需要追求各种元素搭配为一体的和谐之美。特别是对于颜色的运用，应预先把需要的色彩类型控制在某一个范围以内，颜色太多会给人带来审美疲劳的感觉。有关心理学研究表示，色彩对于人们的心情以及情绪影响较大。色彩有着一定的表现力，可以反映出人的情感。因此，假设出现颜色复杂且乱的情况，则会导致人的心情变得非常糟糕。可是色彩也不应当太过沉闷与低调，当人们工作了一天回到家，一定是希望看到让人心情愉悦的环境，这对于减轻自身的疲劳起着非常重要的作用。
(三)合理使用现代流行元素衬托传统文化
中西方混搭室内设计于融合传统色彩和图案惯用表现方法，将民族文化烘托出来，和现代流行的元素融为一体。掌握流行趋势的主要目的实际上就是借助时尚感的图案和颜色衬托出中国传统色彩与图案里面的传统文化。和全球经济发展背景下的现代流行元素相融合，让中国与西方国家传统文化在结合的过程中可以得到升华，进而和国际审美标准相接轨。
(四)科学使用中西传统图案色彩特质
中西传统图案特征一般体现在形态表征方面，具备了空间性与时间性，同时两个相结合，在意蕴上具备了符号性与象征性、和谐性与寓意性等特点。中国经常采用这部分属性特点来进行界面装饰，以此来进行人心教化。中国使用传统五色观，在色彩运用习惯方面体现为喜欢原色，中国人经常给予纯正饱和与鲜艳的颜色以丰富的现象和象征。将纯色比较为核心，喜欢把互补的纯色进行搭配运用，进而打造出鲜明快活的颜色效果，并且还具备总体色调的深沉感以及厚重感。西方国家传统图案色彩则给人高贵、清新雅致之感，颜色通常是以白色与淡色为核心，通常会使用银色以及金色来装饰。
(五)中西传统图像和色彩相结合的方式
中西混搭本身为艺术和文化相融的表现形式，文化和艺术在不相同的历史时空之中分别散发着自己的光芒，虽然不相同的地域艺术均是对自然的反映。可是地域的阻隔创造出了更多的装饰符号，即传统图案和色彩。目前先进的通信设备和交通工具的运用已经有效解决了地域阻隔导致的文化沟通困难的问题。中西方文化的沟通就好像一次碰撞，这样碰撞出来的室内装饰并不是中西方不相同词汇所累积起来的视觉效果，而是需要达到各种文化的融合。而要达到各种文化装饰符号的融合，第一步就需要发现中西方文化间的互补因素，同时进行借鉴与创造，最后达到中西文化相融的目的。而中西装饰符号相融的方式主要有共生，就是找到不同的文化背景之下有相同特征的多种语汇，将其使用在室内空间中，表现出追求中西文化和谐沟通与交流的審美目的;共融，就是采用同构、创作与融合，把不相同的词汇转变成符合相同秩序的符号体系，此乃中西方装饰语言进行再创造且在居住空间的完整呈现。中西方传统设计语言的重组，是居住空间设计的时代特点，混搭设计需要尊重中西方传统文化。
五、结语
综上所述，装饰图案和色彩通常附着于室内界面和内含物上，其在室内设计中有着非常重要的作用，并且所扮演的角色也是极其重要的。而传统色彩及图案使用在混搭室内设计，是为了传达文化精神与传统元素符号相结合的美，进而表现出从差异性中寻找和谐。
参考文献：
[1]黄文珍.中西方园林建筑环境对室内景观设计的借鉴[J].四川水泥，2017(08)：79.
[2]陈俊宇.中国工艺美术对西方室内环境设计的影响探讨[J].美术教育研究，2016(08)：74.
[3]任光培.中西方图书馆的室内空间设计差异性[J].美与时代(中)，2014(05)：76-77.
作者：范春燕
壁画是中国最具代表性的艺术类别之一。盛唐时期，敦煌壁画发展鼎盛，不仅色彩绚丽，且充分呈现出盛唐时期的艺术、文化以及经济特色，彰显盛唐繁荣景象。现代壁画艺术领域学者研究表明，敦煌壁画是中国壁画艺术的精髓，藻井图案则是敦煌壁画中承载花卉纹样、动物纹样的主要图案内容，体现出传统民族集体创造的智慧结晶。文章就敦煌壁画和藻井图案展开分析，先概述敦煌壁画以及藻井图案，然后详细讨论敦煌壁画和藻井图案的色彩艺术，了解二者所呈现出的艺术特征。
一、敦煌壁画概述
敦煌是中国乃至世界最为著名的壁画之城，著名的敦煌飞天就在这座城市，敦煌壁画的艺术价值已经上升到世界艺术层次。在敦煌的众多艺术形式中，壁画是重要组成部分，不仅范围广，而且呈现出高超的工艺特征，充分体现了敦煌壁画诞生年代的辉煌历史。壁画的内容包含浓郁的政治色彩和强烈的人文气息，不仅表现形式多样，而且充分体现出东方古老传说，展现出东方神明的形象。敦煌壁画的形成主要是为了记录人们的现实生活，通过独特艺术表达，展现中国古代民族传统气息。
二、藻井图案概述
古代的很多建筑装饰图案中都包含四方形、八角形等图案，这种图案主要处于天花板的位置，呈现出“穹然高起，如伞如盖”的装饰特征，该种装饰图案就是藻井。在古代，藻井也被称为“斗八”“天井”或“龙井”，是古代建筑中屋顶构造的主要形式之一，敦煌壁画中的藻井图案正是根据孤岛建筑形成的藻井方式所形成的一种壁画新元素。敦煌是连通中西方国家的主要城市，佛教由此被带入中原，随着佛教文化的盛行，敦煌艺术气息浓厚，充分体现出中西方文化融合的特性。敦煌壁画作为无形的纽带将建筑元素、雕塑元素以及绘画元素联系起来，形成有机整体。藻井图案是敦煌艺术图案中最为典型的图案之一，主要分为几何、云彩、植物、火焰以及动物等多种类型，每种艺术图案都蕴含着足够的生命力，成就了藻井图案的艺术精髓。从初唐到盛唐，敦煌壁画艺术逐渐繁荣，藻井图案也从最初的成熟逐渐发展到鼎盛时期，卷草纹边、团花纹都成为藻井图案的代表图案，呈现出鲜艳的色彩和繁缛的纹样特征，将花苞禽兽等各类元素均纳入图案当中。
三、敦煌壁画和藻井图案的色彩艺术分析
(一)敦煌壁画的色彩艺术分析
敦煌的壁画不仅数量多，且类别多样。各种类别的壁画交织在一起，不仅凸显出壁画艺术的夺目绚丽，也凸显出壁画艺术图案的色彩艺术。敦煌壁画的色彩艺术从原本的单一色变为错综复杂的色彩搭配，整体色彩风格呈现出不同的社会风尚。可以说，敦煌壁画在不同发展时期呈现出的色彩表现达成不同的艺术高度，经过1000多年，成就了敦煌壁画的多种色彩发展路线。
早期的敦煌壁画以人物形象为主，该时期的人物凸显出天竺特色，人物的面部或肌肤色彩搭配借助天竺晕染手法。该种色彩晕染方式不仅能够提升色彩纯度，而且能彰显人物形象的立体感。随后，龟兹国文化传入敦煌，敦煌壁画的色彩开始呈现出多层次叠加的状态，此时的壁画不仅色彩层次分明，且充分凸显出西域特色。事实上，敦煌壁画的晕染技巧最早凸显在北魏时期的壁画艺术中，北魏的绘画晕染技巧受到西方文化的影响，逐渐融汇成比较新颖的绘画风格，艺术线条分明，且突破了色彩表达限制，让色彩艺术向着中西方融汇的方向发展。北魏时期除了绘画艺术实现色彩突破外，壁画艺术更是形成与敦煌壁画相辅相成的发展趋势，内地壁画表现出大面积色块搭配的状态，人物表现则以裸体为主，此时人物颜色绘制采用肉红色，具体技巧则以晕染技巧为主，整体感觉更加贴近西欧国家的美术艺术色彩形式。
隋朝时期，壁画艺术也具备较好的发展背景。受到隋朝文化影响，敦煌壁画此时的色彩搭配更显明朗和艳丽，在绘制西王母壁画时整体画面处理以线条流畅为主。在色彩搭配方面，西王母给人的感觉庄严肃穆，采用灰色、青色、白色和红色为主，大面积勾勒蓝色和白色，呈现出壁画整体的冷色调。
唐朝时期的壁画艺术继承了隋朝时期的壁画艺术风格，但在色彩搭配上却呈现出更加艳丽的特征。唐朝时期，中国画的影响范围更加广泛，绘画的线条和色彩技艺均更加成熟。初唐时期，人们所供奉的菩萨绘画线条设计更加流畅，色彩搭配采用晕染工艺，但该种晕染方式被严格控制在线条范围内。此时的菩萨壁画在色彩艺术上与绘画艺术十分接近，菩萨的衣着色彩搭配以红绿为主，胸前以红色为主，飘带则以绿色为主，充分呈现出视觉冲击感，营造出具备唐朝文化特色的雍容华贵形象。
(二)藻井图案的色彩艺术分析
藻井图案是一种图案形式多样化、纹样类别多元化的图案，在敦煌莫高窟的壁画当中起着陪衬和连接作用，成千上万的藻井图案与壁画连在一起，呈现出壁画图案的变化无穷。藻井图案是敦煌壁画中比较具有代表性的图案，呈现出非常明显的色彩风格，可以被用作装饰。藻井图案的整体风格与敦煌壁画完美融合，并不像一些現代装饰图案那样死板。例如，隋朝著名的藻井图案作品《三兔莲花藻井》的色彩搭配，中央采用绿色，充分描绘出三兔的运动特性，而以灰黑色和青白色作为颜色递进绘制成莲花的形态，不仅呈现出藻井图案的色彩层次变化，而且整幅图案给人色彩绚丽的感受。事实上，藻井图案和敦煌壁画一样，都经过复杂的色彩艺术发展阶段，藻井图案作为壁画的装饰品，在色彩搭配上需要考虑到壁画的整体色彩，确保色彩风格与整个壁画融合起来。藻井图案的色彩艺术在不同历史时期呈现出不同的特征，受到历史环境影响比较明显。例如，唐朝时期的藻井壁画和隋朝相比，色彩不再单一，色调也更加活泼且鲜艳，将不同的颜色与色度融合起来，呈现的色彩艺术价值明显超过前朝。以敦煌莫高窟第334窟中的五彩莲花来说，该莲花壁画中所呈现的藻井图案在色彩搭配上更加凸显艺术价值，不仅晕染技术高超，色彩搭配也更加巧妙，藻井的纹样分布以土红、朱砂、白色以及石青4种颜色作为主色。
敦煌壁画中的藻井图案不仅以色彩艺术方式呈现出文化传承内容，也凸显出敦煌当地浓厚的民族特色，充分展示出敦煌人民的日常生活气息。藻井图案所体现出的色彩艺术并不单纯是东方色彩艺术，不仅融合了中国古代社会的服饰文化，还将古代人民的思想形态和意识特征包含进去，能够让人在观赏壁画的过程中了解古代人们在艺术色调方面的意识形态，构建出更高层次的色调搭配艺术。藻井图案色调构成呈现出丰富的变化，凸显出图案的生命力，彰显了中国上千年的灿烂文化，体现出敦煌人民在不同时期的艺术创造能力。深度学习藻井图案色彩艺术，能够充分领略中国古代人民在艺术方面的意识形态和文化底蕴。
总而言之，不管是敦煌壁画还是藻井图案，都能够充分呈现出鲜明的色彩搭配特征。不只是整体色彩对比明显，局部色彩搭配也呈现出冷暖色调、补色、纯度、色相以及明度等方面的对比。人们观赏敦煌壁画以及藻井图案，能够感受色彩结构的鲜明，领略敦煌壁画以及藻井图案的独有艺术风格。敦煌壁画以及其中的藻井图案呈现出人们从独立开始到领略大自然艺术的整个过程，经历过上千年的发展历程，敦煌壁画以及藻井图案的色彩艺术表达更加清晰，展现出不同时代人类对于色彩艺术的理解和表达，展现出人们在色彩艺术方面的自然天性，风格和谐，且主次分明。色彩是人类情感认知的重要表现，不同时期，人们对色彩的认识和偏爱有所不同，敦煌壁画和图案色彩是当时社会色彩感知的具体反映。所以说，敦煌艺术的色彩成就只是那个时期的东方色彩艺术的高潮。但作为全人类罕见的精神成果，它将永远散发光彩。
四、结语
中国是源远流长的文化艺术强国，敦煌壁画艺术是中国美术文艺的经典。笔者利用色彩艺术追求理念、境界、意象、审美，勾勒出整个壁画艺术丰富多彩的效果。通过对敦煌壁画和藻井图案色彩特点的深入探究，反映出敦煌壁画颜料使用的装饰性效应，彰显了敦煌壁画和藻井图案色彩的特殊吸引力，对中国后期艺术发展具有不可磨灭的价值。
参考文献：
[1]姚思点.唐代敦煌藻井图案研究及在织物设计中的应用[J].浙江纺织服装职业技术学院学报，2020(3)：59-62.
[2]杨莎.“天堂之门”藻井：来自敦煌壁画的纹样艺术[J].服装设计师，2019(4)：133-137.
[3]张宁起.敦煌壁画艺术在现代服饰设计中的运用[J].漯河职业技术学院学报，2020(6)：81-83.
[4]岳锋.莲荷之辨：以敦煌壁畫中的藻井莲花为中心[J].兰州文理学院学报(社会科学版)，2014(2)：9-12.
[5]张亚莉.唐代前期敦煌壁画的服饰色彩艺术[J].敦煌研究，2005(6)：60-62.
[6]梁金星，万晓霞，孙志军.敦煌壁画色卡数字成像色彩管理应用研究[J].文物保护与考古科学，2019(2)：37-45.
[7]邵媛.动画片《九色鹿》与敦煌壁画《鹿王本生图》艺术风格浅析[J].电影文学，2013(9)：54-55.
(作者单位 酒泉职业技术学院)
作者：李成斌
品牌包装设计应从商标、图案、色彩、造型、材料等构成要素入手，在考虑商品特性的基础上，遵循品牌设计的一些基本原则，如：保护商品、美化商品、方便使用等，使各项设计要素协调搭配，相得益彰，以取得最佳的包装设计方案。如果从营销的角度出发，品牌包装图案和色彩设计是突出商品个性的重要因素，个性化的品牌形象是最有效的促销手段。包装图案中的商品图片、文字和背景的配置，必须以吸引顾客注意为中心，直接推销品牌。包装图案对顾客的刺激较之品牌名称更具体、更强烈、更有说服力，并往往伴有即效性的购买行为。它的设计要遵循的基本原则：
1.形式与内容要表里如一，具体鲜明，一看包装即可知晓商品本身。
2.要充分展示商品。这主要采取两种方式，一是用形象逼真的彩色照片表现，真实地再现商品。这在食品包装中最为流行，如巧克力、糖果、食品罐头等，逼真的彩色照片将色、味、型表现得令人搀涎欲滴;二是直接展示商品本身。全透明包装、开天窗包装在食品、纺织品、轻工产品中是非常流行的。
3.要有具体详尽的文字说明。在包装图案上还要有关于产品的原料、配制、功效、使用和养护等的具体说明，必要时还应配上简洁的示意图。
4.要强调商品形象色。不只是透明包装或用彩色照片充分表现商品本身的固有色，而是更多地使用体现大类商品的形象色调，使消费者产生类似信号反映一样的认知反映，快速地凭色彩确知包装物的内容。例如万宝路烟盒上身采用暗红色，下身是纯白色，色彩搭配醒目、突出，使人联想到西部牛仔的阳刚之气。烟盒上方饰有烫金的菲利浦·莫里斯公司的标志：两匹骏马护卫着一顶金色王冠，再加上黑色的Marlboro商标，更使人觉得万宝路气度不凡。
5."石门家族"式的包装，要将其重点体现在包装的主要展销面。凡一家企业生产的或以同一品牌商标生产的商品，不管品种、规格、包装的大小、形状、包装的造型与图案设计，均采用同一格局，甚至同一个色调，给人以统一的印象，使顾客一望即知产品系何家品牌。 (本文部分资料来源于弘道经邦杭州策划公司官网||)或网上整合数据，如有侵权，及时告知!
一、课程定位
《图案与色彩》是形象设计专业的基础课程，主要为形象设计专业的学生奠定基础，为彩妆设计奠定基础，另一方面为面向各专业学生的专业选修课，还是形象设计师、化妆师职业技能鉴定所培训的基础课程，是一门理论性与实践性高度结合的应用型课程。本课程的前序课程是图案，后续课程图案色彩。目的培养学生对图案与色彩的理解与认识并掌握。
二、课程性质
本专业面向形象设计公司、影楼、彩妆销售三大行业，以化妆师为培养目标。注重化妆、造型方面的职业技能培养，根据实际岗位技能需求，着力训练学生的实际操作能力和培养学生的职业道德素养。培养和造就学生对实际个例具体分析、设定计划及到最后实施造型的能力，达到一定的行业就业标准，使其符合相应的职业岗位要求。同时锻炼学生在工作中的协调沟通能力。本课程依据校企合作的现代化教学理念，以色彩学、服装设计、艺术鉴赏、美容、美甲、礼仪等的学习为基础，与化妆与造型的实践课程相衔接，共同打造学生的专业技能和综合素质。培养“下得去、留得住、用得上、干得好”的形象艺术设计应用型人才。本课程开发主要针对美发与形象艺术设计专业，也可以成为服装设计与营销、服装表演、行政事务管理等专业的辅助课程。
三、课程要求
通过教学与训练，使学生了解图案的概念，起源、应用，图案的造型，在实践中掌握具象造型、抽象造型的变化方法，掌握单独纹样、适合纹样、连续纹样的设计，结合图案的色彩设计，了解色彩原理，掌握色彩搭配的方法。
四、课程设计
1、图案概述，造型与变化
2、单独纹样，色彩的视觉心理与应用
3、适合纹样，色彩的联想与应用；
4、连续纹样，色彩的搭配方法
第一课：画素描所使用的工具及性能
广义上的素描，涵指一切单色的绘画，起源于西洋造型能力的培养。狭义上的素描，专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。
一、素描工具
1、铅笔：美术铅笔的铅芯有不同等级的软硬区别．硬的以"H"为代表，如：1H、2H、3H、4H等，前边数字越大，硬度越强，即色度越淡；软的以"B"为代表，如：1B、2B、3B、4B、5B、6B等，数字越大软度越强，色度越黑；学生用铅笔一般是HB形，软硬适中．对於初学绘画的可从HB到4B中选择三种类型就可以了．
2、炭笔：炭笔的用法和铅笔相似，炭笔的色泽深黑，有较强的表现能力，是画素描的理想工具，用於画人物肖像尤佳．但画重了很难擦掉．
3、木炭条：木炭条是用树枝烧制而成，色泽较黑，质地松散，附着力较差，画完成后需喷固定液，否则极易掉色破坏效果．
4、炭精棒：炭精棒常见的有黑色和赭石色两种，质地较木炭条硬，附着力较强，可用可不用固定液．
5、橡皮：画画用的橡皮一般常用的有香型的较软的橡皮和可塑性橡皮，可塑性橡皮如同橡皮泥，用起来非常方便．
6、画板和画夹：画板和画夹都有不同的型号，大小可随自己的画幅而定，初学者选用590X440mm左右的为宜．画板比较坚固耐用，画夹则方便携带，是外出写生的好帮手．
7、画纸：画纸要选用纸面不太光滑且质地坚实的素描纸最佳（图画纸的质地较松软，初学者不容易掌握
第二课：素描中线的表现方法
一、握笔
1、画画的握笔方法是和平时写字有区别的．通常的握笔方法是拇指、食指和中指捏住铅笔(如图1)，小指作支点支撑在画板上(或悬空)，靠手腕的移动来画出线条(如图2)．
2、只在细部刻画时才会采用象平时写字的握笔姿势，但依然是靠小指的支点来移动手腕完成(如图3)．
二、画板的摆放
1、画板的摆放应和视线垂直，画者和画板之间，应保持到可伸直臂膊的距离．这样在画的过程中，始终能照顾到全局，也避免由於视角的原因造成的透视错误(如图7)．
2、当画板位置确定后，在画的过程中就不要再移动，以避免因角度的变化影响画儿的透视改变．
三、线的种类和注意事项
1、在素描中线的表现方式灵活多样，也非常丰富，可以用排线的方法来表现一个面，线的轻重变化形成面的虚实凸凹等复杂的变化．这些都需要学习者从练习中去体会．
2、线的画法是落笔轻，中间重，收笔轻，整个动作一气呵成，形成两头虚中间实的线(如图4)．这样画出的线容易衔接，在整个画的过程中也容易把握整体的效果(如图5)．
3、带钩的线和两头齐的线在素描当中都是忌讳的，这样的线在衔接上会造成明显的接口，也容易造成线条的杂乱(如图6)．
4、排线是初学画画应特别注意的．虽说画无定法，但在没有达到一定程度时，讲究线的排放不但有利於学习的循序渐进，同时也是一个很好的学习习惯和方法．
第三课：素描中的透视表现
一、透视的类型
透视有三种：平行透视、成角透视、散点透视．
1、平行透视：平行透视也叫一点透视，即物体向视平线上某一点消失．
2、成角透视：成角透视也叫二点透视，即物体向视平线上某二点消失．
3、散点透视：散点透视也叫多点透视，即不同物体有不同的消失点，这种透视法在中国画中比较常见．
二、透视在绘画中应注意的一些特性
1、近大远小：近大远小是视觉自然现象，正确利用这种性质有利於表现物体的纵深感和体积感，从而在二维的画面上来表现出三维的体积空间．
2、近实远虚：由於视觉的原因，近处的物体感觉会更清晰，而远处的物体感觉会有些模糊，这一现象在绘画中也经常用来表现物体的纵深感．事实上，在绘画过程中，往往会对近实远虚更加以强调．（另外应注意的是：并非在所有的绘画过程中都遵守"近实远虚"这一规则，在一幅作品中主与次的关系往往更为重要，主体物的实和次体物的虚是更好的视觉导向，这也是艺术优於现实的取舍和区别．）
第四课：素描的色调"黑白灰"
1、色调
当光从一个方向照射到球体上时就会产生图1效果，我们把这种效果分成亮面、明暗交界线和暗面，其中明暗交界线由於和光的照射相切(光和球成0度角)，没有光线通过，最暗；我们还把亮面分为：高光和亮灰；把暗面分为：暗灰、反光和投影；在素描学习中，我们通常简单称这种明暗色调为：黑白灰．
2、素描色调的另一种说法：五大调
(高光、亮灰、明暗交界线、暗灰、反光) 五个调子是一切物体在一定光线下明暗变化的最基本格局，其具体明度的差比，要根据具体对象和具体光线去比较表现． 五大调的明暗对比的顺序是：
高光＞亮灰＞反光＞暗灰＞明暗交界线
第五课：构图
一、构图也叫布局（经营位置）
对於初学者，面对画纸，第一个问题就是画多大，放在什么位置，这就是构图．对於初学者，在没有把握的情况下，不妨先画几张小稿，在小稿上大概画出对象的长宽比例及雏形，选出利用画纸空间的最佳方案，然后依据小稿的构图在画纸上布局，定出对象位置的最高点和最低点，然后根据两个点画出运动线(可以是垂线，也可以是大的动势方向线)．在纵线上找到最宽部位的横轴线，依此宽高作参照，找出对象形体的大的走势和雏形．
二、构图时应注意以下几点：
1、构图不能太小(会让人觉得画儿显得不够饱满、小气)；(图1构图太小)
2、构图时应注意重心的平衡；(图2重心不稳)
3、构图不能太偏(太偏会让人有一边重的感觉，造成构图不稳)；(图3一边重)
4、构图应注意透视的变化及比例关系，(图4比例和透视有误)
5、构图不应有残缺；(画石膏像时应注意)(图5不完整)
6、构图中视觉重心应在画纸的物理中心偏上一些；(图6正确构图)
7、如果构图中人物是侧面，要注意人物眼睛所对的一侧要稍稍多些空间，使感觉上画面不至於发堵．
第六课：石膏写生
第一节：几何体 ＜1＞
一、几何体的意义
常见的几何体教材有：锥体、球体、六棱柱体、圆柱体和方体等．
1、几何体是初学绘画的必修课．因为几何体在结构上单纯，也是一切复杂形体最基本的组成和表现形式，通过对几何体的绘画学习，不但能让初学者掌握最基本 的形体素描表现方法，而且也可从中初步的循序渐进的掌握素描五大调、结构以及透视的变化．
2、几何体一般采用石膏做材料，在质地上比较单纯，也暂时不用考虑固有色对形体明暗的干扰，有利於初学者集中精力学习光对形体的影响，掌握色调的基本规则．
二、几何体的画法
1、球体：
A、构图：画球体第一步要先画出一个正方形(用直线在画纸上定出最高点和最低点，以及等量长度的宽，注意构图的位置重心应在纸张的中心偏上)，然后用直线依次逐步削去其角，逐步使其趋於圆形．(注意：画圆一定要用直线来画，不能直接以弧线来圈一个圈，更不能运用圆规，这样做意在锻炼眼力和塑造形体的能力．) B、找出明暗交接线：在球体上明暗交接线是一个弧形，同样用短直线相衔接来表现这一弧形明暗交接线．(注意：明暗交接线在球体上的表现并非是截然的明暗分界，而是一个较模糊的，并且受反光影响，明暗交接线在色度上也并非一成不变，在表现上就更应注意观察，避免画死和概念化．) C、施加明暗：在施加明暗时，最好把处於暗部的包括明暗交接线、暗面、反光和投影一块儿统一起来画．先统一为一体，然后再在"明暗交接线"等地方逐步加以强调，使之在统一中寻找变化、对比和关系．在亮面靠近明暗交接线的地方是亮灰面，它的表现应由靠近明暗交接线到高光方向依次减弱，并始终使其明度高於暗面，高光的地方留白．(在画的过程中为了突出球的体积效果，可以强调明暗的对比，特别是明暗交接线的表现，事实上往往画得比看到的调子要重些．这是因为铅笔的表现力度远远达不到光照的效果那么丰富．) D、调整：调整在整个绘画过程中是很重要的一步．在前面局部的刻画中，难免会出现和整个调子不和谐的地方，或者是刻画不足或者是刻画太过，甚至是某些局部的形不够准确，都会影响到整体效果，在调整过程中，就是针对这些进行修改，使其在形体上准确，色调上统一和谐．(在调整中，作为最初的辅助线，此时也应融入到形体中，特别是最初所画的圆、表现明暗交接线的弧线，都应融进所属的面中，对於多余的辅助线应擦去．)
第六课：石膏写生
第一节：几何体 ＜2＞
一、几何体的画法
1、圆柱：
A、构图：画圆柱第一步要先画出一个长方形，(用直线在画纸上定出最高点和最低点，以及宽，注意构图的位置重心应在纸张的中心偏上)，截取一段儿高度为圆柱切面圆的透视形，注意观察圆柱的透视变化，然后用直线依次逐步削去其角，逐步使其趋於椭圆形，由於透视的近大远小的法则，椭圆在透视上的前半圆要比后半圆略高些．下圆面的透视也一样． B、明暗交接线：在圆柱体上明暗交接线是一个在弧形面上的直线，同样用短直线相衔接来表现这一弧形明暗交接线．明暗交接线在圆柱体上的表现也是一个较模糊的，并且受反光影响，明暗交接线在色度上也并非一成不变．
C、施加明暗：在画的方法上和球体一样，在施加明暗时，也要把处於暗部的包括明暗交接线、暗面、反光和投影一块儿统一起来画．先统一为一体，然后再在"明暗交接线"等地方逐步加以强调，使之在统一中寻找变化、对比和关系．在亮面靠近明暗交接线的地方是亮灰面，它的表现应由靠近明暗交接线到高光方向依次减弱，并始终使其明度高於暗面，高光的地方留白．
上圆截面由於受光的斜射，应作为亮灰来处理，强调上截面圆和暗面对比在视觉上所造成的反差，在处理上应将靠近暗面的部分渐渐变淡，以增强这种对比． 画投影时除了找投影的准形外，在处理上应和暗面一起来画，然后略强调较靠前的投影部分，并逐渐变淡，使之在透视上处於远部分的投影变虚（近实远虚）．
D、调整：调整在整个绘画过程中是很重要的一步．在前面局部的刻画中，难免会出现和整个调子不和谐的地方，或者是刻画不足或者是刻画太过，甚至是某些局部的形不够准确，都会影响到整体效果，在调整过程中，就是针对这些所做的进一步修改，使其在形体上准确，色调上统一和谐．
第六课：石膏写生
以上鼻子、眼睛、嘴巴、耳朵的图例：
1为构图；2为寻找结构；3为刻画和调整后的效果． 明暗画法和结构画法
1、以光线的明暗变化对物体的影响来表现对象，叫明暗画法．如上图：鼻子、眼睛、嘴巴．（强调光影的变化）
2、以描绘物体的结构特征来表现对象叫结构画法．如上图：耳朵．（强调结构内在联系）
3、对於初学者可根据自己的喜好自由选择适合自己的画法．
第二节：鼻子、眼睛、嘴巴、耳朵
一、构图(图1)
1、构图在整个作品的完成过程中很重要，构图的大或小以及位置的偏或斜，都会影响画儿的最终效果．（构图注意事项详见第五课＜构图＞）．
2、在构图过程中要多用水平和垂直的辅助线，有了这些辅助线，你就能及时较容易地发现绘画过程中所出现的错误．注意这些辅助线不要急於擦去，在往后的较深入刻画时，这些辅助线大多数会融入进画面．
3、构图是一个高度概括的一步，要抓大的形体走势，用直线概括成简单的几何形体，尽量舍弃局部细节．如鼻子可以概括为长方体；眼睛则为球体等．
4、在整个构图过程中，用笔要轻，即线应有一定的灵活性（活线），并不要求每条线位置都准确无误，为以后的修改留下余地．
二、结构和大关系(图2)
1、在上一步基础上，进行较细的描绘，注意描绘对象的结构同样要用直线，概括出局部的形体以及转折，同时应对重点描绘对象略加以强调，使之醒目，这样做是为了让自己始终明了描绘的主与次的关系，为接下来的工作做好安排（随时停下来，我们眼前的画都应是有突出点的，有条理主次的）．
2、在寻找结构过程中可适当略使明暗，在明暗交界线结构转折的地方用笔适当放重，并向暗部略有几笔过渡，使之形成面的转折．
3、在寻找结构中也同样要考虑到整体，要让局部始终服从於整体．
4、利用各种辅助线反复检查整体局部的形、结构是否正确无误．发现有偏差应立即修改，哪怕是极小的也应马上改正过来，因为此时修改相对还较容易些，等到进入深入刻画阶段再来修改，就会麻烦多了．
5、检查时除了多用辅助线，还有一种方法，即换个角度检查，比如把画倒置，这样做的好处是，由於长时间同一个角度来看一幅画，在视觉上已经产生适应性，对所看到的对象反映趋於迟钝，换个角度会很容易发现问题的所在．
三、深入刻画(图3)
1、进入刻画阶段时还应时时注意刻画对象的主次关系，主要刻画对象要始终优於次要对象，对於人物五官的刻画，一般情况下主次顺序是：眼睛－鼻子－嘴巴－耳朵．但根据侧重的情况不同也会不同的主次关系，比如模特的嘴巴特征特别明显，就有可能把嘴巴的刻画放在主要位置．
2、"近实远虚"也是刻画时应遵守的一般规律．但对於画面的主次关系而言，主要刻画对象应优於"近实远虚"．
3、刻画时骨点的强调也很重要．把握好骨点也就有了内质，坚实有力，使所表现的对象不至於留於表面．
4、在整个深入刻画的过程中，整体关系始终优於一切．在整体关系的协调下，才会有主与次，近实远虚的相应关系．
四、调整(图3)
1、调整是最后一步，也是关系到作品最终效果非常关键的一步．在通过了前面一系列的工作以后，回过头来再看，我们会发现其中有许多的不和谐，比如有些地方刻画的还不够，有些地方则刻画得过了头，甚至有些地方还会有错误出现，这些都会影响到画的整体效果以及主次关系的表现，适当加以调整修补是很重要的．
2、在调整过程中还要始终以整体效果为目的．对於不和谐的地方要毫不手软地加以修正，不要因为某一局部刻画得很精彩而舍不得修改，要知道正是这不该精彩的地方的过於精彩破坏了整体的协调，从而造成整幅画的不精彩． 第六课：石膏写生
第三节：石膏像
石膏素描是学习素描的起步和入门，一件精美的石膏素描有利於培养和提高学生的审美能力；并且石膏因为没有色彩的变化，更有利於初学者集中精力把握整体特征、比例关系以及明暗变化．
下面我们将针对石膏像"战神"为例进行练习
1、构图：构图的好坏直接影响着整个作品的最终效果，画正面的战神挂面像，在构图时应注意位置的左右均衡，由於视觉上的重心是物理中心偏上一点儿，为了使作品不致於有下沉感，在构图时就要考虑进这一因素，使构图位置偏上一些；
2、透视：注意整体与局部的关系，比例、透视变化．
3、整体大关系：在画的整个过程中，把握整体关系是自始至终都应注意的；
4、色调：在画的整个过程中，同时应做到画面色调的心中有数；
5、重点刻画：在服从於整体大关系的基础上，进行重点刻画，使画面显得主次清楚，层次分明；(图4)
6、调整：在画的过程中难免会陷入局部，在画儿基本完成之时进行整体的调整尤其重要．
第四课：人物写生
人物写生对锻炼学习者观察能力和塑造能力都有着很大的帮助，同时通过人物写生学习也是在为创作打基础，在以后的创作道路上，有没有一个很好的写生基础，往往也决定着一个人的绘画艺术的生命力．
人物写生除了要注意在学习石膏像写生时的构图、色调、整体 关系、重点刻画等，还应在质感（包括皮肤质感、头发、衣物等的质感）、特征方面下功夫，抓住人物的独特点，进行适当的夸张刻画，使这一特点更为凸显，做到既尊重於真人的描写，又超越於照相式的原样照搬， 从而增加艺术的感染力．
关於人物素描的学习，是一个长期的在实践中不断锻炼提高的过程，本课所讲的只是本人在学习过程中积累的一点经验，仅供初学者参考．总之，学习绘画最好的方法还在於自己多画，从画的过程中自己感受积累经验
第一课、色彩的属性及相互关系
1、三原色：红、黄、蓝（在色彩中不能由别的颜色来调制三原色）
2、复色：除去三原色的所有颜色，如：橘红、草绿、粉红、紫色、褐色、．．．
3、对比色：(图1)色环方向相对应的两色互为对比色；如：(红＿绿) 、(黄＿紫) 、 (橘红＿蓝)；
4、邻近色：(图2)色带中相邻的颜色；
5、暖色和冷色：(图1)色环上半圆为暖色，下半圆为冷色；暖色和冷色没有绝对的区分，只是在某种情况下对颜色相互比较而言，如：绿色和蓝色相比，绿色为暖色而蓝色为冷色，绿色和黄色相比，则绿色为冷色而黄色为暖色； 第二课、构图的常用形式
构图的常用形式有：
三角构图、圆形构图、方形构图、聚焦式构图和 "S" 形构图等．
在静物写生中三角构图最为常用(图3)；
构图中注意的事项：
1、构图的均衡，防止构图的重心不稳和偏移；
2、疏密的结合，防止构图过於集中或松散；
如静物写生中水果在画面中的摆放，就应该注意水果的"组"和"散"的密疏搭配，使画面有张有弛，相互关联．
3、主次分明：主次一般会体现在所占面积和位置上；
主体一般会在画面的视觉中心位置，所占面积也相对较大；没有主次的画会让人感觉不知所云．
第三课、色调
根据它的冷暖分为：冷色调、暖色调；
色调的协调统一，以及色调的冷暖差异，对一幅画的整体效果，情感氛围，都有着不可估量的作用；
1、运用暖色调很好地反映了中午烈日下小巷的明朗和宁静(图7)；
2、运用冷色调很好地反映了月光下小巷的幽静(图8)；
3、运用暖色调很好地反映了夕阳下小巷的温馨(图9)；
备注：对於冷暖色调，并不是说不可以在画面上出现对比色，适当的对比色的运用反而会强化视觉表现，只要对比色的存在不至於破坏画面色调的和谐就可以使用．
第一课：怎样画速写
画好速写一直被认为是件有益的事，对于每一位习画者来说，注意其基本要求和方法至关重要．
1、在练习中要善于观察，抓住关键的动态神态，舍弃那些繁琐的细节，速写从某种程度上讲，就是培养习画者的取舍能力，培养习画者能抓住让人感动的东西的能力．
2、重要的部位，如人物速写中的头部和手，要多用些心思，那些次要的部位可尽量画得简略，
3、我们还可以有针对性的进行动态速写，练习抓大的动态；适当进行慢写练习，默写，以及临摹，都有助于速写水平的提高，
4、在画的过程中且记：不要看一眼画一笔，画错了也没关系，也不用擦，可以再重复再画一下，那些错误的用笔有时反而会让画面感觉更充实和充满活力，
5、速写关键还在于多练，从画的过程中揣摩领略出来的东西，才是对自己最为宝贵的哦！ 平面构成
第一课、形态的类别、特征及关系
一、形态的类别：自然形态、非自然形态
1、自然形态：
自然形态是指自然界的生物和非生物形态．(如山、海、花草、鱼虫等)；自然形态的变化极为丰富，有些形态易被感知，(如山石、动物、树木等)，有些形态不易被感知，(如雾、晚霞等)，还有些形态工整有序，像是人工所为，(如斑马身上的条纹、蜂巢的六边形等)．
2、非自然形态：
几何形态：以几何形构成方、圆、角、锥、弧、曲形等；
抽象形态：有偶然抽象形态和自由抽象形态；
怪诞形态：某种梦幻中感觉的形态；
装饰形态：对自然形态的概括、化简、归纳整理；
人为形态：人为加工设计的形态．
第一课、形态的类别、特征及关系
二、形态的特征
1、形状：构成形象的主要特征，有内外轮廓区分；
2、大小：形之间的比较差异；
3、颜色：形的明暗、黑白或色相差异；
4、肌理：形态表面的质感，如粗、细、光、皱、凹凸差异；
三、形态的关系
1、分离：形与形关系疏远；
2、相遇：形与形关系密切；
3、相切：一个形占主要位置；
4、相连：形与形结合一起；
5、重合：消失掉一个形，如日蚀；
6、相叠：透叠出新的形；
四、形与背景的关系
任何形在背景中都可看作是空间的存在，在背景中涂实的形是正形或实形；反之，背景中空白的形是负形或虚形，而以线为轮廓构成的形为线形．
第二课、点、线、面的运用
点、线、面是平面构成的基础，任何形的构成和组成都离不开点、线、面的运用．
一、点
1、在形态构成中，点有大小、形状和面积，是基本的形态要素．
2、点有实点（积极的点）、虚点（消极的点），点还可构成线（点的线化），还可构成面（点的面化）．
3、点的大小变化能产生空间感，点的规律排列能产生方向感，点是线和面的变化基础，点还可以形成自由聚散的变化．
二、线
1、线的表现形式：
几何曲线：具有机械美；
自由曲线：富于个性，活泼自由，有节奏美；
涡线：有速度感、向心性；
辐射线：规律的扩散性；
横线：稳定、包容、安宁，有象征女性的寓意；
竖线：挺拔、向上、发展，有象征男性的寓意；
倾斜线：不稳定，有动感；
排列线：有平行排列、垂直排列、曲线排列等，有整齐、秩序感；
交叉线：不同线形的相互交汇．
第二课、点、线、面的运用
二、线
2、线的性格：
A、是通过线的不同表现形式，如粗、细、迟缓、流畅、急促等变化，给人造成某种心理感受，如喜悦、悲伤、坚实、烦乱等．
B、消极的线(隐藏的线)
C、不是直接的实线，而是能知觉出的隐藏的虚线．
D、点可以构成半虚的线．
E、线的排列可以构成半虚的面．
F、封闭的线构成面的轮廓．
三、面
A、面与点、线相比更具理性和量感．
B、充实的面具有量感(积极的面)；非充实的面具有虚感(消极的面)(点构成的面，线构成的面，被包围的面)；封闭的线形成空间中的形(线形)；
C、面可分为：几何的面、有机形的面、偶然形成的面；
D、影响面的因素：面的内部变化和外部变化；
E、面的构成：分割构成(减法):直线分割、曲线分割、异形分割；组合构成(加法):几何面构成、曲面构成、不规则形构成等．
四、点、线、面的综合构成．
造型语汇中用单一形表达，有时会显得单调和局限，点、线、面综合运用时则更为丰富，但不能平均使用，平均使用反而会抵销各自的形态特征．
第三课、基本形与骨骼
一、基本形
基本形是构成变化中的单位形，基本形可演化出若干种构成变化形式．基本形之间的组合关系，可表现为 构成形式中的重复、近似、渐变、发射、变异、集结、对比等，基本形还可群化、繁殖、单形组合等．
1、重复构成：重复构成是同一形的重复排列，构成一种整齐、规律、秩序的美．
2、近似构成：指形的相似、相类、接近．包括有形状、大小、色彩、肌理、 质感 、位置、方向等近似构成形式．
3、渐变构成：渐变是指形的逐渐变化，是有序、有规律的改变．
(空间渐变、形状渐变、交错渐变、延异渐变)
4、变异(特异)构成：变异是指在整体有序中的个别无序，在普通中的特殊，在规律中的破坏，变异也是一种特殊的对比．
变异的表现方法：A、大小变异(整体的大与小的变异)；B、色彩变异(局部的色彩变异)；C、位置变异(产生局部位置变化)；D、方向变异(产生局部方向变化)；E、形状变异(产生局部形状变化)；F、错位变异(产生局部错位变化)；G、开烈变异(产生局部开烈变化)；H、分离变异(产生局部分离变化)；I、性质变异(产生局部性质变化)；J、破坏规律的变异(产生局部破坏变化)
5、集结(密集)构成：集结构成较为自由，集结有些像自由发射，有些像自由的渐变，是靠疏密变化，产生节奏，形成韵律．
6、对比构成：对比是形态中不可协调的因素，彼此相互排斥，在对比中强调各自的特性．造型上有大小、方向、形状、色彩、肌理、空间、节奏的对比．
渐变
大小变异 形状变异 位置变异
色彩变异 肌理变异 开裂变异
方向变异 错位变异 线质变异
第三课、基本形与骨骼
二、骨骼
在平面构成中骨骼有两个职能，一是本身骨骼线构成，再者是骨骼容纳基本形．广义上讲起支撑作用的都可看作为骨骼，在自然界中参天大树是靠树干支撑的，一片树叶由叶筋支撑的，人、动物有骨骼，建筑物有柱、梁、框架，都可以看作是骨骼．
1、骨骼与基本形的关系：基本形纳入骨骼中可以有显露骨骼(有作为骨骼)和不显露骨骼(无作为骨骼)两种形式．
有作为骨骼是指骨骼置入基本形后，骨骼仍发挥作用；无作为骨骼是指骨骼置入基本形后，骨骼消失或骨骼已不发挥作用．
2、渐变骨骼：渐变骨骼有单元渐变、双元渐变，渐变骨骼还可纳入渐变基本形，也可基本形不变，重复置于渐变骨骼之上．
3、发射骨骼：骨骼呈放射状，也可以是一种特殊的渐变形式．(发射的形式有：心点明显、隐晦、变换、迁移心点、旋转发射、不连接发射等)
第四课、比例与分割
平面构成中分割是构形的常用手法，骨骼也是对平面的分割，分割可以按比例分割，也可自由分割，或将原形态分割打散重新构成．
比例分割反映出人们的一种审美观，古希腊人崇尚黄金比(1:1.618), 他们将黄金比运用到神庙和雕像建造中；古埃及人则用稳定的金字塔形表现他们的神圣与庄严，中国人崇尚"天圆地方"，"圆"象征苍穹、宇宙，"方"象征坚实的大地，"圆"还表示"饱满"、"中庸"的理念．
一、分割的常用方法：
1、重复分割：按一定的比例重复分割；
2、渐变分割：按一定的渐变比率分割；
3、等形分割：是一种对称分割形式；
4、等量分割：不对称分割，表现一种视觉平衡；
5、黄金比分割：以黄金比为分割比例；
6、自由分割：打破规律的单调；
7、打散分割：将原图形分割打散，进行规律或非规律构成
8、数列分割：(等差分割、等比分割、调合数列等)
第五课、空间与矛盾空间
一、空间：
空间是形态组合在二维平面上造成三维的空间感，这种三维的空间感源于视觉中的错觉性认识．
1、空间的表现形式：(A、线与形的变化组合可以造成空间；B、重叠可造成空间；C、形态的大小可造成空间；D、渐变可造成空间；E、明度、色彩差可造成空间；F、肌理差可造成空间；G、黑白、正形、负形、虚形可造成空间；H、阴影可造成空间． )
2、矛盾空间：矛盾空间是在平面上表现三维空间的矛盾性，造成眼睛的错视，表现为非现实的无理图形，假想空间、梦幻空间、错觉空间和非现实空间的表述形式．
3、矛盾空间的表现方法：A、视角变换构成的矛盾图形；B、形状交叉错接形成的矛盾图形；C、视错觉形成的视幻觉图形．
第六课、隐现图形与变换坐标 隐现图形
一、隐现图形：
隐现图形是一种视觉上的视差，使得图形忽隐忽现．(一般视觉经验对完整图形比较容易判断，而隐现图形则迷惑视觉判断，因为"隐"和"现"的图形都不是完整的图形，它们或相互交错，此隐彼现，或利用错视"图底"转换，共用形或共用线形成隐现图形．)
1、隐现图形的表现方法：(A、切割图形构成；B、利用公用线或公用形构成；C、利用图底转换或错视构成； )
二、变幻坐标图形：
坐标是确定图形、比例、位置的依据，通常使用的是正交坐标．
如果将正交坐标变形，正交坐标内的图形也随之改变．
其做法是：先在图形上画好正交坐标，以此为模式，然后再画另一任意改变坐标比例的形，将图形再画入其中，注意横竖坐标数不得改变．
第七课、肌理
肌理是指物体的表面纹理，不同的材料形成不同的表面肌理，它给人造成了不同的心理感受，肌理可分为触觉肌理和视觉肌理．
一、触觉肌理：
触觉感受到的肌理，触觉肌理受光的影响，触觉肌理可分：
1、自然形成的肌理，最为丰富，如岩石、树木；
2、人工制造材料形成的肌理，如金属材料、塑料材料、布材料等.
二、视觉肌理
1、绘写形成的肌理，规律的和无规律的；
2、特殊方法形成的肌理：
a、渲染法；b、吹彩、吹墨法；c、滴流法；d、对印法；e、拒水法
第八课、采集构成
采集构成是不同的现实生活素材作为构成材料，如过期的印刷品、摄影作品、报刊杂志等，也可是自然材料或日用品、工业品等．采集构成是研究不同素材重新构成后所表达的形式意义和内容意义．
平面素材采取拚贴手法构成，拚贴，可运用构成的各种形式语言，表现极为自由，拚贴还可将不同时间和空间的物象构成在一起，创造出一种超然的构成形式．
常用的手法有：
1、移花接木：改变结构、性质或形态；
2、偷梁换柱：是一种置换的方法；
3、时空错位：打破时空观念；
4、逻辑相悖：反逻辑思维；
5、形象变异、变维：形式上表现为多维度图形；
6、隐藏图像：迷惑视觉；
7、同构图像：不同性质的图形同构在一起，如：埃及的狮身人面像、欧洲的美人鱼等都可看作同构图形．
图案
1、图案的应用：
图案的用途非常广，尤其是用在装饰方面的特别多，如：各种工艺品的装饰、雕塑、陶瓷、布料等的装饰等等．
2、单独图案是学习图案的第一步
习惯上我们常用几何图形(圆形、三角形、方形、菱形、正五边形、正六边形、椭圆等)作为单独图案的基本形，所做图案适合於基本形内；单独图案经常采用对称、均衡等形式，不管采用何种形式，在设计图案时都应注意的是：图形的高度概括及特征的突显；构图的饱满程度；主次关系是否明朗突出；色彩在色相、明度、纯度上的搭配是否和谐(关於色彩的搭配详见"色彩构成")；
第二课、二方连续、四方连续
1、以一个或一组图形为单位，形成左右(或上下)的两个方向上的重复排列，这种形式就叫二方连续；
2、以一个或一组图形为单位，形成上下左右的四个方向上的重复排列，这种形式就叫四方连续
细雨绵绵中不觉回忆起五周前还在教室安静画着花卉的场景：
面对着一个花儿，我却始终不知如何是好，百般无奈下不得不翻开教材，饥饿的扑在上面，图案是一切设计艺术的基础;是实用美术、装饰美术、建筑美术方面关于形式 色彩、结构的预先设计，实在工艺、材料、用途、经济生产等条件制约下，形成图样、装饰纹样等方案的统称;是一种装饰性的艺术，是装饰性和实用性相结合的艺术形式。是设计与工艺同意的艺术形式……。他存在于生活中的各个领域……
想要画出好的图案，只有概念是不行，还要了解其特点与艺术特征，其特点具有装饰性与适应性……之后是图案的写生与变化，书中部分图形的变化吸引了我的眼球，不由得赞叹。 可能是因为刚开始学这个课程，章婷老师体谅大家可能不太适应，就先让我们进行了5张白描的作业，这下可苦了我们，刚入手什么都不晓得，最后只好通宵了，搞的筋疲力尽，次日只过了两张，对于老师的严格要求，我不仅没有抵触的情绪反而发自内心的欢喜，老师是个负责的老师，平时和同学们有说有笑，关键问题涉及到学生利益，有关学生学习的事寸步不让。
周四，老师带我们到阅览室去翻阅书籍，发现并记录有新意的花卉在各个领域里的体现形态，次周，章婷老师让我们带上休息日中所拍的照片去多媒体教室分享并讲解，开始同学们挺含蓄的，几乎没有几个主动发言的，老师也感到可能是基础知识没了解透，所以又把变形，二方连续，圆盘边饰，适合纹样的基本形式讲了一遍，又把5班的优秀作品拿来给我们欣赏，让我们从中受到启发，但是当时脑袋就像翁掉一样，不开窍，快下课了，同学们的积极性仿佛被带动起来了，不停地有同学举手发言直至下课。
花卉课结束了，虽然自己做的花卉可能不怎么符合大众的审美观，但自己还是蛮喜欢这个课程的，安安静静的做在教室里画自己喜欢的花卉装饰图案，培养耐性，在这个闷热的天气里，是一种很好的磨练，同时也看到了同学们的想像力之丰富和动手能力之强。
花卉课算是我们对此课程的亲切称呼吧，感谢同学的帮助，老师的指导，课程结束不以为着学习的完结，只能说是一个跳板吧，带着微笑继续下一个课程的学习，继续人生路程的体验。
Xxx
09陶艺3班
2010年5月19日
课程名称：图案设计与图形创意 使用教材：现代设计色彩与写生 主 编：叶经文 苏仕元 出 版 社：湖南人民出版社 出版（修订）时间：2007年9月 专业班级：2013级环境艺术设计1班
授课时数：总60课时；理论：10课时；实践：50课时；其他：0课时； 授课教师：
授课时间：2013至2014学 第1学期 主要参考文献：
《设计色彩》，潘春丽，北京出版社，2010．7；
第一部分 图案设计
课题：第一章概述
教学目的：了解图案的起源和发展、图案的实用性与艺术性、图案设计原则、图案的特征与分类、图案的学习方法。
教学重点与难点：了解图案的实用性与艺术性、图案设计原则、图案的特征与分类。 教学时数：4课时 教学内容：
第一节 图案的概念
著名艺术大师毕加索说：“单纯的美不是肤浅、单纯。”在艺术设计领域中，图案是优美的。它以简洁、单纯、丰富的想象，给人类的生活带来无比丰富的蕴含。
图案不是自然和生活的直接再现，而是人类思维和智慧的再创造。可以这样理解，自然和生活是图案的母体，人的智慧和创造力是图案的父体。只有这两者充分的结合，图案才会健康发展。学习一直都有“纯”和“杂”之分，若从设计的角度，或从创造性上来讲，似乎“杂”的思路更易入门，也更易变化和丰富起来，最后实现去伪存真，图案设计也是如此。
图案简单的说，是图和案的结合。图是指图形、图像；案是指方法和手段。合起来说，图案就是用一定的方法和手段形成的图形和图像的总和。图案始终贯穿着“用”与“美”两个方面。
图案最初是自然和打猎等生活场景的描摹、写照，表现了内心的祈求和对未知自然力的崇拜和恐惧，这在人类早期的岩洞壁画中都有表现。图案还表现了人类丰富多彩生活的各个侧面，特别是民间艺术图案，深深蕴含了人们对自然美好生活的热爱和向往。图案还借助宗教的发展和传播而兴旺发达、异彩纷呈。
图案教育家、理论家雷圭元先生在《图案基础》一书中。对图案的定义综述为：“图
1 案是实用美术、装饰美术、建筑美术方面，关于形式、色彩、结构的预先设计。在工艺材料、用途、经济、生产等条件制约下，制成图样、装饰纹样等方案的通称。”（人民出版社，1963年）
第二节 图案的起源和发展
一、图案的起源
我们祖先早在原始社会已经开始装饰艺术的实践。无论是有着五千年文明的中国还是古希腊、古波斯、古埃及或者是东方国度日本，都以精美丰富的图案艺术遗赠，丰富着世界装饰艺术宝库。
艺术的起源至今扑朔迷离，众说纷纭，同样团的起源也是一个难解之谜，多种学术观点并存，争执不休。有功能说，根据功能说理论，功能是图案产生的原因；有装饰说，按照装饰学说的观点，人类的装饰行为和活动中，首先是从人类的装饰行为和活动中，首先是从人类自身开始的。世界上许多民族都懂得如何装扮自己，这也促进了图案的发展。还有图腾说，此种学说认为正是人类原书宗教信仰成为图案的起源。当然以上观点和理论不足以代表图案艺术产生的全部理论，但可以肯定的是图案不仅形式多样，而且内涵必然更加深刻，其丰富的内涵期待人们去探索和研究，以真正揭开图案产生的谜团。
二、图案的发展
1、传统装饰图案
中国传统图案有着悠久的历史和辉煌的成就。早在几千年前新石器时代的彩陶上，先民们就开始运用图案来装饰自己的生活，利用装饰语言来表达对美的追求和向往。随着时代的发展变迁，生活条件、生产方式的变化，对美的追求也在变化。中国传统图案、中国民间图案以及外国图案都是我们学习、借鉴的优秀作品，这些对我们学习图案是非常重要的。
2、新石器时期的彩陶
新石器时期的彩陶分布很广，造型极为丰富，常见的器型有碗、盆、壶、瓶、鼎等生活用品。这些丰富的器物配上不同的图案装饰显得充实完美。这一时期的图案以简洁、概括、充满活力为特征，内容主要有动物、植物、人物、几何形四种。
3、商周时期青铜图案
商、周两代是青铜器艺术的鼎盛时期，其装饰图案和造型为世人所瞩目。受当时奴隶社会的影响，其图案风格沉重、神秘、威严、凶猛。
4、战国时期的装饰图案
由于手工业分工越来越细，工艺逐渐成熟。随着时间的推移，图案越来越接近生活，以弧线、斜线为主的灵巧结构逐渐占据了主导地位，图案特点形象、活泼、生动，出现了以叙事为主的图案形式。
5、汉代
汉代的工艺品很多，每个品种由不同形式的装饰图案构成，共同形成了汉代浑厚、宏大又活泼的装饰风格。
6、唐代装饰图案
盛唐时期，国家出现了空前繁荣的局面，对外交流与贸易频繁。由于思想解放、博取众长，使唐代的装饰艺术更加丰富、丰满、富丽、华贵。在装饰内容方面，除动物外，植物花卉也开始发挥主体装饰作用。
7、宋元装饰图案
3 宋代是古代陶瓷艺术的高峰，清秀大方的图案代表了这一学期高雅、凝重的艺术风格。图案造型构图完美，以花卉为主要内容。
8、明清装饰图案
明清经过不断的技术革新，图案工艺有了提高，品种趋向多样化。出现了中西结合的景泰蓝，图案风格华丽、丰富、密集；同时又由于过分追求装饰性，显得纤细、艳俗和做作。
9、现代装饰图案
现代装饰图案随着现代生活、生产的进步，在各类现代艺术、现代观念的撞击磨合中得到了空前的发展与完善。包豪斯开创的三大构成课程中，对形式、空间、色彩科学而理性的认识以及所形成的现代设计方法，均对现代装饰图案设计产生了深刻的影响。现代设计赋予图案以全新的设计理念以及功能与形式，使之具有崭新的现代面貌，并获得了更加旺盛的艺术生命力。
第三节 图案的实用性与艺术性
图案，是一种实用美与装饰美结合的艺术形式，它既要求实用又要求美观。 实用性：它是图案的物质属性，是有其内部结构形成的特定功能及社会各方的需求。图案设计的目的是如何美化人们的物质生活，扩大实用工艺品的内容和范围，充分发挥材料的性能和工艺的特点，使艺术创造和物质生产完美地结合起来，否则，设计的图纸只能是纸上谈兵，既使付诸生产，也可能费时费料，不切实际。
4 艺术性：它是图案的精神属性，是外部构成的形式，它体现了设计者的审美情趣和审美习惯。图案设计者根据产品的内容要求，通过对生活的观察，用自己丰富的想象力、表现力和各种表现手法，对对象进行加工、提炼、概括、取舍等艺术处理，最大限度地美化我们的现实生活。
艺术性必须从属于实用性，两者既相互制约又相互统一。因此，我们的设计要遵循“经济、实用、美观”的原则，根据具体情况，各有侧重，使三者尽可能地达到完美的统一。
第四节 图案设计原则
图案的设计原则是，合理使用包括心理学、生理学、人体工程学、美学等各方面的学科，使设计对象达到“经济、实用、美观”的完美统一。“经济、实用”是工艺美术的价值功能，包括生产、成本、财力、物力、人力、时间的综合效应。“美观”是工艺美术的审美功能，任何工艺品的设计都要符合审美功能，任何工艺品的设计都要符合审美的要求，进行“恰到好处”、“恰如其分”的 美化。要根据科学、适销的原则，结合产品特点和要求，进行全面整体的艺术构思，使艺术与实用完美地统一起来。
第五节 图案的特征与分类
一、图案的特征：
图案就是把多种视觉元素有机地组合在一起，使人感到既丰富又统一，既多样又有条理，成为一个完美的整体。它的审美性质，主要是有各种形态经过艺术构思和视觉化、审美化，通过象征的含义和抽象的形式构成而显现的。充满了内在的象征力量和优美的外在形式的统一，这就是图案的艺术特性之所在。
二、图案的分类：
分类是人类认识世界的一种方式。人类通过指定某一种标准，把符合标准的一大群事物分为一类，即认识和把握了这些事物的共同特征，以便尽快的认识特殊的个别事物，也便于找 5 出不同事物的区别。但是，人类社会是复杂而丰富的，人们需要从多个角度和不同层次来认识事物，而在分类时往往会采用不同的标准。这种标准或是以性质、或是以用途、或是以外部造型、或是以题材、或是以风格、或是以技法、或是以年代、或是以色彩等来分类。总之，图案的分类因标准的不同而不同。
1、 从工艺美术应用来设计看，可分为：基础图案、服饰图案、装潢图案。
2、 从教学来看，可分为基础图案和工艺性图案。
3、 从艺术的层次上来看，可分为专业设计图案和民间图案。
4、 从图案的取材和意匠来看，可分为写实图案、变化图案、几何图案。
5、 从历史的沿革关系来看，可分为古代图案和现代图案。从图案的构成特点来看，可分为单独图案、二方连续图案、四方连续图案、混合图案。
6、 从图案的工艺特点来看，可分为玉器图案、象牙雕图案、雕漆图案、是雕图案等。
7、 从图案的空间关系来看，可分为平面图案、立体图案、综合图案。
8、 从图案的表现形式来看，可分为抽象图案和具象图案。下面将针对这两种图案的形式来进行详细的介绍。
第六节 图案的学习方法
我们做设计就是一个主动寻找问题、解决问题的过程，那么在图案设计的学习中，我们如何解决图案学习的思路、方法。以及图案的创新、发展问题？在具体地实施设计的时候，我们要指定一整套专业的学习方法，下面针对专业的特点，整理了如何学习图案设计的方法。
一、 主题的定制
这个就是设计创意的发散思维过程，从中心开始向树枝一样延伸过去。其间不必过于强调直接对应主题，还要把单个的形象充分展现出来，有了足够的量之后再回过头来寻找关联的线索。
二、资料的收集
资料收集关键是要找到与自己的主题相关的方向。图案源于生活史图案创作的源泉，这是图案创作的客观规律。只有深入生活去收集素材，并且有继承、有借鉴地学，才会使图案创作有创新。还要继承和借鉴各个历史的时期优秀的造型方法、构成形式及表现技法、综合现代的设计理念，创造出源于生活、高于生活，既典雅又完美既有民族传统特色又符合时代特征的新图案。
三、制定草图
最初的草图叫做一草，它是在资料收集的同时进行的，在你的线索的指引下，草图可以是线索的视觉串联，它是无序的，也是设计创意最初源泉所在，这一部分也着重培养学生的构思能力、敏锐的观察力、高度的记忆力以及丰富的想象力。
四、草图的修改于资料的扩充
在草图实验的过程中，由于图像自身的发展的原因，会使图形的发展转向。这时除了始终关注主题的呈现以外，同时也得为造型的可连续做准备，资料的再收集也使图案有一个更为明晰的方向。这一部分着重培养学生的熟练的造型能力，新颖、巧妙的构成能力及生动、协调的配色能力，还有灵活多样的技巧运用能力。
五、设计效果图
这一部分包括局部的正稿、整体的正稿以及应用效果图。局部和整体的图在排序上做到主次分明。根据主体的需要来调节版式，使版式围绕主题，为主题的呈现服务。这部分主要培养学生的欣赏与鉴别能力，而且检验学生的设计是否充分体现出实用与审美的双重要求，以及使设计恰好适应工艺条件的能力。只有这样才能使图案设计更适应千变万化的市场经济。
六、编写设计说明
正稿完成后，为了诠释我们的设计作品，我们可以把设计说明排在相应的位置。设计说明是创作者创作思路及表现手法的精髓体现，它可以引导读者更好地理解作品的主题，它是继作品之后作者与观看者的再次交流。
七、作品的装订、装裱
完成了所有上述工作之后，为了使作品更为完整，我们要给作品进行装裱和装订。单幅作品我们就可以进行装裱。为了衬托作品，装裱的外框不能喧宾夺主，要尽量与作品的主要风格和色调形成一体。多幅的文案作品可以进行装订，装订需要按照规格来装订，可分为8开、16开。设计风格要与作品一致。还可以制作衬页，对作品进行分类，使作品很好的系统展现。
第七节 制作图案的基本工具
初学者要在图案色彩的训练前需要配备一定的工具来进行。熟练地运用工具来进行图案的创作，对每一位初学图案的设计者来说，是非常重要的。工具分为：纸张、笔具、器具、颜料及调色盒、盘等。
一）纸张
绘制图案可使用的纸张类型很多，在平时练习基本上多以绘图纸、水彩纸为主。正式图案时需买些较好的纸张，如白卡纸、白版纸及较厚些的绘图纸。以保证正稿的质量，也有利于保存。拷贝时需用透明度较好的纸张，如硫酸纸等。
l、绘图纸
多用于制作黑白图案，比较光挺、细腻、平整。也可以使用素描纸、打印纸、白卡纸等。
2．水彩纸
多用于绘制彩色图案，柔韧性和托色力比较强，双面纹理不同，适用于多种表现技法。画之前，应先将纸裱在画板上，使图案画得更加平整。绘制彩色图案也可以使用水粉纸、白卡纸，还可以用宣纸、彩色卡纸等表现一些特殊效果。
3．拷贝纸
具有透明性的纸，主要用于将草稿确定、转移到正稿上，并用来制作对称和连续等重复性图案。
8 二）笔
除用铅笔绘制草稿之外，图案更多的是使用钢笔和毛笔来绘制。
1、钢笔
钢笔需准备1～2支笔尖口径为0 3mm左右的绘图钢笔(又叫针管钢笔)，用于绘制较精细的黑白图案
2．毛笔
毛笔分为圆头毛笔和扁头毛笔。
(1)圆头毛笔主要用于图案具体纹样的制作描绘，应准备大、中、小多种粗细型号 (2)扁头毛笔主要用于不同面积的颜色涂染，其中应包括1～2支板刷，用来平涂较大面积的图案底色。笔毛以羊毫或兼毫为佳
三）颜料
使用的颜料主要以水粉颜料为主（也称广告颜料），有瓶装及管装两种。一般以管装最佳，因管装颜料品质较细，适合于设计使用。水粉颜料的覆盖力较强，有利于修改画面，但有时画水色法时，也可使用一些水彩色。水粉颜料 种类很多，一般选用12色或18色即可。白颜色需多准备一至二支。调色盒和调色盘各需准备一至二个即可。调色盘大些更好，便于调色时使用。
课题：第二章 图案的写生
9 教学目的：掌握图案写生的要点
教学重点与难点：掌握图案写生的要点 教学时数：8课时 教学内容：
第一节 图案写生的要点
图案的设计创作中，写生时必不可少的手段，花鸟鱼虫、飞禽走兽、山川海河、风景人物、历史故事、民间故事、民间传说等都是我们表现的范畴和描绘的主题。将我们眼前所看到的各种形态，经过描绘和整理，以强化、夸张、抽象、规范等手段概括提炼，赋予神、形，就可以得到简洁、朴素、单纯的艺术形象。在写生过程中，通过观察分析研究人士记录自然物象的外部形态、结构，深入描绘对象的生活习性、生活规律，收集图案素材的过程，能为图案的创新做好充分的准备。
一、图案写生的方法
1、铅笔单线
2、钢笔单线
3、钢笔淡彩
4、影绘法
5、归纳色
6、水粉画法
7、变形组合写生
二、图案写生的要领
1、观察
2、构图
3、取舍
4、归纳
三、图案写生过程中常见的问题
1、透视问题
2、比例问题
3、临心问题：所有的花卉都是抱着轴心生长的，在描绘时，一定要抓住这个特点，无论是花瓣、花蕊、花托或花梗。都要归心。
4、用笔技巧的问题：要通过笔的变化表现质感，强调刚柔、轻重、粗细等线性变化。
一、图案素材的选定
生活是艺术的源泉，任何艺术创作都离不开生活。装饰图案也是如此，只有不断的深入生活，从生活中获取素材，才会使创作保持旺盛的生命力。自然界的植物、动物、人物风景都是装饰图案的素材。而在素材的选定上，应与其主题保持一致。
二、图案的变化
将写生素材进行提炼、概括、运用夸张、抽象的表现的手法，变自然形态为装饰形象的过程，就是图案变化。这种变化是一切装饰设计的基础，也是学习图案的必修课程。
1、变化的目的及意义：为了使创作设计适应特定的目的和用途要求，适应特定的工艺和材料的制作要求。
2、变化的原则
⑴适用性⑵审美性、装饰性
3、图案变化的表现方法
图案变化是根据设计内容的需要，在符合设计立意的基础上，依据美的法则，对写生的自然物象的外形、结构、色彩等进行解体、取舍、加强和重新加工、变化、组织后创造新的图案形象。
第二节 图案的设计
11 变化主要有具象和抽象两种表现形式。
⑴省略法：也叫提炼法。抓住对象的主要部分，去掉繁琐的部分，使物象更加单纯、完整、典型化。“写实如生”、“简便得体”、“以少胜多”的“求省”的方法。
⑵夸张法：是在省略的基础上，夸张主要对象的特征，突出对象的神态、形态、使表现的形象更加典型化，更具有代表性。
夸张常用的手法：大与小、多与少、曲与直、疏与密、粗与细等的对比。
形体特征的夸张：抓住对象的形体特征，突出对象的形体，如方、圆、长、宽、大、小等。
动态的夸张：是必不可少的装饰手法之一，常利用动态夸张，使纹样自由、活泼、流畅、稳定、庄重、大方。
神态的夸张：是对动物或人物装饰变化中常见的，如：喜怒哀乐、活泼、安详、稚嫩、狡猾、机灵、迟钝等。
⑶添加法：是将省略、夸张了的形象，根据结构进行内部装饰，使他更加的丰满、美妙、更有情趣。使之丰富的手法，是一种先减后加的手法，但不是回到原有的形态，而是对原来的形象进行加工、提炼、使之更加的美化，更具有变化。
⑷变形法：抓住物象的特征，根据设计的要求，缩小、扩大、伸长、缩短、加粗、减细等多种多样的艺术处理。
⑸巧合法：巧妙的组合方法，是通过巧妙的构图结合方式造成一种情趣、一种联想如传统图案中的太极图、三鱼等。
⑹寓意法：把一定的理想和美好的愿望，寓意于一定的形象中，来表示对某事物的赞颂与祝愿。
⑺求全法：也叫结合法，是一种理想化得手法，是一种理想化得手法，它不受客观自然的局限。把自然美得东西加以结合。把不同的空间和时间的事物组合在一起，成为
12 一个完整的图案。
⑻拟人法：以的表情来刻画动物、植物，或以人的表情来刻画动、植物的活动。
第三节 花卉的写生
一、花卉写生的目的
花卉写生是进行花卉装饰变化的重要依据。装饰变化就是要根据写生所得素材，观察其特点和美得存在，发挥艺术想象力，烈、更加超然的手法表现出形式美，从而达
二、花卉的特征
花是有花托、花萼、花瓣、花蕊等几部分组成。
三、叶的基本结构与特征
常见的花序主要分为：单朵花序、总状花序、复总状花序、
穗状花序、伞形花序、伞房花序。
叶序大体上分为对生、互生和轮生三种。
四、花卉写生的变化手法
1、突出主体特征
2、强调结构特征
3、强调形态变化
4、强调装饰性
第
用更加概括、更加强到理想的效果。
四节 风景写生
风景图案从内容上看比较庞杂，山石草木、车船建筑、日月星辰、江河云雾等，都可纳入风景图案的表现范围，即可表达宏大的场景，也可描绘局部小景。因此，风景图案首先应从组成内容的形象变化入手，将构成风景的个体景物形象运用图案化语言进行表现。
一、风景图案的形象特征
风景图案的形象特征可分为自然景象和人造景物两大类。
1、自然景物：山石、云水、树形
2、人造景物：亭台楼阁、车船路桥等。
二、风景图案的变化手法
风景图案中的各种形象在变化处理上应遵循以下几个方面的规则：
1、景物形象的装饰性
2、改变景物正常的比例关系
3、透叠与渐层的组织手法
第五节 动物的写生
动物是装饰图案的重要题材。装饰图案中的动物不是自然形象的再现，也不是为了表现动物的自然属性，他经过艺术加工，对形态高度概括又有寓意的艺术形象。
一、 观察方法
动物写生可以采用现实和理想、具象和抽象相结合的方法。
二、写生重点
1、体态
2、动态
3、神态
三、动物图案变化手法
1、意境、
2、特征
3、动态
4、拟人化
5、人物化
6、物形化
第六节 人物写生
一、人物写生的基本属性
1、自然属性；生理结构、姿态、年龄、民族
2、社会属性：生活习惯、面向表情、服饰、和不同时代人的风貌。
二、人物图案变化手法
在图案设计中以人物为题材的图案是最难设计的，这是因为认得本质特性与图案自身的组织法则有极大的矛盾。在传统的人物图案中，受当时人们观念的约束，倒置和变形、夸张的形象很少出现。在现代人物题材图案中，人物不仅倒置、夸张、变形、重叠、分解、重构得到广泛的运用。
作业：用你熟悉的花卉完成3张花卉写生。
规格：尺寸5cm×20cm。 色彩：全彩。 时间：12小时。
课题：第三章 图案的组织构成形式
教学目的：了解图案构成要素及形式法则，熟悉图案的组织构成形式，掌握图案的表现技法。
教学重点与难点：熟悉图案的组织构成形式，掌握图案的表现技法。 教学时数：24课时 教学内容：
第一节 图案构成要素及形式法则
一、图案形式构成要素
图案的构成要素主要有形体、色彩、质地、空间等，而这些要素之间是相互关联的、相互依存的、不可分割的整体。相同的形体，可呈现不同的色彩、质地、空间。
1、形体：是客观物体存在的一种实在形式，任何物体的客观存在都有一定的外形。
2、色彩：它是依附于形体之上，而形体又有不同的色彩。色彩和形体是相互依存不可分割的。
3、质地：就是客观形态所具有的物质，物质内在结构不同，给人留下不同的“质感”，这质感即为肌理。
4、空间： 空间指物体所具有的三维空间，物体有近大远小，绘制要具有立体感。
二、图案构成的形式美法则
1、变化与统一：变化与统一的法则，是适用于一切造型艺术表现一个普通的原则。它反映着事物的对立统一规律，也是构成图案形式美的最基本的法则。
2、对称与均衡：对称与均衡是图案形式美的基本法则之一。也是图案中求得重心稳定的两种结构形式。对称式同形同量的组合，以中心线划分，上下或左右相同，如人体的眼、耳、手、足；蝴蝶、鸟类的双翼；雪花；植物对生的叶子、轮生的花瓣；车轮、盆、盘等等。
3、对比与调和：认识物与物的区别，其根据是对比。对比也称对照，如新旧对比、黑白对比等。一般是性质相反而且相似要素较少的东西，就可表示“对比”的现象来。调和与对比相反，对比强调差异，而调和的差异程度较小，是视觉近似要素构成的。
4、节奏与韵律：在图案上，节奏是规律的重复，条理性与反复性产生节奏感。韵律是在节奏的基础上的丰富和发展，它赋予节奏以强弱起伏，抑扬顿挫的变化。所以节奏带有机械美，而韵律只是在节奏的变化基础上产生的情调，具有音乐美。
5、安定与比例：在自然界中，静止的物体都是按力学的原理，以安定的形态存在着。
16 因此不论平面或立体图案，都要有安定的原则。例如：器皿造型上的长、宽、高的关系。器物的局部与局部之间，局部与整体之间都应有一定的比例关系。一般是以人体的尺度作为标准，根据使用的便利而制定的。
6、动感与静感：图案设计根据不同的目的和用途，可采取动感较强或静感较强的不同构成方法。静感的纹样较严肃，动感的纹样较活泼。由于统一与变化的程度不同，因此动感与静感的程度也各有不同。偏向统一的构图为静的状态，偏向变化的构图为动的状态。
7、渐变与突变：渐变是逐渐变动的意思，就是一连串的类似，即形象在调和的阶段中具有一定顺序的变动。比如月亮由刚显露出的月牙形渐变成圆形，太阳东升，逐渐西下，太阳光线的移动，以及春夏秋冬一年四季的变化，都是一种自然性顺序的渐变。
8、统觉与错觉：我们看物象时，常注意其最强部分或有变化部分。这时在视觉上会引起以其部分为中心的统一感觉，这种感觉称为统觉。
错觉是人的眼睛观察物形或色彩时，视觉炫感而使心理发生的一种误认。
三、形的观察与基础设计
观察属于眼的视觉行为，是对某一对象做有意的注视，以求得正确的认识。 观察是学习造型的门径，造型的学习，起初必须得力观察，有了深刻的观察，才会有很好的造型。因为，观察的目的，主要是从直观的映象中，挖掘美的构造，作为创作的泉源。
自然形象，是人类造型活动之灵感源泉。它存在于我们所处的实际立体空间里，是实际的立体形象。自然形象所蕴藏的“美”是无穷的。从植物、花卉、动物、人物以及所有自然形象中，如果深刻地去观察它，将会发现许多新奇而又极其美丽的形和色的存在。这些美的形和色，固然对绘画直接有所帮助，对于设计，也是极为重要的。因为设计的意义，就是要把有限的素材，发展为无限的创造。
形的基础设计方式，有客观的练习与主观的练习之分。客观的练习，目的在于写生。而主观的练习，侧重在创造性的发挥，客观的练习以观察的对象为主。在造型上，作者
17 把自己的造型感觉，直接地移到作品上去，同时把对象的线条、形态、光影、色彩等变化关系，加以描绘，便可达到造型的要求。主观的练习，与客观的练习方式截然不同，它讲究把瞬间的直接感受，诉诸于造型的表现，而且可以根据设计的造型意识，把对象作更多的强调、简化与组织，以产生全新的效果。这种观察与创造性的练习，对于直观能力的发达，创造性的提高，感受性的敏锐，想象力与造型能力的增长等，均非常有利，因此，形的基础设计，更侧重于主观的练习。
由自然形象转化为纹样设计的形象，轮廓与结构都是要特别注意的。关键在于特征的把握，才能达到即求得独特新鲜的造型效果，又不牺牲形象传达作用之目的。在形的基础设计上，一般方法是先把对象忠实的描绘出来，再依照设计的意念，对形态加以变化，这样比较容易掌握。下述各种基础设计，均是以形的观察作为学习的起点。
1、平面化设计
平面化是造型的基本方式之一。当我们在一定的距离看一朵花或一棵树时，它将被看成是一个平面的形。这是因为距离将体面和所有各种不同的细节都消除了，使知觉可以自由地构思造出尽可能单纯的平面形。
根据这一原理，在平面化的设计中，可以主观的态度对物体的形加以省略，来达到平面的要求。在平面化过程中的主要要求是，保留住物体的轮廓与基本骨格，而将不必要的、繁杂的细节部分，做理性的过滤。
平面化把物的立体关系，由三度空间改变为二度空间，进而再把可以省略的部分尽量省略，使原来的立体形态，因平面化而得到单纯，从而把形的影象表现得更为显著。同时还可以根据设计的要求，在形的基本骨格里加进一些单纯的造型，如点、线、面等，使平面化的单纯造型，增加一些装饰效果，在视觉上予人深刻的印象。这对于现代装饰设计，是非常重要的表现方式。
在练习时，可以取一自然物体，如以下各图中的一朵花朵一片叶，从观察中选择最美的形态，然后描绘下来，做平面化练习。其表现方法如下：
①分五个步骤进行。A、把写实的形影象出来，只保留最单纯的平面形。B、留出形的基
18 本骨格。C、用粗线勾出形的轮廓与基本骨格。D、用较细的线条勾出形的轮廓与基本骨格。E、用细线勾出形的轮廓与基本骨格。
②将形的轮廓和基本骨格用细线勾出，内部用各种不同的点装饰（如圆的、形态不规用的、大的、小的、疏的、密的点等）。
③用粗线勾出的轮廓和基本骨格，内部用各种不同的线装饰（如粗的、细的、长的、短的、曲的、直的、干的、沙的线条）。
④用各种线勾出形的轮廓和基本骨格，内部用各种不同的面装饰（如几何形、有机形、偶然形以及不规则形等）。
2、变化设计
形的变化设计，是在平面化设计的基础上进行的，是造型性表现的一种手段。这种练习必须在充分的理解下进行。同时，又是内在心象意识的表达与造型思考的发挥。
所谓“变形”，在造型方面是指把物的形状或构造，根据作者的意图，予以变化的意思。
形的变化方法，是先画出一个基本形，这个基本形可以平面化的，也可以随意决定的平面形。它从任何一个规则的或不规则的形开始，然后根据理性的想法和感觉，把形予以逐渐的或有规律的变化，以达到主观的造型要求。 下列各图，是以花为对象变化的练习，其表现方法如下： ①变化花瓣，花蕊不变 A、增加：逐渐增加花瓣 B、减少：逐渐减少花瓣 C、变宽：逐渐变宽花瓣 D、变窄：逐渐变窄花瓣。
E、缩小：逐渐缩小（或再增加）花瓣。 F、变扁：逐渐变扁花形。 G、减缺：花瓣的各种直线变化。
19 H、重叠：花瓣的各种重叠。 I、直线变化：花瓣的各种减缺。
J、几何曲线变化：花瓣的各种几何曲线变化。
K、自由曲线变化：花瓣的各种自由曲线变化或直线渐变自由曲线。 L、曲直线变化：花瓣的各种曲直线变化。 ②变化花蕊
M、变大：花蕊逐渐变大。 N、变小：花蕊逐渐变小。 O、变方：花蕊由圆形渐变为方形。 P、添花：花蕊由各种花组成。 ③花的整体变化
Q、加点：花的基本形加点。 R、加线：花的基本形加线。 S、加点线：花的基本形加点线。 T、点线面组合：整朵花用点线面组合。 U、不规则变化：花形的各种不规则变化。
如是叶的变化，可以通过增加，减少、变宽、变窄、缩小、变扁、减缺、重叠、直线变化、几何曲线变化、自由曲线变化、曲直线变化、加点、加线、加点线面、点线面组合、叶中有叶、叶中有花、不规则变化等方法变形。
3、装饰化设计
装饰化设计是在前几个练习的基础上进行的。练习的方式，是在变化的形内，有目的、有机能性地进行装饰。同时，也是充实和完美形的表现方法。
平面化、变化和理念化的造型，本是以主观的成分居多。因此，对于装饰的练习必须避免漫无目的装饰活动和无意识的练习方式。应当考虑到创造性和造型性的问题。
装饰化的设计，直接与设计的基础有关。对于变化了的形态，应从以物象的观察入手，
20 且根据一定的想象经验和理性的理解，在对象的形态里，按照装饰的原则予以美化，使物象的原有形态，在形的本质上，显示出特殊的美感。
装饰化的过程，可以赋予适当的内容，让学习者有针对性地练习。同时也可以自己出题，用脑去想，用心智去探求，以发挥想象力和创造能力。因而，这项练习，用意并不只在于对纹样本身的体验，主要是在装饰活动过程中，对装饰问题能有自觉的发现。
装饰化的设计，讲究机能和构造。因此，虽然它只涉及到物体表现的装饰关系，但对于形态整体美感的理解，却含有相当的启发性。
以下各图，是以动物为对象所做的装饰化设计。其方法如下： ①形态以点线面组合装饰。 ②形态以花卉装饰。 ③形态以剪纸形式装饰 ④发挥想象力之装饰。
（二）纹样构成 构成原理
构成（Construction）一词，在建筑学方面是常用的术语。从文字的表面解释，它含有构造、结构以及构筑的意思。在造型艺术方面，则指形态和材料等素材，在视觉上、力学上或视觉心理上的组织而言。
构成的原理，又称为“造型的秩序”，在“美”和“用”的前提下，任何一门造型艺术，都会涉及到构成原理的问题。
构成“美”的原理，简言之，就是依据“美的形式”对造型的要素（形态、色彩、材质）作有秩序和有组织的处理，而创造出合理的形态，使视觉产生美的感受。
构成的活动，含有知性的和直观的性质。在感觉的表现方面，它是没有目的构成，但在具有实用目的时，则是有目的的构成。譬如，“绘画”和“雕塑”的构成，属于美感和秩序的追求，并无实用的目的。而“建筑”和“设计”的构成，则必须要满足实用的目的。同时，在构成的条件上，也必须考虑到作品的合理性和机能性。所以，设计的各
21 种构成练习中，也必须包括设计目的，即是要把这种构成的关系——“美的感觉”和“用的条件”融合在一起学习。
构成原理的练习，是和形的基础设计相连接的。形的基础设计，目的在于充实造型的语汇；而构成原理的练习，则是为了提高美感和掌握实用目的的基本法则。二者的特质，在创造学习的重要性上，就如同一个人要创作诗词、文章，必须首先从文字、文法等语文的组成要素和法则等入手一样。
构成原理的练习，亦需先利用形的整体轮廓，作平面化与单纯化的处理，而后才能考虑到画面的结构问题。在形态的组合关系上，注意到美的变化效果，使画面的结构生动有序，具备新鲜的感觉。
装饰构成主要以对称、均衡和反复的方式进行练习。其他方式，如对比、协调、颠倒、叠置、错视、错开、渐层、放射„„等，则与对称，均衡、反复联合起来运用。例如对称里面含有放射的构成，均衡之中包含对比效果等等。
1、 对称纹样
对称是构成中最具有单纯的练习。原因在于，其构成在视觉上容易判断出来。只要知道造型之一部分，其余相同的半图形或其他部分，用类推方法就可得知，在知觉上毫不产生抵抗。对称纹样具有静的、消极的美，同时又给人以安定、和谐、舒服等感觉。 对称纹样的练习，目的是为了发现这样美的秩序和掌握这构成的原理。 ①左右对称
左右相同的形叫左右对称。它以形的中心线为支点，左右形状相同。同时它又具有相称、均齐、均整的意思。
左右对称是一种普通常见的美的形式，在自然的创造或人为的创造里，均可见到这种情形。在自然界，如人体、蝴蝶、蜻蜒、树叶„„等等，都是在一条直线上成左右对称之形。在人为的创造里，如建筑物、家具、器皿„„等，无论其形式、装饰、配置，都常喜欢用这种对称形式。因此，左右对称一向被认为是安定的形和具有机能的形。
22 左右对称的骨格形式是多种多样的。设计时，可以根据形的组织结构和它所装饰对象的形状，做对称构成。 ②放射对称
放射对称是环绕一个中心来构成的形式。它以中心点为对称点，基本骨格线向中心集中或由中心向四周扩散。在自然界中，太阳的光芒、花朵、车轮，都是放射对称的现象。放射对称和渐变一样，容易产生惹人注目的视觉效果，而且更为强烈。 放射对称的基本骨格有以下三种形式： A、同心式：骨格线环绕中心层层扩散。 B、离心式：骨格线从中心向四面发射。 C、向心式：骨格线向中心集中。 ③逆对称
逆对称构成是在左右对称或上下对称的基础上，把相称的形相逆对称的意思。它以一个角线为轴线，形态上下或左右颠倒交叉构成。 ④回转对称
回转对称是放射对称的一种变异形式，对称的骨格线从几个方面向心或离心旋转构成。其独特之曲线美，很适合圆形的装饰。 A、向心式：旋转的骨格线向心构成。 B、离心式：旋转的骨格线离心构成。
2、均衡纹样
“均衡”一词，在物理学、数学以及其他学科中是常用的。但在平面造型中，其含义亦有差别，是属于视觉上的均衡。因为造型的作品，并不真正讲究实际的重量关系，而是造型的要素，在人们视觉中产生的平衡感觉。
均衡亦称平衡，通常是指无形轴的左右两方，形状虽不完全相同，但看起来在质与量方面，并不偏得某一边，其份量好似有相等的感觉，以保持力学上的平衡状态，亦称之为均衡。
23 均衡是比对称更美，也更活泼的一种形式。大自然一切事物的形状或姿态，总是在均衡和对称二者之中取其一种。绘画、设计、舞蹈、建筑等，都离不开均衡的形式。均衡的形式，具有一种变化性的、侧面的、奇数的、互生的、不规则的特性，有优美活泼的感觉。但处理得不好，也容易流于杂乱。
在造型的秩序中，均衡是极为重要的一项。均衡是有对称的均衡和非对称的均衡，但这个练习着重于在如何求得视觉上的安定感，也就是造型上所重视的非对称的均衡。例如，形态在画面所具有的轻重、大小、对置、强弱、疏密、浓淡、肌理感觉„„等，必须保持均衡的状态，从而产生安定的视觉效果。
均衡构成比对称构成更多式多样，它的构成全凭个人的感受而决定，在眼和手的功夫提高之后，就可运用自如了。在练习时，可以赋予一定的内容，有目的性地进行学习。如以下各图，是以花卉为对象做的各种均衡练习，其方法表现如下： ①简练：形态要求简明、精练、大方，不要过于琐碎。 ②精细：充分利用点、线、面的组合，使造型精密、细致。
③轻巧：形态多用自由线所组成，线条流畅自然。形象轻快、轻巧，具有动感。 ④强烈：形态多用面或粗线组成，造型感强烈、有力、鲜明。
⑤密：密集效果（群体集中于一面之程度）表现在形态之间并无间隙或很少间隙，而形成密集的视觉效果。
⑥疏：是与密相反的构成形式，形态之间间隙大，给人以以少胜多的形式美感。 ⑦对比：对比亦称对照，是两种形态并列在一起，彼此有一定的差异性。设计时，可以将大小两组造型组织于同一画面，从而产生对比效果。
⑧童趣：该设计是针对儿童装饰所进行的。儿童时期对形态表现的想象力和创造力非常丰富。其造型的依据，基于内心对事物的认识，仍是以我为中心的。在造型能力方面，所用的笔触往往显得浑、笨、拙，形态有头重尾轻，站立不稳的感觉。
3、反复纹样
反复的形式是由一个或几个单独形组成一个基本形，向左右或上下作重复规律式排列
24 的现象。也就是说，形态的各部分对象之间，有完全相同的面目，分不出宾主的关系。所以反复即重复表现同一单位的方法。
在各种艺术中，反复形式都采用得很多。如建筑、绘画、音乐、舞蹈、产品装饰等。诗文中在每段的开首和结尾，也常用反复的字或韵。反复的形式使人产生单纯、和谐、鲜明、清新、美丽和无限的感觉。但因过于规则统一，有时亦可能令人感到枯燥乏味。 反复向左右或上下二个方向发展的叫二方反复，向上下左右四个方向发展的叫四方反复。反复构成具有方向、秩序、动势等多方面美的特点。形与形反复地构成，色与色相互地关联，从而产生一种环绕不绝的结构和富有节奏的、旋律的、有如周而复始般的动势和美感，以追求形态构成的空间和秩序。
在反复构成的练习中，基本形是很主要的，每一重复的基本形都像旋律中的一个拍子。基本形若面积大而数量小，则设计具有简单有力的效果；若面积小而数量大，则设计就象一片均匀的肌理一样，由微细的分子构成。
反复构成可以依骨格的几何形状或纹样性质分成两类。在练习时，可以先考虑几何形骨格的如何构成，然后配置适宜的纹样，几何形骨格又可分为点的骨格、线的骨格两种。但也可以先确定具象纹样，然后考虑选用几何形骨格来配合。 ①点的反复构成
造型上所谓的“点”，在一般的概念里，是非常小的东西或者是线的最小单位。因此，我们隔一定距离看一组组花朵、动物、人物时，无论其形状如何，都具有“点”的感觉。所以在反复的练习里，为了便于学习和掌握反复骨格的形式，可以把具象形态（如下列各图中的花）当作点，作为构成的练习。 A、点的不连接反复 a、等间隔的反复
点的不连接等间隔反复，会给人们以井然有规律性的美感。然而，这种秩序感略嫌缺少个性，或不大适合表现强烈印象的构成，有趋于呆板的感觉。 b、等间隔错开反复
25 等间隔有秩序美的反复，加上适当的变化要素，就可以产生独特视觉效果的构成。如等间隔错开反复，是由水平和垂直的变化而来，其构成具有强烈的对角线张力的倾向和交错感。
c、等间隔点之大小反复
点之中心位置都是等间隔，然而，点之大小经过有计划的安排，再加上错开反复，就使单调的反复变成了活泼独特之构成。 d、变化间隔之反复
点之位置，若是等间隔，无论把点之大小或形态加以何种变化，其表现到底有限。如移动点之位置，再将点之大小和形态加以变化，则造成的视觉变化范围较大，且更有魅力。
e、不规则之反复
不规则之反复，是由一些点不规则地组成一个基本形而反复构成的。这构成比变化性等间隔构成的变化更大、更丰富，而且占有位置也大。然而，这构成不容易组织，弄得不好，会使设计无个性和杂乱无章。
以上点之不连接反复，比起连接反复或重叠之反复，能创作出的设计更为多样，其构成展开的可能性亦较大。 B、点的连接反复 a、等间隔的连接
等间隔的连接反复构成比不连接反复显得饱满、强烈、鲜明，具有独特之刺激性。但它与不连接的构成一样，有秩序单调的缺陷。 b、等间隔错开连接
以变化有秩序单调的等间隔，使反复骨格错开而构成。 c、非等间隔的连接
点变化大小或错开反复时，其连接已非等间隔。 d、不规则连接
26 点不规则连接之反复，再加上形态、大小的不规则，变化更大、更强烈。同样，它与不规则不连接反复一样，如组织不好，容易乱而无章。 C、点的重叠反复
重叠是造成基本视觉概念偏差的方法之一。当一个单位部分隐蔽在另一单位之后则造成重叠，不论是单一的物象或有安排的群体物象皆然。所以重叠是将形式上的关系集中于一而加强其力量。
点的重叠，可以以二个或二个以上的点，重叠成一个基本形反复构成。它以集中的状态，强调形的性格。
点的重叠可以是规则的，也可以不是规则的。重叠的二点，用同一色表现，会给人以平面的效果。如用不同深浅颜色表现，则最能表现远近感和透明感。再者，各点施上适当的明暗调子，则其三元次性格更强，更具魅力。 a、水平方向重叠
水平方向重叠具有安定感、平和感，如再适当地在间隔、形态上加以变化，则能给人以生动活泼的感觉。如二点重叠之反复；三点重叠反复；形状大小重叠反复；位置错开重叠反复；位置、形状不规则重叠反复。 b、垂直方向重叠
垂直方向重叠之反复在视觉上给人以挺拔、上下发展等感觉。在有秩序的排列中，如再加上位置错开变化和形状大小变化，则更富于魅力。 c、倾斜方向重叠
倾斜方向的重叠，较之垂直和水平的重叠，更富有变化、运动、紧张和不安的感觉。它的基本骨格有同方向倾斜和逆方向倾斜。 ②线的反复
我们常认为，线是点的转移轨迹。环顾我们的周围，以线的形式而存在的东西，与点一样无数地存在于我们的环境中。然而，在表现上，线比点更能表示出自然界的特征来。如树枝、花草的伸展，犹如无数的线在移动，显现出强烈的生命力。因此，以线作
27 为反复的骨格，更便于学习和掌握。
线的基本形有粗、细、规则、不规则、直、曲„„等，由这些不同的线，反复地构成，便可产生出具有韵律之美感。
线的构成常常结合点、面来组成。如以一折枝花作为线的反复练习时，其本身就具有花果、叶子、树杆等等。因此，线的构成，同时也是点线面的构成。
线的构成形式基本上与点的构成形式是一样的，但由于线的基本形变化丰富，而且线移动的方向性不同，所以在表现方法上，比点的构成更丰富，更富有美感。 以下是以折枝花为基本形，做线的反复构成。 A、线的不连接反复
线的不连接反复构成，最正式的方法，乃是等间隔的反复构成。构成的形式，以垂直、水平、倾斜的方向发展。 a、等间隔垂直方向反复
垂直方向反复是以直线作为骨格而构成，但为了获得生动而富有变化的效果，也可用曲线作反复构成。 b、垂直错开反复
等间隔的排列给人以井然有序的感觉，但缺少个性，显得单调。为了补救这一点，可以用错开或下列的方法，设计出富有韵律的作品来。 c、垂直颠倒反复
将垂直骨格颠倒反复，有映影之效果。如再加以错开构成，变化更大。 d、变化大小反复
形态的大小排列反复，加强了节奏感。 e、水平方向反复
水平方向的反复构成，具有静止安定之效果。它与垂直方向构成一样，可以用直线或曲线做反复构成。 f、水平错开反复
28 g、水平异方向反复 h、水平形状大小反复 i、倾斜方向反复
倾斜线具有动的、不安定的效果，构成时要充分发挥出斜线形态的反复效果。 k、倾斜倒置反复 j、倾斜错开反复 l、倾斜形状大小反复 m、垂直与水平反复 n、垂直与倾斜反复 o、水平与倾斜反复
垂直及水平方向有静止安定之感觉，倾斜方向具动的不安定效果，如果将它们组合在一起，使之有秩序重复构成，会产生相反的视觉感。 p、垂直与点反复 q、水平与点反复 r、倾斜与点反复
以线与点的反复构成，具有虚实、强弱的变化，并富有节奏感。 B、线的连接反复
线的连接反复比不连接反复更引人注目，效果更强烈，连贯性更强。构成的方法，除了向上下或左右两方向反复外，还可以水平与垂直或倾斜线的组合，以颠倒或相反方向，或交叉配置之手法使造型向四个方向反复构成。同时，在骨格线上配置纹样时，可以用错开或变化形状等方法，使整个形态变化性更强。
第二节 图案的组织构成形式
图案的构成包括纹样组织和画面构图两部分。图案的组织，重点在于解决装饰纹样与构成形式的协调。图案的组织构成形式有单独纹样、适合纹样、二方连续、四方连续
29 等形式。
一、单独纹样
单独纹样是指独立的，并能单独用于装饰图案的纹样。又分为自由式、填充式两种。
1、 自由式
自由式纹样是可以自由变换的外形的独立性的纹样。虽然图案的外形不受限制，但也应该做到结构合理，构图严谨。
2、 填充式
填充式纹样具有一定的外形，但纹样不受外形的限制。纹样可以大部分用 于某个局部，可以部分用于外形，也可以有少许变化从而丰富多样。
二、适合纹样
适合纹样是指在一定的形内绘制的纹样，并使纹样与外形相吻合，经常是把主要的纹样改变得适合外轮廓在主要纹样之处，添加其他纹样，以求适合。适合纹样的形式美有：对称式、均衡式。
1、 对称式
又称均齐式，表现为绝对对称和相对对称。
⑴绝对对称式：是以一条直线为对称轴，轴线两侧的纹样为同形、同量配置的组织方法，或以一点为对称中心点，上下和左右纹样完全相同。向心对称式、离心（放射）对称式、放射向心结合式也属于绝对对称。
A． 向心对称式：骨架相同于放射式，以由外向里的布局形式构成画面。这种形式同样需要强调造型的大小变化，布局的疏密穿插。
B． 离心（放射）对称式：用“米”字构成基本骨架，布置相应的纹样，呈放射状构成画面。这种纹样可以用一个单位反复出现，也可以用两个或两个以上的单
30 位进行反复这种反复可多可少，但最少要重复三次以上，同时在布局中要注意大小疏密的穿插，以免平板、单调、无节奏感等问题。
C． 放射向心结合式：可以通过放射向心的不同结合形式，构成各种不同结构层次的画面。此种形式构图不宜太复杂，主次大小穿插要得当。
⑵相对对称式：是由轴线两侧或中心点的上下，左右配置的纹样，主要部分相同，局部稍有差异，但整体效果的量对称。旋转对称式、反转对称式也属于相对对称。
A． 旋转对称式：以弧线构成骨架，由一个或一个以上的单位反复出现，从中心向外旋转的叫内旋转。这种形式的弧度越大，动感就越强。
B． 反转对称式：也称转换对称，由两个相同纹样颠倒排列或以中轴线隔开，或互相穿插，巧妙地利用空间，也有的将纹样恰当的运用到太极中。
2、均衡式
均衡式又称平衡式。依中轴线两侧或中心点的上下、左右纹样构成异形等量的配置的组织方法。均衡式从自由纹样的组织形式到空间安排不受任何制约，只求量的平衡和重心的稳定。依据纹样的方向变化，均衡式也可以表现为相对、相背、回转、交叉等多种形式，它们的组织特点是生动、新颖、丰富、富于动态美。均衡式的自由纹样无外形限制，变化自由，因此布局要严谨，形象要完整，避免松散、凌乱。
三、二方连续
二方连续是相对于单独纹样而言的，二方连续以一个或几个基本纹样组成上下或左右方向重复排列，形成带状连续纹样，二方连续的组织形式有以下几种：
1、散点式（也包括直立式）
把一个或几个基本纹样，按照等距、反复、连续等规则进行排列构成。
2、接圆式
将呈现点状的单位纹样，以圆形，半圆形和圆弧形作为骨架，做大圆、小圆、整圆、半圆或是相间的反复排列。在排列中做适当的连接组合，加强单位纹样之间的连续和变化的效果。接圆式是散点式的变化发展，常和散点式结合在一起使用。
31
3、倾斜式
用倾斜的骨架与平行线组成的空间分割，形成倾斜的菱形骨架单位，单位纹在其中依形作倾斜式排列。
4、折线式
改变倾斜式骨架的方向，或将其交叉穿插，分割的空间为三角形或者梯形。折线在纹样的安排中可藏可露。
5、波浪式
用起伏有序的波状线为骨架。一般采用一波状构成，也有采用双波状构成。填补单位纹的方法有两种：其一是在波状线的内空间填补单位纹样，保持波状线起伏的美；其二是沿波状线的线形顺势填补单位纹样。这种方法用的最多，纹样呈现连绵不断、一起一伏的优美效果。
6、连锁式
一般用“S”和“回”形骨架。把一个或几个基本纹样以相扣得方式，进行重复排列。
7、复合式
将两种或多种上述骨架相互结合，相互配合使用，它们都会取得变化丰富的效果。
四、四方连续
四方连续也是相对于单独纹样和二方连续而言的。四方连续是以一个单独纹样上、下、左、右四个方向上重复排列，并可无限扩展的纹样。四方连续的组织形式有以下几种：
1、散点式
散点式即在一个单位面积里散点配置一个或多个单位纹样构成。散点式四方连续纹样的循环连续方法有平接、跳接。
平接：将单位纹样分层有序地安排在单位面积的分格中。
跳接：亦称斜排，是将多个单位纹样分别在单元面积的分格中做一高一低的阶梯式循环。
32
2、连缀式
连缀式是单位纹样间相互连接时穿插的四方连续。连续性较强分为阶梯连缀、菱形连缀、波形连缀。
① 阶梯连缀：和散点的调节基本一样，它是用一个设计好的正方形或长方形单位纹，一高一低的相错排列，像阶梯一样。它上下交错，单位纹彼此之间相互延出伸进，富于变化。 ② 菱形连缀：以长方形为基本单位，将其各边中点连接成菱形，再菱形内组织与之相应的单独纹样，然后按照菱形的倾斜方向反复连续。为了取得相互穿插、生动活泼的效果，单位纹样可以在菱形之间适当延出伸进。 ③ 波形连缀：与菱形连缀基本相似，仅单位纹样的形状不同。骨架是取长方形作基本单位，并在长方形内做中心十字线的交点和长方形的四角为圆心、适当的长度作半径化圆弧（圆的大小决定波形的起伏程度）。用曲线将圆弧连接，便形成波状骨架。然后在波形内填补单位纹样，并依据波形在其左上、右下、左上、右下反复连续。波形图案运动感强。单位纹样之间可延出伸进，相互交错，亦可不延出伸进，保持其优美波形的完整性。 ④ 转换连缀：一个单位纹样在正方形或长方形的重复骨架中，做一倒一顺、一横一竖或旋转配置，也可用长方形纹样在长方形里做一倒一顺配置。 ⑤ 条纹连缀：又叫二方连续并列构成。将一种或几种二方连续图案纹样连缀在一起，组成向四面无限扩展的四方连续的图案纹样。但要注意使纹样整体统一，图案单位纹的循环尺寸要相互配合，符合四方连续连缀的要求。 ⑥
并列连缀：以一个简洁单纯的适合纹样，在四方连续重复骨架中
33 做到并列连缀。
3、重叠式
用两种不同的四方连续纹样，将一种作“地纹”，另一种作“浮纹” 。重叠在一起构成的。或散点与散点重叠，或散点与几何纹重叠，或散点与其他连缀式纹样重叠等。一般以“浮纹”为主要纹样，“地纹”是陪衬。
4、结合式
将两种四方连续的组织方法结合使用，如用条格式做底纹，一散点式作浮纹就组成调格式和三点式的结合式。
5、自由式
这是一种比较随意的四方连续构成方式，没有明确的散点，也没有明确的连缀格式，只要求单位纹样连续自然，不露空当即可。
6、几何形
在单元面积中，以几何条格、圆弧曲线、曲直线结合为骨架，以几何形的点线面为基本形，构成能想四面无限扩展的图案，叫四方连续几何图案。其特征是组织严密，装饰性、适应性强。
第三节 图案的表现技法
在掌握了基本的变化规律和方法之后，还须根据具体的题材，充分发挥想象和联想，画出大量的草图、设计方法，然后再对设计方案进行不断的调整提炼，确定最佳方案，最后还需要用特定的表现技法描绘出来。
图案表现技法很多，但归纳起来可分为两种，即黑白表现技法、色彩表现技法等。
一、黑白图案的表现技法
在黑白装饰画中，我们通常所说的“黑”是指碳素墨水或墨汁、水粉颜料的黑色、油墨等所表现出的较深部分。“白”则是指画面中留白的地方，这是一种有形或无形的存在。而“灰”却是指画面中利用点和线的组合所形成的介于黑、白之间的色调，或用肌
34 理来做的灰色。
黑白装饰图案的调子，主要靠点、线、面和黑白灰来表达，作为黑白画，黑与白是主调，灰是陪衬，如果灰调处理得当，就可使画面获得丰富、厚实、协调的效果。但要注意在黑白灰的表现上，要有层次感，才会形成节奏、有韵律的画面。在“黑与白”、疏与密、的处理中，“知白守墨”“以无写有”、“计白当黑，以虚当实”是对黑白关系很好的说明，“密不透风，疏可走马”则是对疏密关系形象的概括。
在黑白灰的处理过程中，采用不同工具和不同材料的混合会产生一些特殊的效果，如用刀片刮、蜡笔刻来增加画面的自然纹理，利用相互排斥的水性颜料与油性颜料的混合，可以获得极富趣味的激励效果等。这些都是为了增强我们的视觉感受，一切形式和手段只要运用的恰到好处，都会产生理想的效果。
黑白表现方法主要有点、线、面及其综合运用等几种表现形式。 1.点绘法
点：是塑造形象最基本的要素。根据使用工具的不同，点有方圆、不规则等多种形状。点的排列方式有多种形式，如疏密、聚散、轻重、虚实等。点的具体运用要根据纹样的形态特点来定。点排成线，表现图样的轮廓线，如中国民间的蓝印花的纹样处理；点也可以组成面和体，表现图样的形体、明暗、质感等。
2.线描法
线：在刻画形象、构成组织和渲染等艺术效果方面，有着丰富的表现力。从线的种类和性质看，有直线、曲线、长线、粗线、细线、不规则线等。在应用上，线可以单勾表现形体的轮廓，可以纵横交错、干擦层次以及明暗虚实的关系来表现形体，达到生动流畅和层次丰富等装饰效果。
3.块面法
面：是表现面积和体积的基本的形态要素。面从形态上来看，大体可以分为直线形、自由曲线形、不规则形等三类。面在图案的应用上又可分为平面化和立面化两种形式：
35
1、平面化
以简纳、归纳法、将对象变化为平面形、或黑图白底或白图黑底，形成黑白两个层次，如同剪纸，创造出单纯的、平展的二维空间的装饰图形。
2、立面化
根据客观对象的光影、体面关系，加以提炼、归纳，用概括的黑白色块表现带有立体关系的图案形象。
4.点、线、面的综合运用
客观形态是复杂多样的，表现手段也不能局限于点、线、面的个别运用，而往往是将它们综合运用起来，才能创造出丰富、有变化的图案形象。
二、色彩图案的表现技法
图案色彩与绘画色彩的原理是一致的，即它们都来源于生活，都是运用色彩的明度、色相、纯度的对比组合来表现形象，但在运用上却各自有着不同的特点。与真实的再表现客观现实的绘画色彩不同，图案色彩往往将复杂的自然
色彩加以提炼、归纳、概括为典型的、具有代表性的一种或几种色彩，色彩关系简洁、明快，具有单纯化、理想化和装饰化得特点，适合于生产和实用。在花卉图案的设计中，除了通常使用的黑白或色彩表现方法外，还可以用特殊的表现方法来制作多种肌理效果，表现丰富的图案层次，创造独特的艺术效果和装饰风格。
1.滴色法(甩色法) 用笔蘸满色后，色滴落在纸上产生大小不同色点的效果，也可把颜色甩在纸上。产生意向不到的效果。
2.平涂法（刷色法）
用笔蘸色后，按照图案画面的色块分割，将各色均匀地平涂其中。或平刷在画纸上。也可刷天空和地面及图案的底色。要求各部分色块界限明确，衔接紧密，颜色均匀。
3.吹制法
将稀释的颜料和水滴在光硬的纸上，用空心管吹出纹理。
36 4.蜡笔法
根据设计意图，先在纸稿上以蜡笔画形，然后用水粉着色，由于蜡笔的油系与水系不相溶，就会产生色彩斑斓的肌理效果。
5.喷绘法
用喷绘法，可以表现出多种色彩的渐变推移、色彩过渡色变化的细腻，表现的图案具有精细、真实的效果。也可以用牙刷代替，调色后用手挥动喷刷，色彩颗粒比喷笔喷画稍大。
6.拓印法
因工具材料的不同而有多种方法：
1、将调好的颜色刷于光滑的塑料板上，未干时将画纸铺盖其上，用手或刷子轻轻挤压，将色彩转移到画纸上，形成特殊的色彩肌理效果。
2、将麻布等网状织物或海绵、丝瓜网等材料，调色后印在画布上，产生多种肌理效果。
3、还可以将树叶、花瓣、硬币乃至指纹等多种纹理，通过调色、按压的方法印在画面上。
七、水淀法
在着色后未干的画面上滴水，利用水不能溶的原理，用松节油调水彩或稀释后的油画色调水彩，也将会做出色彩斑斓的水淀效果。
八、洗染法
在着好色的画纸上，趁半干状态，用笔或者海绵对预先想好的部位进行擦洗，使这些部位露出白纸，然后淡淡的加上其他颜色。后加的颜色和残留的底色混合后会产生出一种特殊的效果。
九、捏染法
将纸捏成团，然后点上染料，再将纸摊开展平，即可获得一种自然色彩的效果。
十、渗化法
37 用两只或两只以上的毛笔蘸上所需的不同颜色，同时画在事先已经湿润的纸上。由于水的作用，几种颜色会自然互相渗透，产生特殊的色相效果。
十一、盖印法
用纸做卷或揉成团，蘸色印在纸上。也可选用现成的器物蘸色印刷。 十
二、吸附法
以墨汁、燃料、水粉颜料、油漆颜料滴入水中，渗开以后用吸水性强的纸（宣纸、毛边纸或刷过粉的纸）吸附，油质颜料对纸的质地没有特殊的要求。
除了以上几种以外，特殊表现还有拼贴、擦刮、训纸、流淌等多种技法，像其他表现技法还有：编结、印染、剪纸、烙印、拼贴等技法。此外还有电脑绘画等表现技法。随着新工具的不断涌现，新表现方法将会不断地被创造出来，而多种表现技法将会不断地被创造出来，而多种表现技法与变化方法的有机结合，融入作者对自然美得体验和情感，必将创作出创意新颖、风格独特、形式完美的图案。
作业：
题目1：用你熟悉的花卉完成一组花卉变形。
规格：尺寸10cm×10cm。 色彩：黑白。 时间：8课时。
题目2：用你熟悉的花卉组成一张单独纹样或适合纹样。
规格：尺寸20cm×20cm。 色彩：全彩。 时间：12课时。
题目3：用你熟悉的花卉组成一张二方连续。
规格：尺寸5cm×20cm。
38 色彩：全彩。 时间：12课时。
题目4：用你熟悉的花卉组成一张四方连续。
规格：尺寸20cm×20cm。 色彩：全彩。 时间：12课时。
第二部分 图形创意
课题：第一章 图形和图形创意
教学目标：通过这一讲的学习，使学生掌握图形和图形创意的一些基本概念和发展历程。 教学重点：图形创意的理念 教学难点：图形创意的理念 教学时数：4课时 教学过程：
39
一、图形的概念
图形（Graphic）:是所有能够利用来产生视觉图像并转为信息传达的视觉。符号，是由绘、写、刻、印以及现代电子技术、摄影及处理等手段产生的能传达信息的图像记号。图形是说明性的图画形象，是为了向别人阐释某个观念或传达某种内容的视觉形象。
图形与文字的相同和不同之处（要求学生举例） 图形与绘画、图案的区别（要求学生举例）
二、图形的特点（共识性：厕所标志，交通标识；形象性：物流标识，禁烟标识；易于记忆性；民族文化性时代发展性；）
其一，它是一种图画式语言。这种语言是靠图形说话而不是靠文字来注解的，通过图形形象供人阅读，呈现生动而且直观的语态。
其二，它是一种可视和可读的语言。直观的图形犹如事实的再使人们对图形所提供的信息一目了然，它以视觉效应来打动人、产生影响，因而具有可视性。
其三，它是一种象征表现的语言。不管图形是直接表现还是间接表现对象，都是以人的视觉经验为基础，来传达出人的思想观念和精神观念的变化，体现图形的情感、意义。象征表现方式正适合传达这样特定的信息和意念。
课堂练习：
操作方法：写出心目中的20个自己。请用20个诸如高大、漂亮、聪明、可爱、懒惰等形容词来描绘自我。并一一解释，为什么要用这个词来描绘自己。然后根据自己写出的词语联想选择代表自己一种事物，将之转化为图形画出来做课堂交流。
三、图形传播的意义
40
四、图形的分类
五、优秀图形的评判标准
六、广告图形
七、广告图形的表现
八、优秀广告图形的评价标准 作业：资料收集
要求：
1、收集自己感兴趣的创意图形广告海报资料，解释感兴趣原因，内容不限。
2、数量：不少于5张（A4打印稿）
课题：第二章 图形创意的思维和创意的发掘
教学目标：通过这一讲的学习，重点培养学生的创意性思维和主动思考的能力。 教学重点：图形创意思维的发掘 教学难点：图形创意思维的发掘
教学时数：4课时
教学过程：
一、关于创意
41
1、对创意的理解
2、创意的产生理论
1）.魔岛理论（詹姆斯·韦伯·扬） 2).天才理论 3).迁移理论 4).变通理论 5).元素组合理论
3、创意的过程
1).收集原始资料（信息） 2).仔细整理、理解所收集的资料 3).认真研究所有资料 4).放开题目，放松自己 5).创意出现
6).对冥发的创意进行细致的修改、补充、锤炼、提高
4、国内外几种比较典型的阐述创意过程的方法：
1）.“三境界”法 2）.5W2H法 3）.行停法 4）.四步创意模式
5）.穷问法
6）.六顶思考帽法
7）.头脑风暴法（课堂训练：给学生练习创造解决问题的机会。
工具：回形针。
人数：4-6人一组。
过程：在60秒内尽可能多想出回形针的用途。每组指定一
42 人负责记录想法的数量，而不是想法本身。一分钟后，请各组汇报他们所想到的主意的数量，然后举出其中“疯狂的”或“激进的”主意。讨论：在进行头脑风暴时你有什么顾虑？你认为头脑风暴最适合于解决哪些问题？在工作中哪些时候可以利用头脑风暴？）
图形创意
对图形创意活动的认识 图形创意的目的
二、关于思维 1．对思维的理解
思维与感知觉 2．思维的特点： 3．思维品质 4。思维的类型
1)、根据思维的凭借物和解决问题的方式划分
a）直观动作思维
b）具体形象思维
c）抽象逻辑思维
2)、根据思维过程中是以日常经验还是以理论为指导来划分
a）经验思维
b）理论思维
3）、根据思维结论是否有明确的思考步骤和思维过程中意识的清晰程度划分
a）直觉思维
b）分析思维
43 4）、从认识论的角度，根据哲学界关于物质运动与时间、空间的不可分离性划分
a）时间逻辑思维
b）空间结构思维
5）、根据解决问题时的思维方向，可以把思维分
a）发散思维
b）聚合思维
6）、按事物发展顺序，可以把思维分
a）顺向思维
b）逆向思维
7）、根据思维的创新成分的多少，可以把思维分为
a）常规思维
b）创造性思维
三、图形创意思维
图形创意思维方式：形象思维、发散思维、逆向思维、灵感思维
四、图形创意思维基本方法
1.创意思维的基本方法：想象（联想、创造想象、领悟想象） 1）联想
联想与印象、记忆
联想与观察
联想的方式
联想的类型
2）想象是图形创作的动力
想象的功能
44
想象的种类 作业：
一、用发散思维对点、圆、三角进行发散
训练类型：图形的发散思维训练
主要工具：白纸、铅笔〔彩铅〕钢笔等
要求：运用发散思维的开放性和连续性，充分发挥自己的想象和联想，以三角形进行变化，最后又回到三角形 尺寸大小：A4纸
二、用形象思维方式对“男女”符号进行创造，并用图形表现出来。
作业要求：
训练类型：图形创意的形象思维训练 主要工具：白纸、铅笔〔彩铅〕钢笔等
要求：观察男女的区别，运用已有表象进行形象思维，画出10组代表“男女”图形 尺寸大小：A4纸
三、视觉联想（以山、石、水、土、刀、酒瓶、电脑等生活中某一题材展开视觉联想训练。）
主要设备和工具：白卡纸、铅笔〔彩铅〕钢笔、水粉笔、颜料等 要求：联想丰富、创意新颖、意识流联想、主题明确、表达技法恰当、色彩表现协调与已经相符。尺寸：A4 分组形式：以个人为单位进行 步骤：
45 （1）确定题材 （2）设计构思 （3）设计草图 （4）铅笔上正稿
（5）上色稿、调整、装裱。
四、联想和想象训练
1、8”展开联想和想象，设计出10种和它相关的形象
2、对“热”展开联想和想象，设计出10种和它相关的形象 注意：两题任选一题来做
五、联想和想象训练
1、图形来表达“停、走、游、飞”的概念，手法不限。
2、“水”为主体，设计4副图形，反映和“水”联系的寓意。 注意：两题任选一题来做
六、思维表达练习
以手中的材料,任选其一代表自己,通过四幅画面表达“相遇”、“相爱”、“争吵”、“死去”的情节. 要求：
1、以两人为一组，自由组合。
2、手中的材料不限（可以是：树枝、海绵、麻线、石头等）
3、纸张大小：A4
46
课题：第三章 图形创意的形式和组织
教学目标：通过这一讲的学习， 使学生掌握图形的形态和特征以及构形与组织的方法，能加以实际操作。
教学重点：
1、图形的形态和特征
2、构形与组织 教学难点：
1、图形的形态和特征
2、构形与组织
教学时数：4课时
教学过程：
一、图形的形态和特征
47
1、同构图形：在图形的创意设计中出现频率最高的一种表现方法，是两个或两个以上不同的，但相互有联系的元素以某种共性特征组合在一起，共同构成一个新图形，这个新图形并不是原图形的简单相加，而是一种超越或突变，形成强烈的视觉冲击力，给予观者丰富的心理感受。
2、共生图形：共生图形大都有一种共性，就是“你中有我，我中有你”。显现相互借用、统一和谐的关系，具有生动有趣并能满足人的视觉快感的艺术魅力。
3、异影图形：生活中客观物体在光的作用下，影子是真实的，但在图形创意中会产生异常的变化，呈现出与原物不同的对应物，达到给人以震惊和视觉冲击，体现深刻的内涵
4、异变图形：渐变、演化是任何一个系统，一种生命体的必然过程，导致这个结果的演变过程叫做异变。
5、混维图形：在二维的平面空间里，通过色彩、明暗、 透视、分离、透叠等组合关系，将客观物象进行三维立体空间至二维平面空间上巧妙自然的融合，将多种空间形态并存，产生多维并存的怪诞形象，既是不合常理的、又是富有情趣。它与真实空间里的形态相悖，是在二维的幻觉空间里表现那些在三维的真实空间中不可能出现的某些幻觉形象，因而它通常会给受众以新奇感受。
6、聚集图形：将单一或相近的形象元素反复整合构成另一种新的视觉形象的表现方法，构成聚集的个体形象元素与聚集产生的整体形象应当具有某种内在的关联，产生意义的传递。
48
7、无理图形
1）、断构图形：指在形态上作各种断开或错位处理的图形。形态的断开部分通常能引起受众眼部肌肉的短暂紧张，视觉在视觉运动线上的突然停顿，从而加强受众对形态信息的注意力。
2）、错构图形：在平面二维空间中发挥想象力，利用视点的转换和交替，在二维的平面上表现了三维的立体形态，但在三维立体的形体中显现出模棱两可的视觉效果，造成空间的混乱，形成介于二维和三维之间的空间。矛盾空间具有表现多视点的特性.
8、减缺图形：用单一的视觉图形去创作简化图形，使图形在减缺的形态之下，仍能充分体现造型的特点，并利用图形的减缺、不完整，强化想要突出的特征，激发观者的想像力，并流露出新的意义，又叫隐形图形，利用这种表现可以达到以少胜多，以一当十的效果，并富有趣味。
9、文字图形：文字类图形就是以文字为素材的图形。
10、增值图形：由数个或更多单个元素反复重复构造成一个新的图形.
给人以重复的美感．
11、系列化图形：在图形设计中，为了使信息表达得充分、清晰和有力，设计师往往采用系列化的连续图形去诠释内在意义。
作业：
一． 同构图形：人体元素的相互构成；人体元素与物的构成；物与物的构成；特定物的联想和延伸；水果的联想。
49
教学内容：人教版小学数学教材六年级上册第59页内容及相关练习。 教学目标：
1.通过图案设计加深对圆的特征的认识。
2.在画图的过程中提高画圆的技能，发展学生的观察能力与操作能力。
3.学会欣赏数学的美，热爱数学学习的情感。
教学重点：利用圆设计图案。 教学难点：确定圆心与半径。 教学准备：教案、几何画板。 教学过程：
一、情景创设，引入新课
师：一个人的力量是微小的，一群人的力量就可以很强大;一个圆是很单调的，一群圆有序的摆放在一起，就是精美的图案。在我们的生活中，由圆组成的精美图案随处可见，墙壁上、窗户上、门上，甚至我们穿的衣服上，下面这些图案，同学们熟不熟悉啊?(展示以下图案)
师：这样优美的图案还有很多，在我们新疆人传承的伊斯兰文化中，随处可见以圆为基础构成的图案，它们的出现，让我们生活更加丰富，构成这些图案的基本图形都是圆，你想用圆来设计一个美丽的图案吗?
【设计意图】：呈现以圆为基本图形的各种设计图案，通过图形的美激发学生的兴趣，使学生迅速进入学习状态。其中第
1、
2、3三幅来自于新疆本地建筑墙壁和服饰，学生本就较为熟悉，更易于学生观察图形的构成方式，其中，这三附图中，第2副图片最为简单，有利于作为案例新知探究，但必须对第2幅图片补充完整，让其清晰可见。
二、教学例题，探究画法
1. 展示例题。
师：用圆和直尺，可以画出很多优美的图案，在我们的伊斯兰文化中，应用广发，下面这一幅图就是用直尺和圆规一步步画出来的，你能想明白它是怎么得到的吗?
师：这个图案是我们在伊斯兰几何建筑中常见的图形，可见，在这个图形中，最主要的构成部分就是圆，以及一段段的圆弧，其中，在构图过程中，圆弧可以看作一个圆组建，在完成基本图形后，擦去多余部分即可，它的基本图形如下：得到基本图形后，经过平移就可以得到魅力的图案了，我们来通过几何画板看一下，它是怎么平移的?(几何画板展示该图形的移动，文件名：图形的平移)
或者当作
【设计意图】：通过几何画板的展示，向学生介绍如何实现图形的平移，并且告诉学生，构成图形的基本图形不仅一种，但最后呈现的效果确实一样的。
2. 探究例题中第一个图案画法。
师：好，现在，我们我们来尝试通过圆规和直尺画出第一个图案，请同学们拿出纸和笔、圆规、直尺以及橡皮，自己尝试着画出这个图形。
生尝试后，教师选择典型性错误在黑板上展示，引导学生分析错误原因。 师找到以下典型错误： 错误：
师：请大家分析一下，为什么这个图案没有出来我们想要的美丽形状呢? 生：他外面的四个圆画的不一样大。
师：对，通过对原图的观察，我们得到，园内的四条弧是一样的，说明外面的四个圆大小应该相等。
生：他画的圆太大了，还都不一样。
师：要完成一个圆，什么来确定圆的大小呢? 生：半径。
师：你能确定这个图案中，外面四个圆的半径吗? 生：可以在圆内画一个正方形。
师：如何在圆内画出来一个正方形，使正方形的四个顶点都在圆上? 生：在圆内画两条相互垂直的直径，和圆的四个交点就能构成正方形。 师画出下列图形：
师：然后在怎么办?如何获得外面四个圆的半径大小。 生：半径就是正方形变长的一半。
师：好，半径确定了，为了获得这个圆，还需要明确什么? 生：圆心。 师：圆心在哪里? 生：正方形四条边的中点。
师：好，在练习册上画出这个图形，然后擦出多余的部分，看看是不是和原来的图案一样?
师展示以下图案：
【设计意图】：先让学生进行尝试，暴露错误，通过对错误的讨论帮助学生确定半圆的半径和圆心。作圆内最大的正方形以及利用尺规确定一条线段的中点，对于小学生来说还是相当困难的，尝试是为了激发他们的好奇心和探究的欲望。但仅有好奇是不够的，教师要发挥主导作用，进行组织、引导，适当的时候给予直接的帮助。
3. 探究例题中第二个图案画法。
师：你能画出第二个图案?这是由一个大圆，和圆内的四条一样的圆弧构成的，你能画出吗?
师：看这个图案，哪里不对：
生：外面四个圆的大小不一样。 师：怎么画四个一样的圆?
生：先画一个大圆，在圆内找到正方形? 师：怎么画圆内的正方形? 生：和刚才一样。
师：好，那怎么来确定圆心和半径呢?还会和刚才一样吗? 生：和刚才那个不一样了。
师：在这里，这个半径和正方形边长的关系不再是简单的1：2关系，具体怎么做，留给大家课下思考，提示一下，这个需要做出来这个大圆的外部的正方形。
【设计意图】：有些图形看似简单，但其中线段之间存在的比列关系并不容易用圆规和直尺直接刻画，这时候就需要学生在教师的指导下进行独立思考补充，因为这里涉及到的知识点超出了小学教材内容。但同样告诉学生，通过平移得到的图形，存在着规律可循，方法往往不止一种，要学会善于观察分析。
三、交流展示，作品欣赏
1. 请学生给自己的作品涂色并适当修饰，然后到讲台上进行展示、交流。 2. 投影出示从网络上收集的学生作品。 【设计意图】：由于课堂时间所限，学生完成任务可能有困难，通过小组合作可以提高学习效率。通过作品展示拓宽学生的思维，引发学生创造性思维。
四、课堂练习。巩固新知
师：请同学们看这个说出来，怎么设计这个图案吗?
师：你能通过几个圆来画出这个图案? 生：四个。 师：四个吗?
生：五个，还有外面的大圆。
师：五个圆半径之间的有什么大小关系吗? 生：小圆的直径是大圆的半径。 师：四个小圆的圆心在哪里? 生：在大圆相互垂直的直径上面。 师：你能画出来吗?(学生进行画图)
【设计意图】：设计美丽的图案不仅靠灵巧的双手，更要有慧眼和慧心，通过观察、比较，举一反三，既提高了学习效率，又发展了学生的空间想像能力和抽象思维能力，为后面学习圆的周长和面积打下扎实基础。
五、课堂总结
师：利用圆规和直尺可以设计出许多漂亮的图案，作图的关键是确定圆心和半径。有时为了设计方便，还可先添加一些辅助线。如果能利用圆的对称性(圆有无数条对称轴)，再涂上不同的颜色，一幅漂亮而有创意的作品就诞生了。(师指导学生思考课后部分习题)
【设计意图】由于时间所限，通过思考题将课堂教学延伸至课外，给学生提供进一步研究的机会，培养学生自主探究、创作的兴趣。
注：本文为网友上传，旨在传播知识，不代表本站观点，与本站立场无关。若有侵权等问题请及时与本网联系，我们将在第一时间删除处理。E-MAIL：iwenmi@163.com。举报文章
