文艺复兴艺术论文

下面是小编精心推荐的《文艺复兴艺术论文(精选5篇)》的相关内容，希望能给你带来帮助!摘要：文艺复兴时期是欧洲文明从封建中世纪向现代资本主义纪元过渡的关键期。欧洲中世纪末期，新兴的资产阶级为了寻求自身的政治权利和保障自身的经济利益，需要打破欧洲长达千年的封建专制、宗教束缚的僵局。文艺复兴运动应运而生，成为资产阶级寻求解放思想意识和打破政治垄断的重要手段。文艺复兴运动诞生于彼时意大利的经济贸易中心，佛罗伦萨。

第一篇：文艺复兴艺术论文

探析文艺复兴时期的艺术设计

从当时文艺复兴时期的风格特征来看，文艺复兴时期对艺术设计领域的影响，有建筑类、绘画类、文学和戏曲类、陶艺类、家具工艺类等五个方面的深刻的造诣。本文通过这五个方面的分析，探讨文艺复兴时期的艺术设计理念，为我们当前艺术设计理念做参考。

从当时文艺复兴时期的风格特征来看，具有古典写实主义和庄重典雅的气息。在精神领域，秉着人本主义，肯定现实世界，歌颂世俗生活的信念，使得这个时期内的艺术家与工匠分离，各门类区别开始出现，艺术家的地位逐渐上升。当然，这时也伴随着重要转变，由宗教性质的工艺美术变成了宫廷性质的工艺美术。工艺品的生产与人们的生活需求发生了更为紧密的联系。随之工艺美术已能更多地反映出艺术家的创作热情。但是传统工艺美术种类日渐衰落，家具、玻璃、陶器获得更多的发展空间，更注重造型或色彩等各方面的比例与协调。由此可见，文艺复兴时期对艺术设计领域的影响，有着以下五个方面的深刻的造诣。

建筑类

当时的欧洲摒弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。持续了几百年的哥特式风格受到人文思想的强烈冲击，在建筑的形式设计和室内的装饰设计上，都产生了一系列变化。共同特征是设计者运用数学比例关系来研究建筑，使空间充满生活气息。

北京的紫禁城是集中国古代建筑艺术之大成，是明朝建筑艺术的巅峰之作。是当今世界上现存规模最大、建筑最雄伟、保存最完整的古代宫殿和明代建筑群。整组宫殿建筑气势辉煌，布局谨严，秩序井然，寸砖片瓦皆遵循着明代的封建等级礼制，映现出帝王至高无上的权威。

绘画类

在当时社会政治与经济的影响下，中西方在绘画题材方面都有宗教题材。中国以宗教题材的话只有版画和油画，只占绘画中的一小部分，而且画的是佛教题材中的飞天、罗汉、佛祖及佛教故事，如明代版画《北藏经》。西方国家很多画都以宗教为题材，内容主要是《圣经》里面的故事，主人公为耶稣和圣母玛丽亚，如奇马布埃的《圣母子》和乔托的《逃亡》埃及等。在技法和材料的选用上，亚麻布、油画颜料、素描纸、铅笔等更能体现出油画和素描，注重光线、色彩与空间感，塑造事物的体积感的特点。随着绘画艺术的蓬勃发展，诞生了一批能够代表当时时代风格和人物特点的画作。这些大家被后来人所熟知。其中中国有仇英、商喜、唐伯虎、沈周、文徵明等。在西方则有达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等名家。

图一：文徵明 《关山积雪图》

文学和戏曲

中国历史上的四大名著三部出自明朝。《永乐大典》是明代永乐皇帝下令编纂的一部盖世大书，全书一共22937卷，装订成11095册，总字数约3.7亿字。它的编成是明朝的一个文化盛事。从明代开始，小说这种文学形式才充分显示出它的社会作用和文学价值，打破了正统诗文的垄断地位，在文学史上，取得了与唐诗、宋词、元曲相提并论的地位。明代通俗小说内容丰富，形式多样，既有长篇巨帙，又有短小精悍之作。其中代表人物和代表作分别是：英国——大戏剧家莎士比亚。代表作为四大悲剧《麦克白》《王子复仇记》等。中国——大戏剧家汤显祖。《牡丹亭》《桃花扇》《金瓶梅》、《三言二拍》以及稍晚问世的《聊斋志异》《儒林外史》等，多是揭露封建社会痼疾、呼唤人性解放、赞美自由、憧憬一个良好社会的杰作，大可以与欧洲文艺复兴的作品媲美。形成了中国小说创作的一个

高潮。

昆曲从明初的诞生，到明朝隆庆、万历之交的驱于成熟，到明代晚期，这是昆剧艺术最有光辉和成就最为显著的阶段，剧作家的新作品不断出现，表演艺术日趋成熟，行当分工越来越细致。昆曲的历史、文化和艺术价值体现在文学、音乐、舞蹈、表演、服飾等广泛领域，代表了中国古典戏曲艺术曾达到的最高艺术成就和最高品位，后起的任何一个戏曲剧种不得不以它为宗，是当之无愧的世界非物质文化遗产。

陶艺

在西方，陶制品的低廉迎合了市民需求，地位得到重视。首先在意大利发展，进而影响到欧洲诸地。代表作品有意大利的马略卡式陶器、法国的田园风格陶器、德国的哈夫拉式陶器。

而在当时的中国，明代瓷器在我国制瓷史上占有承上启下的重要地位。青花瓷至明代达到了鼎盛时期，明代永宣青花瓷器被予为中国青花瓷的极品。此后明中期的成化斗彩瓷器更是举世无双，由于东西方文化的频繁交流，景泰蓝瓷器又名“铜胎掐丝珐琅”工艺在明中期又独领风骚，到了明代后期的万历五彩瓷器等彩瓷新品种的烧制成功，更为以后釉上彩瓷的大发展奠定了扎实的基础。

从烧制的方法和内容来看，马略卡式陶器工艺是先成型素烧，然后施白色陶衣，干后绘饰，再二次烧成。早期绘制得内容为图案化的纹样晚期——以写实手法表现神话或日常生活。

图三：动物纹陶壶

田园风格陶器的代表人物是伯尔拉尔·巴利希（1335～1590）装饰手法以浮雕代替了绘画常见题材：鱼、昆虫、虾、蛇和蜥蜴，手法写实，趣味奇特。

家具工艺

文艺复兴风格的家具最早兴盛于15世纪后半期的意大利，随后很快风靡法、英、德等国。家具工艺大大推动了西方家具的造型设计、制作工艺和装饰手法的进步。

明代是中国家具艺术出现鼎盛的一个辉煌时期，家具的形式与功能日趋完美统一。明式家具最具时代特征的标志是硬木家具的形成和流行。所谓“硬木家具”，是指以红木、紫檀、黄花梨、黄杨、榉木、铁力木、鸡翅木等优质硬木为材料所制成的家具，以木质而名。明代黄花梨家具更将中国家具带入了一个出神入化的境地。因为明代是中国汉室皇权统治的最后一个封建王朝，以儒学为主干的古代文化已经非常成熟。释道两家，也在理学上大成于世。明代的知识分子享数千年的文化积淀，无疑具备了前所未有的学术修养。黄花梨家具之所以诞生在明代，显然与当时文人士大夫阶层的修养及审美意识所达到的高度，密切相关。

明式家具很早以前就给欧洲留下过深刻印象，比如明式家具中的“三弯腿”就比欧洲古典家具的“三弯腿” （如图七）产生要早，或可揣测西方家具借鉴于明式家具的蛛丝马迹。可以肯定的是，明式家具是西方现代家具的鼻祖，那种不事雕琢的造型与线条，对西方现代家具的极简风格显然具有启蒙价值。这种三弯腿比较常见，从束腰处向外膨出，然后内收，到下端再向外兜转，形成三道弯。足部一段有涡纹足、外翻马蹄足。

（作者单位：内蒙古师范大学美术学院）

作者：南吉

第二篇：艺术乡建：引导中国的“文艺复兴”

如何建设乡村

中国是一个以农为本的国家，有着世界上面积最大的乡村，在那里蕴含着我们世世代代积累下来的中华文明的智慧，这一智慧包括了“天地人和”的宇宙观，包括了类似24节气这样的农业知识体系，还有代代相传的手工技艺，更包括了中国人家族繁衍的“人生文化”以及传统中国人的“生活式样”，今天我们将其称为“非物质文化遗产”。但任何文化必须是活的，才可以世代流传、永不腐朽。因此，我们不应仅仅满足于去保护这些遗产，而是应去进一步激活这些遗产为我们今天所用。而艺术的最大特点就是能通过具有感染力的形式表达，去唤醒沉睡的传统和濒于消亡的非物质文化遗产，这也就是艺术介入乡村建设的价值所在。

人类社会发展到今天，工业文明的发展模式和价值理念都已走到了一个瓶颈，为了突破这个瓶颈，我们必须创建出一个新的、能够可持续发展的绿色文明。这一文明不可能从城市中生长出来，因为在现代化的浸染下，城市已经失去了与自然相处的多样性发展的可能，我们只有从乡村寻找新的智慧和新的价值体系，才能找到人类新的发展路径。

如何建设中国乡村?不仅人类学家和艺术家在思考，来自不同领域的专家，包括企业家也在思考这一问题。他们发出不同的声音，但在所有的声音中，艺术家和人类学者的声音是非主流的，更加主流的声音也许来自企业家和经济学家。我在一个以企业家为主体的论坛上，看到他们提倡“走一条农民、农村、农业协同发展的乡村现代化道路”，提出要学习欧美，将中国乡村建成“庄园集群、风景区与风情村镇三位一体的空间结构”，另外，有经济学家提出了从“乡土中国”到“城乡中国”的口号。这些建议和口号都体现出同一个目的，就是消灭传统的乡村，或者让乡村成为城市与城市之间的驿站，将现代化理念从城市扩展至乡村。

我认为，中国不能走从“乡土中国”到“城乡中国”之路，而要走从“乡土中国”到“生态中国”之路。所谓的“生态中国”之路，就是高科技加传统文化，即在互联网+新能源+工业4.0的基础上，实现传统乡土文化的复兴之路。这是民国时期知识分子所向往的将工业留在乡村的“第三条道路”，这样的工业不再是工业化时代的机械工业，它有可能是复兴的手工业，是4.0的智能化工业。而当代的乡村第三产业是文化产业、休闲产业、旅游业等，当然，其主业是生态农业。这条生态之路不仅产生新的产业结构、新的社会结构、新的生产方式，甚至会形成新的社会发展模式，还将复兴中国传统文化中的许多重要价值。其中既有如何处理人与人之间关系的传统价值，也有如何处理人与自然之间关系的传统价值，还包括了许多传统农业文明积累下来的生态观和生态智慧。

中国的“文艺复兴”

工业革命率先出现在欧洲，其文化的根基在于轴心时代的古希腊文明。古希腊文明是城邦文明、商贸文明，故在此基础上发展起来的欧洲文化最终将人类社会推向了工业文明。但当工业文明已经走向危机，需要人类社会进行再次转型的时候，我们需要重新回到轴心时代，思考人类未来的发展。

在每一场新的社会转型前夕，都会有一场“文艺复兴”的现象出现。15世纪发生在欧洲的文艺复兴触及了人们的灵魂，最后推动了科学技术的发展与社会的变革。同处于轴心时代的先秦文明就是我们今天要挖掘的对象，另外，“礼失求诸野”，许多传统的农业文明智慧在城市已经消失，但在乡村或传统的手工业城市还存在，这就是我们要保护的非物质文化遗产。从文艺复兴的角度来看，这些遗产也是我们发展当今和未来文化的资源或基础。

从农业文明遗留下来的智慧有可能是生态文明发展的基础和资源。中国至今还存在并且正在复兴的手工艺生产方式，还有许多传统民间文化，在西方世界已经很难寻觅。因此，笔者认为在中国大地上出现的非物质文化遗产保护的热潮和手工艺复兴的现象，实际上是一种中国式文艺复兴的现象。欧洲式的文艺复兴是人对自身的重新认识，因此是从诗歌、文學作品以及绘画、雕塑等艺术门类开始的;而中国式的文艺复兴是人对包裹自身文化的整体性的重新认识，是从重新认识自己的传统文化，将传统文化变成新的艺术化的生活方式开始的。通过大量的田野考察，我们看到的是，中国手工艺复兴是建立在传统文化复兴基础上的：喝茶、焚香、赏花、弹琴、作诗、论字画、把玩瓷器、收藏古玩、穿中式衣服、摆中式家具等，中国的工匠和艺术家、设计师们正在利用传统的手工技艺和传统的文化资源创造新的中国时尚文化。正是这种中式生活方式的回归，复兴了许多中国的传统手工艺行业，提供了许多新的创业和就业的机会，在改变中国人的“生活样式”的同时，也在带动中国的经济结构和文化结构的改变。这种来自民间的传统文化复兴正是激发中华传统优秀文化的生机与活力的一种重要方式，笔者希望这种活力的最终导向是把传统的乡土中国导向当代的生态中国。

艺术介入乡村建设实践

艺术家介入乡村建设是时代使然，也许正是在参与和引导中国的文艺复兴。费孝通先生当年考察了中国乡村以后，为自己树立的学术目标就是“志在富民”，因为当时农村最需要解决的就是致富问题。当然，现在的中国农民仍然需要致富，但他们的致富地点改变了，从农村转移到了城市。要想使乡村发展，要想把农民吸引回乡村，甚至把知识精英都吸引到乡村，就不仅要让乡村富起来，还要让乡村美起来、时尚起来、生动起来，甚至文艺起来，具有地方特色起来。这就需要有新的创意，有新的生活样式，让乡村成为一片能找到灵魂的归属之地。所以，我们现在提的是“美丽乡村”建设，而不是“富裕乡村”建设。实际上，口号的转变暗合了当今人们的心灵需要，而能解决这一问题的就是艺术家。因为艺术家可以把看不见的文化变成可视、可听、可感的气氛及象征性文化符号，渗透到我们的生活空间，使其成为一种“新的生活式样”。所以，艺术家是和人类灵魂站在一起的人，是和人类新的生活式样站在一起的人。由艺术家、设计师先期切入，然后再带动各种力量的共同介入，这也许是艺术乡建值得尝试的模式。也因此，未来艺术家最重要的任务也许不仅是要创作艺术作品，而且是要想办法成为新的生活样态与形式的创造者。在他们的参与下，乡村的生活会和城市的生活一样富有吸引力，由乡村产生的新的生活样态不仅包含有文化和历史的价值和审美，而且还有新的文明理念、新的文明追求。唯有如此，乡村建设才有价值、才有意义。有时我们觉得乡村振兴是我们在挽救乡村，岂不知实际是乡村在挽救我们这些迷途找不到家的人。因此，乡村建设就是家乡建设、家园建设、心灵建设，其概念不仅是物质上的，也是精神上的。

费孝通先生说：“中国正在走一条现代化的路，不是学外国，而是要自己找出来。”笔者认为，这条道路就是在中国传统文化基础上发展出来的生态文明之路，这不仅是中国社会发展的未来之路，也是全人类都必须要进入的可持续发展之路，希望中国能成为走在这条路上的先驱者。

目前，渠岩的“从许村到青田”、靳勒的“石节子美术馆”及左靖的“景迈山”项目，让我们看到艺术介入乡村建设有不同的角度和方法，但一个共同前提就是我们要去尊重乡村的传统价值。

从许村到青田

渠岩(艺术家)最初引起我关注的就是他提出的“重估和重建乡村价值”的口号，他说：“家乡是我们最后的精神家园，西方追求的是灵魂不朽，而中国追求的是生生不息的生命繁衍。”“中国人的约束不是来自于宗教，而是来自于家族。把人都赶到城市去，离开家族的约束，会出现很多问题。”他清楚地看到，乡村的传统文化是建立在家族文化的基础上的，而家族文化的魂又被附着在村里的老建筑上，所以，他在许村所要做的第一项工作就是修复那些明清时期留下的老房子。他认为：“修复保护老房子，是要恢复我们家族的荣耀，召回100年来我们模仿西方、模仿城市所失去的神性。”而乡村的神性与合法性在于乡村的信仰和乡村的祠堂，他说他从许村到青田看到的最大不同，就是北方乡村的信仰体系基本荡然无存，而在南方的广东却基本香火未断，人们还在信仰关公和祖先。而广东一带经济发达和他们讲究诚信与情义有关系，这样的传统信仰规范了人们的道德行为，同时也保持了经济社会的有序发展。

渠岩是一位艺术家，但关心的却是社会发展的大问题，其理念是让艺术走下神坛，成为社会革新的工具，让它从审美的系统变成一套推动社会进步的系统。他的这一理念让我们看到，我们不仅要重估乡村价值，同时也要重估艺术的价值。艺术不仅是一套审美体系，也是一套价值体系，其承载着人类追求新生活的向往和理想。因此，在每一次的社会变革中，艺术总是成为先锋，包括人类从农业文明迈向工业文明前期所出现的文艺复兴运动。如今，在人类社会从工业革命迈向生态革命的过程中，艺术是否能再次成为社会变革的先锋，从乡村开始推动一场新的文艺复兴?这场新的文艺复兴就是在传统的基础上，构建出一套新的与自然生态和谐发展的文化模式。在这一过程中，艺术家与设计师还有工匠一起为构造人类新的生活服务，创造出一种新的生活样态，此举表面是复兴传统，实际是建造新的生活方式和新的社会发展方式。

连接未来的景迈山

景迈山位于云南省的西南边陲，因普洱茶盛名，左靖(策展人、乡建工作者)首先做的事情，就是带领一支团队对景迈山进行了近3年的田野调查。在这一过程中，他们了解到景迈山的村民几乎没有出外打工的人，传统的文化体系也保留得很好。主要是由于这里盛产茶叶，村民们采茶、做茶、销售茶叶，生活富足，而围绕着茶叶产生的各种民俗活动也保留得很好，因为这是一套完整的文化体系。富起来了的村民们都希望能过更现代的生活，景迈山的村民们想把传统的干栏式木房改成随处可见的水泥式建筑。这也没有什么不对，但建筑是当地的人文景观，传统建筑不仅具有功能性，还具有文化性。因此，为了保留这些建筑以及当地乡村中所承载的文化价值体系，左靖团队将当地传统的干栏式民居建筑进行了功能性的改造，即外观和结构基本不改，但增加了房子的亮度、防水能力以及内部的区隔。另外，左靖团队还与政府合作，将村里改造好的建筑作为样板房供村民们观看，让他们认识到改造过的传统建筑和流行的水泥房子一样实用，还更美和更有特色，让村民们在提高自己生活质量时能多一种选择。他们将5幢改造好的民居，注入文化展陈、社区教育与生活服务等功能。这个团队有建筑设计师、摄影师、画家、编导等，是一个名副其实的艺术团队。他们以不同的方式记录和整理了村庄的文化和历史，挖掘了乡村里最珍贵的、最值得保留的文化传统与习俗。在这样的过程中，他们拍了许多视频、图片;同时，解剖了不同类型的传统建筑，做了建筑模型，还画了许多的线描图。通过各种艺术手段，他们将乡村文化的美尽可能地發掘和展现出来，然后通过文化展陈，让村民们来参观他们自己的文化。这样的展览就像是一面镜子，让村民们找到了自信，也激发出了极大的创造力。现在他们仍然在种茶和做茶，但已经会在网上开网店、卖茶叶、招揽游客了。传统生活与现代生活的相互连接——这就是景迈山的未来，也许是未来所有乡村的未来。

左靖将艺术作为一种教育手段，潜移默化地影响和启迪了当地居民去重新认识自己的文化价值，这是艺术介入乡村建设的一个值得肯定的模式。

石节子美术馆

靳勒(艺术家、石节子美术馆馆长)从小生活在甘肃省天水市秦安县叶堡乡石节子村，这是一座普通的西北村庄，干旱缺水，交通不便，山上的土地贫瘠，农作物很少，只有一些花椒树，少数的杏树、桃树和苹果树。村庄里没有出过文化人、没有村史的记录、没有祠堂，也没有族谱，是一个既缺乏自然资源，也缺乏人文资源的乡村。他们所拥有的最大资源就是靳勒先生，他是这个村庄的第一位大学生、第一位大学教授。20世纪80年代以后，青壮年都出去打工了，只剩下老人和小孩，这样的村庄基本是属于边缘、废弃的状态，西北地区的许多村庄都是如此。靳勒先生每年回到村里，除了看到村里的人老了、小孩少了、年轻人少了，再没什么变化。于是，他开始产生了一个愿望，即用自己所学到的艺术知识来改变这座村庄。2007年，他召集石节子村4名农民去德国参与第十二届卡塞尔文献展艾未未的参展作品《童话》，让从来不知艺术为何物、从未离开过山沟的村民们第一次出国，而且还参观了具有国际性的艺术展。对于村民们来讲，这在他们的心灵中几乎是跨越了一个前所未有的大鸿沟。

于是，靳勒开始设想将整个村庄里的每家每户，包括四周的山山水水，都囊括成为一个乡村美术馆，村民们的家庭、村民们的生活、村民们的生产劳动等都是美术馆的一部分。这是一个非常“当代艺术”的想法，别人用现成物当艺术品，他却用现成的、活生生的农民生活当艺术品、美术馆。

在没有建立美术馆之前，村民们的生活就是日常生活，但现在，这里的村民们开始艺术地生活着。为此，村民们开始自尊、自信起来，为了接待外来的艺术家到这里做创作和做交流，村里开始变得干净整洁了。靳勒先生说，他做艺术乡建并不仅仅是为了脱贫致富，还是为了让村民们有尊严地活着。

互联网和新媒体时代让社会生活成为可以观看的剧场，石节子美术馆村民的活动也由此被放到了社会的聚光灯下。也就是说，石节子美术馆的建立，让村民们看到了外面的世界，同时也让外面的世界看到了一个极其偏远的小山村人的生活。艺术作为桥梁增进了城市人和农村人的相互了解，消除了城市人和农村人之间曾经有过的鸿沟。

作者：方李莉

第三篇：浅谈意大利文艺复兴运动下的艺术

摘要： 文艺复兴时期是欧洲文明从封建中世纪向现代资本主义纪元过渡的关键期。欧洲中世纪末期，新兴的资产阶级为了寻求自身的政治权利和保障自身的经济利益，需要打破欧洲长达千年的封建专制、宗教束缚的僵局。文艺复兴运动应运而生，成为资产阶级寻求解放思想意识和打破政治垄断的重要手段。文艺复兴运动诞生于彼时意大利的经济贸易中心，佛罗伦萨。佛罗伦萨丰富的古罗马文化底蕴以及繁荣的社会生活，为文艺复兴运动的壮大提供的养料。文艺复兴运动以人文主义为指导思想，强调对古典学说和价值观念的学习、模仿和借鉴。这些新变最早反映在艺术领域。以绘画和雕塑为代表的文艺复兴时期的艺术一改中世纪枯燥、呆板、毫无情感表现的创作风格，在作品中注入人文主义的活力与激情。意大利的三位艺术巨匠，达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，更是将意大利的文艺复兴运动在艺术领域里推向高潮。本文将以《大卫》和《最后的晚餐》为例，浅谈意大利文艺复兴运动下的艺术。

关键词： 文艺复兴运动;人文主义; 文艺复兴艺术;

一、意大利文艺复兴运动的社会背景

公元380年，古罗马帝国君主狄奥多西一世宣布基督教为国教，由此开始了基督教对欧洲长达千年的宗教统治。在基督教的鼎盛时期，教会神权一度高于皇权，君主的权利都要通过教皇的授予才能得到合法化。基督教向人们宣传禁欲主义，让人们在基督教教义的规范下克己自律，忍受统治阶级的压迫和剥削，以求死后能进入到天堂得以永生。中世纪的人们遭受的是教会的精神控制和封建皇权的政治奴役的双重压迫。随着中世纪末期封建体制的解构，从被统治阶级分化出来的新兴中产阶级，迫切地需要进行一场破旧立新的运动，来解放人们的思想文化意识和政治权利意识，从而让资产阶级获得精神领域和政治领域的话语权。

文艺复兴运动，一方面恢复中世纪以前的古希腊、古罗马文化，另一面，在新的历史背景下，对经典文化进行适应资产阶级的改造，从而创生出新的社会文化。

二、意大利文艺复兴运动的指导思想

意大利文艺复兴运动的指导思想是人文主义。人文主义提倡，文艺作品要表现人的真情实感，科技进步要造福于人，教育要发展人的个性，人要成为万事万物的中心。意大利文艺复兴时期的人文主义学者，还高举人权大旗，抨击当时教会的神权思想，在一定程度上降低了教会神权对人们日常生活的影响;反对基督教倡导的禁欲主义，重视人的现实生活，强调人在现实生活中去体验人生中的美好和幸福。

三、意大利文艺复兴运动下的艺术表现

意大利文艺复兴渗透到艺术领域，让同时期的审美意识产生新质，表现为一部分文艺复兴运动的新思潮转变为新的审美意识，而审美意识创生的审美活动也参与到文艺复兴运动的建构中去，成为文艺复兴运动的中坚力量和重要的组成部分。文艺复兴时期的艺术成就主要集中在绘画和雕塑两种艺术门类上，艺术表现的主题和风格出现了重大的变化。中世纪的艺术表现主要集中在对基督耶稣和其他基督教人物刻画上，刻画的场景和事件大都是宗教题材，人物的面部表情和肢体语言都呈现出程序化、系统化的风格趋势。宗教人物身上作为人的属性被有意识地缩小，更多地表现为非凡的神性。而文艺复兴时期的艺术家们开始关注对人物性格的刻画，提升人物身上的人性，排斥人物身上一成不变的神性，从而打破了中世纪艺术的固有模式，将结合了人性表现的古典主义艺术作为他们艺术表现的内核。

四、意大利文艺复兴运动下的艺术成就

(一)初始期的艺术成就。

文艺复兴运动初始期的艺术作品的主题虽然沿用中世纪的宗教故事、神话传说、圣经人物，但就艺术风格而言已具有明显的现实主义倾向。意大利文艺复兴运动初期最为知名的艺术家是乔托，他的绘画作品中刻画的人物并不基于固有的绘画传统，而是源自乔托自己以自然的视角对生活的观察。乔托一改中世纪绘画艺术表现出的二维平面和等级分层，采用清晰而简约的绘画布局让其所刻画的人物呈现立体的三维特性，人物的不同身形体态清晰可辨，人物所着服装有质感和层次感。更为重要的是，乔托所刻画的人物体现了人所具有的情感，在人物的面部表情中我们可以感受到喜悦、愤怒、绝望、羞愧、怨恨和喜爱。因此，乔托被公認为文艺复兴艺术的领路人。

(二)前期的艺术成就。

文艺复兴运动前期的艺术大师都出自佛罗伦萨，绘画艺术的代表人物是马萨乔，而雕塑艺术的代表人物则是多纳泰罗。马萨乔在艺术表现继承了乔托的艺术传统，将解剖学的知识和透视学的表现手法运用到绘画上。裸体的人物具有更为准确的解剖结构，表情也更为生动。同时期的雕塑家多纳泰罗花了大量的时间精力对古罗马的雕刻艺术进行细致的研究，为了更好的研究甚至专程去到罗马。多纳泰罗一方面借鉴古罗马雕刻艺术的表现手法，另一方面基于其对解剖学的研究将人体解剖学中的科学知识运用到艺术品的创作中。多纳泰罗的大卫铜雕像，在技法上使用了古罗马时代流行的圆雕，与中世纪仅作为宗教建筑装饰的平面的人像雕刻相比，更加的生动立体。雕像歌颂人在战斗中取得的胜利以及以人的形象塑造为主要表现手段，重点呈现了大卫身上的人性。另外，这尊雕像是一件裸体雕像，中世纪基督教提倡禁欲主义，一般禁止对裸露人体的艺术表现，只有少数的雕像是裸露的，如伊甸园的亚当和夏娃，他们的裸露也只是表现人性的无知和罪恶，目的旨在于对基督教教义的宣传。多纳泰罗打破了这样的禁忌，把大卫雕塑成一位在战斗中取得胜利的少年，头戴战盔脚绑护具，左手叉腰右手执剑，脚下踩着敌人的头颅。大卫裸露的身体展现了其凡人的躯体，在生死搏斗之后大卫的面部表情却十分平静，又显现出其非凡的英雄气概。

(三)鼎盛期的艺术成就。

鼎盛的艺术成就出现在文艺复兴运动的后期。文艺复兴艺术的鼎盛期大约从13世纪90年代初一直延续14世纪20年代末，繁荣了将近35年。意大利三位杰出的艺术家将文艺复兴艺术推向高潮。

达芬奇进一步完善了绘画艺术的各种技法，如明暗分布、几何和空间透视法、解剖学、缩短法、人物性格刻画等等。他花费毕生精力研究并细致地记录着其对自然世界的观察。他用油画颜料作为主要的艺术载体，让他的绘画艺术能够更加自然地表现出风景和人物上的光影效果;他对尸体的解剖，让他更好地了解了人的骨骼和肌肉结构，让他的绘画艺术能更精准地刻画出人的身体结构;他在宗教绘画中对人的情感刻画，成为了后世模仿和学习的标杆。

最后的晚餐是基督教的福音书讲述基督在受难前和他的十二位门徒吃的最后一顿饭。最后的晚餐最早是以经文的形式被记录而流传下来的宗教故事。中世纪的宗教绘画将宗教故事和神话传说转变成视觉艺术形态，更多的是为了宗教宣传服务。公元6世纪，拉文纳的镶嵌画《最后的晚餐》，画面中的人物以基督为首，十二名信徒沿着半圆的桌子依次排开。基督的头上有光环，着装的颜色与十二名信徒明显不同，身体被拉长放大，显示基督非凡的神性。四名信徒望向桌子一头的基督，七名信徒望向桌子另一头背叛基督的犹大，紧张的气氛给人剑拔弩张之感。整幅画忽略了现实视角下的人物比例，人物呈几何简化形象，缺乏人的个性表现。

公元14世纪20年代，乔托的《最后的晚餐》，图画中描绘了基督和他的十二名信徒围坐在桌子周围享用最后的晚餐，期间基督说了一句：“你们中间有人出卖了我。”。信徒们面面相觑，脸色沉重。明显出卖基督耶稣的人是谁这一悬念还未揭晓，一切仿佛是暴风雨前的宁静。乔托的《最后的晚餐》比起中世纪的那幅，采用了空间透视的艺术手法，让画面呈现出三维立体的效果。人物的表情生动了起来，人物身上的服装更有层次感，色彩的运用也更加的丰富。不光基督头上有光环，十二名圣徒头上也有光环，从侧面表明人皈依基督教，聆听主的教诲，通过修习也可以获得和基督一样的神性。这就拉近了人与神之间的距离，人性元素开始渗透到宗教神性的表现中。

公元15世纪90年代，达芬奇的壁画作品《最后的晚餐》，在技法上，达芬奇运用空间透视法和缩短法，让画面拥有宏大的立体三维空间，光影的运用则让整幅画有了明暗变化。在构图上打破了过去基督和圣徒围桌而坐、略显呆板的布局，将基督置于画面的中心位置，十二名圣徒以基督为中心向左右分坐，左右各六名。基督的左手平摊，右手呈抓取状，镇定的神情带有一丝悲伤。每位圣徒从面部特征到身上服饰都显现出各自的特性，当听到他们当中有人出卖基督的消息，有的惊讶、有的愤怒、有的疑惑等等。达芬奇在刻画圣徒们的内心活动的外在表现时，不光依靠他们的面部表情，还融合了他们的肢体语言。作者取消了基督和十二名圣徒头上的光环，暗喻地否定了基督和其十二圣徒的神性，把他们描绘成活脱脱的有血有肉的历史人物。

最后的晚餐，同一的宗教题材，在欧洲中世纪末在意大利文艺复兴运动的影响下，完成了从彰显神性向颂扬人性的艺术转变。这固然与文艺复兴运动的人文主义思想有着密切的联系，但也得益于艺术经验技术操作本身的进步以及科学理性向艺术领域的渗透。人文主义哲学、解剖科学和纯熟的艺术经验技术操作在文艺复兴艺术的鼎盛期融为一体。这一时期最具有代表性的雕塑是米开朗基罗的大理石雕像《大卫》。米开朗基罗无论是他的绘画还是雕塑都无疑热衷于人体的美感表现。米开朗基罗并没有像多纳泰罗那样严格依照《圣经》的记载把大卫塑造成少年形象，而是把他塑造成一名全身裸体的青年形象。大卫的青年形象相比少年形象，肌肉的线条明显，体格更加壮硕饱满，甚至手足部静脉都清晰可见。如果说多纳泰罗雕塑的大卫少年形象还需要头戴战盔手执利刃、脚踩敌人头颅才能展现其战力和英雄气概的话，米开朗基罗雕刻的青年版本全身肌肉的力量感，身体比例协调的美感以及打出投石一刹那凝视敌人的坚定眼神，足以把一位保家卫国的人类英雄表现的淋漓尽致。他身上没有超人的神性，靠的是无以伦比的勇气和机敏的智慧战胜了强大的对手，彰显的是伟大的人性。

綜上所述，文艺复兴艺术通过借鉴优秀的古典艺术，运用自然科学的研究成果，吸纳人文主义的哲学思想，改变了中世纪的艺术传统。文艺复兴艺术作为文艺复兴运动的子系统，参与到近代欧洲文化的建构中，标志着欧洲从中世纪向近代的过渡。

参考文献

[1]叶胜年. 西方文化导论[M].上海外语教育出版社，2013，4.

[2]裔萼. 文艺复兴时期的大师[M].安徽美术出版社，2003，1.

作者：饶建伟

第四篇：探析尼德兰文艺复兴早期艺术作品中的象征主义

摘 要：形成于15世纪的尼德兰艺术，以其令人瞩目的、标新立异的油画技法，视觉上的写实主义以及立意高远的象征寓意被后人铭记与传承。尼德兰艺术作品中呈现出的象征主义更是成为了一个具有美学价值和历史意义的主题。文章将通过分析尼德兰艺术作品，试探析画面中的象征性画面语言及其带来的影响。

关键词：文艺复兴;尼德兰艺术;象征主义

象征主义出现于19世纪80年代，其打破了中产阶级趣味的传统模式，探索并强调有灵魂的生命、神秘未知的东西，驱使艺术家们以直觉和想象为出发点。作为体现特定的时间和空间的审美倾向，它不仅体现了艺术家们的思想观念，更被认为是艺术家们与观者思想和感觉交流的媒介。象征主义的前身可以追溯至文艺复兴时期的尼德兰艺术中宗教题材与世俗题材的表现手段，进一步学习尼德兰艺术作品中的象征性语言有助于理解绘画特征及表现手法。

一、绘画中的象征主义

根据词源，象征指借助一些具体形象来表现某种抽象的概念、思想和感情，使得原本的主体蕴含更深刻的意义。象征主义最早源于文学领域，其对于我们所接触到的艺术领域的作用同样令人无法忽视。艺术发展的长河里，艺术家们富有象征寓意的作品毫无疑问是值得一再探究和反复琢磨的。在中世纪时期“象征”常常与宗教一起出现，艺术家们运用隐喻和象征的抽象表现手法来传播教义和表现宗教内容，将自己的思想感情融入作品里，通过宗教象征赋予自身对于神灵的敬畏之心。到文艺复兴时期，表现宗教题材的作品开始出现世俗化的特点，但艺术家仍然选择隐喻象征的手法，在画面中展现他们的崇敬。

象征在作品中的呈现方式多样，或直接使用传统的象征性符号或形象，或暧昧隐晦，带有抽象和模糊的特征。无论任何一种手法都能让作品饱含象征意味，能让我们在欣赏一幅作品时，感受到更强烈的视觉美感和精神享受。

二、文艺复兴时期的尼德兰艺术

(一)艺术风格特征及成因

位于歐洲北部的尼德兰，其南部一个被称为“法兰德斯”的地区亦追随文艺复兴人文主义思潮，将日常生活融入绘画当中，并以一种缓慢、温和的方式演变着。14世纪时法兰德斯是尼德兰艺术家主要的活动区域，他们的创作主要来源于圣经故事。作为艺术史上的一个概念，法兰德斯绘画于1581年以对细节的精细描绘、追求表现材质的真实性为主要特征，并成为早期艺术家表现风景画、静物画以及风俗画的手法。法兰德斯绘画渐渐发展成以画面中细腻的描绘手法、独特的透视角度、对比强烈的色彩关系以及富有深意的象征性表达著称的艺术。

(二)艺术家及其作品中的象征主义分析

早期的的法兰德斯相继涌现出了一批艺术大师，代表艺术家分别有罗伯特·康宾、扬·凡·艾克、凡·德尔·维登，他们十分注重对细节的刻画，开创了绘画的新时代。

1.罗伯特·康宾

罗伯特·康宾被后人称为佛拉蒙大师，作为最早通过风景来烘托生活气息浓厚的宗教人物的艺术家，他极其擅长对画面中的道具细节进行描绘，画面效果给人以圣洁的美感。在他的作品中可以看到许多带有象征性的艺术形象，如在早期作品《炉火前的圣母子》(图1)中，大大地将宗教题材世俗化。圣母和圣子在一个普通人家的居室中，圣母眼眉低垂，温柔地用左手轻抱着圣子，右手摁着自己的乳头，准备喂养怀中的圣子，左手臂靠在雕有华丽图案的橱柜上，身穿白色长礼服，阴影带有浅浅的淡紫色。圆润饱满的圣母坐在壁炉前的长凳上，在她的身旁的枕头上放着一本打开的《圣经》，圣母身后的圆形炉栏让人不禁想起中世纪的宗教题材作品中人物头上的光环。窗户外是壮观的城镇风景。画面中在平凡的室内环境背景映衬下的圣母显得平易近人，世俗的母子之情，洋溢着人世间的美好幸福。

2.扬·凡·艾克

扬·凡·艾克是文艺复兴时期尼德兰绘画艺术的大师，善用丰富的色彩，对事物的描绘都尽显精确，给人以严肃、华丽之感。作品《罗林大臣崇拜圣母》(图2)中将远处河流和城镇都进行了精细的描绘，画面效果逼真，体现出凡·艾克敏锐的洞察力与强大的描摹能力。整幅作品最引人注目的一组三扇窗户的存在，它同样意味着三位一体，透过窗户所看到的风景，有代表纯洁的百合花，有象征把教义教法渡往彼岸的船只。

作品画面的有意义之处，不仅在于整个画面和场景有意义，更在于其中的每一处细节都有意义。凡·艾克正是在受到了这种对实际物体的关注与对宗教的虔诚的启发后，出于对美好事物的祈求，逐渐开始运用带有象征性的艺术手法来表达他的感情，这种象征手法在尼德兰绘画的发展中得到了理想的继承和发扬。

3.凡·德尔·维登

凡·德尔·维登因作品注重细节的刻画和自然神态的描绘而闻名于14世纪，维登早期的作品体现出他受到扬·凡·艾克和罗伯特·康宾的影响。在后期，维登把对两者艺术特点的理解结合运用到自己的画面中，形成了具有个人特色的构图形式和色彩语言。在他的画面中常常出现柔和却光彩夺目的主色调，在人物的身体曲线和物体细节上的处理可见他的创新之处。克莱格·哈贝森在《艺术家之镜》中分析“凡·德尔·维登的写实主义是细节艺术视像与感人的宗教情感两者的完美体现”。的确，其创作于15世纪中期的《阅读圣经的抹大拉的玛丽亚》是其祭坛画中最大的一幅，抹大拉一直以一个被耶稣拯救的形象出现在基督教的传说里，而此刻的她坐在一个红色的垫子上安静地阅读着，仿佛已经完全从过去的罪孽中摆脱出来。背景中其对细节的描绘如人物腰带末端的金饰、身旁的膏油瓶以及书页边的金钩都十分精准。通过画面上半部分的窗户望去，有弓箭手雕塑的花园围墙，在行人散步的草地旁有象征着灵魂与自由的河流。

三位法兰德斯早期文艺复兴艺术家各有千秋，作品不分伯仲。康宾的作品更偏重于描绘人性的、感官的画面，而维登则更关注内在表达，使得他的画面中有种狂热的且虔诚的宗教感和仪式感，后期慢慢地趋向于精致的刻画与柔和的画面效果。而在扬·凡·艾克的画面中，可以看出他对于自然和空间的关系处理十分忠于自己的内心，通过描绘自然风光使得宗教主题的作品生动有趣。

三、尼德兰艺术象征性的影响及思考

由于宗教和政治原因，这时期的艺术作品均带有象征主义色彩，对环境、静物的刻画十分尊重现实，追求真实，在俗世生活的细枝末节中，蕴含了神秘的宗教意味，这种隐含的象征主义是文艺复兴时期法兰德斯艺术的特征，早期绘画中布满了一眼就能看见的象征性绘画语言，反映了艺术家的审美意识与追求。

19世纪末的艺术家为了把真实的思想感情表现出来，不得不借用历史故事和宗教神话传说，才正式形成象征主义艺术。象征主义艺术家认为现实的真切可以通过作品的直观呈现得出，而他们意图表达的内在思想则需要借助象征、隐喻来刻画他们感受到的真实，满足了艺术家再现其情感和思维的需求。象征主义以其多变的绘画风格，催生了以马蒂斯为代表的野兽派，以毕加索为代表的立体主义等，西方现代艺术的帷幕被象征主义绘画这股力量真正地揭开了。

时至今日，中国的當代油画呈现出多元发展的局面，在油画创作中运用隐性的象征寓意，扩充了象征寓意的元素、符号、手法，使得具有象征性的绘画语言在中国当代油画创作中得到了发展。艺术家们通过创造的形象符号，表达他们对自我精神状态、社会现象的调侃与批判。象征寓意对于当代油画来说犹如一股清流，引导观者在欣赏作品时能通过画面激发想象力从而产生共鸣，实现情感上的超越，洗涤人们看待社会现象的重要方式，让人们提高对个体内在精神与现实问题的关注度并进行反思。

四、结语

通过对文艺复兴时期尼德兰早期艺术绘画作品中象征主义表现的研究发现，我们只有对题材与内涵进一步探索和挖掘，才能更准确地把握文艺复兴时期尼德兰绘画的特征，同时加固对象征这种表现手法的理解。从某种意义上来说，象征主义绘画不仅促进了现代绘画的发展，并且影响了许多艺术家。绘画作品中的象征性语言表达形式多样，目的也各不相同。因象征性在艺术创作及表达中的重要性，因此其成为了艺术家丰富画面内涵的一种形式，从中我们不仅可以解读出传统文化的演变，更能感受到思想观念的冲突和变化。所以我们应当继续探索，多观察多思考，掌握象征性绘画语言的本质规律与美学内涵，关心社会时事，联系实际生活，才能更好地理解艺术作品的深层次内涵。

参考文献：

[1]哈贝森.艺术家之镜——历史背景下的北部欧洲文艺复兴[M].陈颖，译.北京：中国建筑工业出版社，2009.

[2]李维琨.北欧文艺复兴美术[M].北京：中国人民大学出版社，2004.

[3]翟明明.象征与符号——论意大利文艺复兴时期绘画符号性语言的象征内涵[D].内蒙古师范大学，2007.

[4]张盾.论艺术的象征本质——兼论中世纪的艺术与美学[J].武汉大学学报，2017(5).

作者单位：

广西师范大学

作者：邓智媛

第五篇：艺术之国意大利——你是我的文艺复兴

目前，意大利共拥有55项联合国教科文组织世界遗产，和中国并列为全球拥有世界遗产最多的国家。意大利在艺术和时尚领域也处于世界领先地位。首都罗马是有着辉煌历史的欧洲文明古城，其古文明显赫一时。米兰是意大利最大的现代化大都市和欧洲乃至世界最大的都会区之一，也是世界时尚之都。都灵是一座古老的文化艺术城市，拥有艺术珍宝丰富的古老教堂和宫殿。还有闻名于世的比萨斜塔、风光旖旎的水城威尼斯、被誉为世界第八大奇迹的古罗马竞技场。意大利同时也是时尚的代名词，古驰、芬迪、普拉达、宝格丽、阿玛尼、范思哲等世界顶级奢华品牌都诞生于此，因此，也成为设计师向往的艺术圣地。如今，在意大利各地都可见到精心保存下来的古罗马时代的宏伟建筑和文艺复兴时代的绘画、雕刻、古迹和文物。

公元14—16世纪，意大利文艺高度繁荣，成为欧洲“文艺复兴”运动的发源地。文艺复兴造就了但丁、彼特拉克、乔万尼·薄伽丘“文学三杰”和达·芬奇、拉斐尔·桑西、米开朗琪罗“美术三杰”等艺术天才，他们的作品《神曲》《十日谈》《蒙娜丽莎》《大卫》等流传至今。文艺复兴的概念在佛罗伦萨产生，作为欧洲文艺复兴时期的文化中心，佛罗伦萨给现代人留下了数不胜数的历史建筑和历史珍品。这一时期的文化与科技巨匠对人类文化的进步作出了无可比拟的巨大贡献。此外，意大利还是美声学派及歌剧的发源地。意大利音乐在声乐、器乐方面对西欧各国的音乐发展起到了开拓作用，在欧洲音乐史上，意大利歌剧也是一个重要的里程碑。能被称作“艺术之国”的国家意大利算是其中一个，也正因其浓厚的艺术氛围，每年吸引着许多艺术留学生前往学习。

意大利的高等艺术教育

意大利的艺术、设计、时尚类的教育在世界范围内都处于领先地位。高等教育院校众多，包括公立大学、私立大学。著名大学有：博洛尼亚大学，成立于1088年，是世界上第一所大学，有“大学之母”的美誉;米兰理工大学是一所在工程、建筑和设计界享有盛誉的世界著名理工大学;都灵理工大学的优势专业是建筑设计、汽车设计、生态设计等;热那亚大学是意大利唯一一所把造船学和船内设计列入学位课程的大学。另外，威尼斯卡福斯卡里大学的商学和经济学具有悠久的传统，博科尼大学是意大利最负盛名的商业大学。多年来，意大利已成为国际生尤其是艺术生主要留学目的国。

那么，意大利的高等艺术教育如何?

据意大利教育中心中国区负责人邢建军博士所著《意大利高等艺术教育体系：发展、特色与当前政策》，意大利高等艺术教育是意大利高等教育的重要组成部分，也是最受外国学生青睐和“国际化”程度最高的部分。截至2021年10月30日，意大利共有20所公立美术学院、18所地区共建私立美术学院、59所公立音乐学院、18所私立高等音乐学院、5所高等工艺美术学院、1所国家舞蹈学院、1所国家高等戏剧学院、37所意大利大学与研究部认定的私立艺术学院，这159所院校构成了意大利的高等艺术教育体系，且均为意大利和中国教育主管部门承认学历的院校。而意大利高等艺术院校的“国际化”体现在近10年来，国际学生的注册人數持续增加，其中中国学生占比很高，这得益于意大利政府针对艺术留学推出的“图兰朵计划”。此外，在美术、设计类院校中的外国学生占国际学生总数的一半以上，音乐类院校中的外国学生注册数量也实现了小幅增长。

在意大利学习艺术，又有哪些优势?首先，当说到西方艺术时，大部分人脑海都会闪过蒙娜丽莎的微笑等名作品，这些都是产生于意大利文艺复兴时期产生的艺术财富。作为学生需要一种沉浸式的学习环境，来感受艺术的氛围。与此同时，伟大的艺术又和它的环境同时出现，如此，在艺术之国学习艺术可以事半功倍。其次，意大利拥有众多世界顶尖艺术院校，集聚了世界十强美院佛罗伦萨美术学院和罗马美术学院等。同时，作为全世界拥有艺术梦想的学子学习艺术、设计的最佳目的国之一，意大利各大艺术院校也始终坚持创意与传统、实践与现实的结合，在艺术、音乐、时尚、设计等方面的教育居于世界顶尖水平。意大利艺术专业的学生受全球雇主的认可度很高，是国际平台上就业的热门人才，同时，意大利艺术院校的专业含金量和毕业生高就业率也是首屈一指的，此外，公立院校还有着“免学费”的利好政策。因此意大利吸引着中国艺术生留学不断前往。

意大利著名艺术类院校

佛罗伦萨美术学院，其历史可追溯至文艺复兴时期，是世界第一所美术学院，开创了世界美术教育先河，有着“世界美术院校之母，四大美院之首”的美誉和地位。它对后来的巴黎美术学院、列宾美术学院、中央美术学院等都具有启迪作用。这里不仅大师云集，并且打破了美术界限，将科学、文学、哲学相融合。作为文艺复兴的产物，其存在的意义也超越了一所学校本身的含义。该校设有本科和研究生课程，以油画、版画、雕塑、装饰、舞美、文物修复与策展为主。其平均录取率为25%，GPA成绩要求为3，年均学费为500欧元，申请截止时间一般为3月。

罗马美术学院，是意大利的一所标志性艺术学院，被认为是艺术与美的摇篮。设有3大院系，包括视觉艺术系、设计和艺术应用系、传播和艺术教育系。有装饰、书画刻印、刻印、雕塑、新艺术技术、实用艺术设计、修复、舞台布景、当代艺术遗产的联系和发展、艺术教学10个专业。

威尼斯美术学院，是文艺复兴时期“威尼斯画派”的传承地，是意大利高等文化与艺术教育领域的最高学府之一。开设三年制本科和两年制研究生专业，以视觉与表演、绘画、雕塑、室内装饰、舞台设计与编剧为主，申请学生必须通过学校组织的统一入学考试才能注册。

米兰布雷拉美术学院，是当前意大利最高级别的高等艺术院校，代表着意大利艺术教育领域的最高水平，诞生了众多艺术大师、著名设计师、舞台美术家。有9个三年制本科专业、17个两年制专业，3个本硕连读专业，以视觉传达艺术系、设计与应用艺术系、艺术教育与传播系、文物修复系为主。

博洛尼亚美术学院，是“波伦亚画派”的发源地，是意大利艺术教育最高学府之一。设有视觉艺术系、艺术教育交流系、设计应用美术系三年制本科和两年制硕士研究生。

意大利艺术院校申请途径

申请意大利美术学院主要有图兰朵计划和国际生两种途径。国际生的申请要求如下：本科需提供高中毕业证书、高考成绩、会考所在地的会考成绩、艺术联考成绩、完整的十二年受教育证明、意大利语要求B1以上需考取学校规定的语言等级证书。硕士需具有国内全日制本科学历学位，所申请研究生专业的课程要与本科课程适配，意大利语言要求B2或英语雅思等相应成绩。

图兰朵计划是中意两国政府共同于2009年共同推出的，主要针对艺术、音乐和设计专业的中国学生赴意大利留学的专门留学项目，本科三年，硕士研究生两年。此计划除了可以享受欧洲现代先进高等教育、教育水准高专业设置齐全、福利水平高生活花费低、大学专业广泛之外，它的优势在于申请学生可免除意大利语要求、公立大学免学费、签证成功率达95%以上，是中国留学生前往意大利学习艺术的最佳途径。

图兰朵计划的申请要求具备一定的美术、音乐和相关艺术专业的专业功底，均需提供相关作品或作品集。本科要求具有高中毕业或同等学历，高考总分大于等于400分，且文化分高于300分，有会考成绩需提供，由于各地高考分数标准不一，具体应参考图兰朵计划分数换算公式。硕士研究生要求具有国内全日制本科毕业学历学位，本科阶段学习成绩优秀。另外，还需符合申请专业要求的其他条件。有语言与专业方面的入学考试，具体分为笔试、专业考试、面试。语言考试在前，如有美院要求的语言等级证书或者其他，可免考。专业考试则有三类，纯艺术类专业包括绘画、雕塑、版画等，设计类专业包括平面设计、服装设计、多媒体设计、舞台美术等，其他类专业包括艺术教育和传播等。面试主要是作品集讲解和自我陈述。据官方介绍，不同的大学有不同的费用标准，学生每年需缴600～1000欧元的注册费，每年的生活费用约4000欧元，半年的语言学费为1700～3000欧元。

意大利艺术院校申请流程

对于国际生来说，出国前要备考意大利语等级证书考试，同时准备作品集。7月之前要准备各种注册材料并且办理学生签证，9月以后就要前往意大利参加入学考试了。对于图兰朵计划生来说，需要6月时准备好学历材料，7—8月预注册大学和专业，9—10月办理签证，10—11月前往意大利并攻读语言课程，次年9月或10月参加入学考试，正式注册大学本科和研究生，需注意提前准备好作品集。

在申请过程中，还有一些注意事项。

①语言要求：要重视意大利语的学习。去意大利留学，不仅需要英语流畅，还对意大利语有一定的要求。据佛罗伦萨美院教授所说，国内很多学生绘画功底比较好，但最终往往都因为不能熟练地掌握意大利语，或者无法准确表达自己作品的独特思想，而在面试时被淘汰，所以中国学生在提高自身艺术水平的同时，也要努力学习意大利语。

②入学考试：具有一定的难度，尤其申请的是世界顶尖名校。据米兰音乐学院院长所说，在她长时间接触的众多学习声乐的学生当中，很多具有不错的综合素质，但在入学考试时往往会出现一些问题，表现在发音不标准这个方面。美声专业的入学考试对中国学生来说相对比较难，需要学生认真准 备。

③作品集：它的重要性可能关乎能否成功留学到意向的意大利艺术院校。意大利的每个美院对作品集有着不同的要求，甚至不同考官也会有不同的标准，所有教授都很看重申请学生对自己作品的想法和表达，因此要给自己留出足够的时间来准备作品集并且要认真对待。

4：意大利的顶尖艺术院校，每年的招生名额非常有限，入学考试的难易程度也会因院校不同有所差异。所以建议留学生要尽早申请，不要争当“保守派”，同时在考虑大学和专业时也要注意结合自身条件和兴趣所在，去选择并最终决定。

5：还需要关注留学费用。生活费包括住宿费，单人间一般在每月400-650欧元;伙食费，自己做饭约每月300欧元，在外就餐约每顿20欧，食堂每餐约5欧元;交通费，有不同类型的交通卡，学生包年约150欧元就能实现出行自由;学习用品费用，是一笔不小的开销，尤其是纯艺术和服装设计等专业，一年所需购买的材料费约500欧元。

据麦肯锡报告，到2030年，中国对创意人员，艺术家、设计师、娱乐业从业者、媒体工作者的需求未来将增加85%。随着世界发展趋势与市场趋势而生的各类艺术设计专业的出现，人们开始重视艺术设计人才，这也意味着会有极大的就业缺口。艺术生的发展空间是非常可观的，几乎每个新兴行业的发展都離不开艺术设计人才。与之相关的艺术设计专业还有交互设计、创新设计、智能产品设计等，都是国家未来急需的人才。

除了以上提到的之外，意大利的艺术还体现在电影业，其中威尼斯国际电影节是世界上第一个国际电影节，被誉为“国际电影节之父”，与戛纳国际电影节、柏林国际电影节并称为世界三大国际电影节。还有体育方面，意大利是体育运动的浪漫国度，同时也是体育强国，被誉为“世界足球王国之一”。此外，世界著名汽车跑车品牌法拉利、兰博基尼、玛莎拉蒂均诞生于此，其优秀的设计感受到全世界爱车人士的追捧。在意大利学习艺术是一个性价比不错的选择，这也是众多中国艺术留学生选择此地的重要原因。

作者：郑楠