文艺复兴时期人本主义美学对文学作品的影响
摘 要：文艺复兴时期，人本主义美学在文学创作中渐露头角。本文通过薄伽丘《十日谈》、但丁《神曲》两部作品中的代表性篇章，对其中展现出的人本主义美学思潮进行多角度具体分析，从而得出人本主义美学与文学作品之间的矛盾与关联。
关键词：文艺复兴;人本主义美学;理性与感性;十日谈;神曲
文艺复兴时期的文坛群星荟萃，涌现出如但丁、薄伽丘等一批享誉世界的文学家。英国诗人兼批评家锡德尼在他的《为诗辩护》一文中说到“詩歌的行星般的音乐”。这句话指出了文艺复兴时期文学作品与宇宙和音乐之间的奇妙关联。由此可见，天地万物之间许多看似没有明显直接关联的事物其实质上存在着微妙且充满意趣的联系与共性。
一、“人本主义美学”中的理性与感性探讨
十八世纪康德以“理性批判”的思维模式提出后康德哲学，使得神学本位论与人学本位论逐渐有了理性思考与客观定位。他在《纯粹理性批判》中提出：“我们作为人这一客体本身，具备人类所应有的知识，承认人的客观实在性，但同时我们也并不因此而否认自身信仰的真实存在。”[1]非黑即白并非解决思想论与认识论层面问题的最佳方式，中国古有“中庸”之道绵延至今，康德对于神学的批判继承与人学的反思出新，精华中去糟粕，糟粕里捡精华，与“中庸”之道何不有异曲同工之妙。康德将人学提升至本体论原则，而非单一的伦理层面原则，若将人的世界本位说放入神学之中，我们不难发现，神学是由人的思想衍化而生，即如若不存在会思想的人，则神学一说无从提起。“神学的人学化”是后人对后康德哲学其本质的概括性总结。
“美是理念的感性显现”是黑格尔美学巨著《美学》的美学中心思想。
如果说美学的展现内容是理性，那么美的表现形式即为感性。由此可得——美是内容与形式的统一。再言之，理念作为一种系统化理论化抽象化的知识体系，隶属于哲学角度的理性层面，而感性作为人思维模式中的一种类型，隶属于哲学角度的感性层面，由此可得——美是理性与感性的统一。既得上述两个原则，不难得出，美学同样尊重客观与主观相统一的原则。丑的事物有时可以给人以美的享受，是因为表现形式的变化与展现方式的巧妙，通过“崇高”来重塑美与丑的定义，这就是艺术真实的力量。中世纪神学家托马斯·阿奎那曾说：“美具有引人向善的力量，具有引人向善力量的事物即为美。”前半句指出了美对于人的潜移默化的积极影响，后半句则为美做了定义。不论美学家还是芸芸众生，作为人这一有思想有情感的客体，个人情绪与主观情感色彩始终伴随事物评价本身。美学作为此处被定义与评价的事物，充分展现出了在进行美的表达时所蕴含的感性思维模式。
从人学角度出发，人作为美的感知主体与创造主体，通常用感性的思维模式进行鉴别美的艺术活动(有人的地方就有艺术)。
从艺术的角度出发，其本质是“人”对自身本质的积极肯定的衍射物，艺术能够清醒地区分现实与虚构的差别。“人”是唯一具有感知美、欣赏美，进而能够创造美的独特生物。尽管费尔巴哈人本主义美学的提出同达尔文的进化论属于同时代，但费尔巴哈仍旧坚持人之于美二者之间关系的唯一性与独特性，也因此，推动了人对于美的感知与把握。随着时代更迭，到了现代社会，人们已经可以自信地认定——人创造美，美学为人，人为美学之根本，美学的本质是人学。
二、人本主义美学在文学作品中的体现
(一)以“薄伽丘《十日谈》”为例
大多数故事都以女性主人公作为第一视角。如第四天的故事一，亲王将女儿绮思梦达拖成了大龄剩女，才嫁给了门当户对的公爵之子。然而好景不长，公爵之子很快病逝，绮思梦达只好回娘家做起了寡妇。这期间，绮思梦达爱上了父亲的侍从纪斯卡多，他们二人通过通向公主房间的密道幽会、寻欢作乐。谁知不久便被亲王发现了端倪，亲王认为绮思梦达不守妇道，败坏了名节，暗地里处死了纪斯卡多。而绮思梦达也毫不示弱地进行了反辩：“我结过婚，尝过男欢女爱的滋味。守寡之后，这种欲念日益迫切。我按捺不住这片青春烈火。我年轻，又是个女人。我情不自禁，私下爱上了纪斯卡多。这不是伤风败俗，更不是贪淫，而是光明正大的爱情。”随后，她又为心上人辩护：“我们人类的血肉之躯，都是用同样的物质造成的;我们的灵魂都是天主赐给的，具备同等的机能，同样的德才。我们人类本是天生一样平等的，只有品德才是区分人类的标准。”[2]说罢，绮思梦达便抱着心爱之人的心脏服毒自尽了。在这样的情境设定与塑造人物的性格特征里，我们能够看到薄伽丘在进行文学创作时的“为他性”——作者在创造文学作品时，即在内心构建了他的“可能读者”。但需明晰的是，文学创作绝非讨好与依附，他们的美学情操来源于现实生活，但同时也远离现实生活，即在顺从的同时也有着超越，有着对现实的反映，也具备超越现实的提升性的美学价值与素养。薄伽丘在故事中把“可能读者”设定为女性，通过生活阅历与社会经历来体悟并描绘女性所感所想，替女性大胆为爱为性发声，为女性而创作。由历史惯性所致，男性在人类的发展进程中逐渐成为政治与权利的代名词，而女性逐渐成为胆怯、服从、弱小的代表，成为男人权力与地位的附属品与象征物，而非平等自由的“人”。人们常说，灾难与悲剧中最易诞生伟人和英雄，但并非每一场悲剧都会有英雄的诞生。拉斐尔将伊姆别利娅视作古希腊诗学鼻祖画进壁画，又将玛格丽特当作人间圣母，只可惜鼻祖亦好，圣母也罢，她们都是几近完美遥不可及的女神，从某种意义说来仍被框定在神学对人的支配与调教里，只是处于对于女性意识觉醒的思想萌动阶段。而薄伽丘启发女性找寻自我与活着的真谛，重新定义女性的地位与不可替代的力量，打破女性就是懦弱被保护的代名词这一荒谬“真理”，呼吁广大女性张扬个性，无惧束缚彻底的、无保留式的为身边真实存在着的最为广大的平凡女性发声，为她们提出切实有效的具体改变措施，这才是具有现实意义与后世影响力的时代英雄。
(二)以“但丁《神曲》”为例
诗学中的隐喻义在现代诗歌中随处可见，将诗学与隐喻义得以关联并付诸文学实践的作品最早见于但丁的《神曲》之中。
如《神曲·地狱篇》开篇“森林”中写道：
我走过我们人生的一半旅程，
却又步入一片幽暗的森林，
这是因为我迷失了正确的路径。[3]
开篇即刻运用隐喻义，“幽暗的森林”在注释学界通常有两层说法，一层指误入的人间险境与未知歧途，另一层含义指隐喻当时懦弱无能的皇权统治与贪婪腐败的教会控制所造成的意大利的混乱社会状态。借隐喻义来讽刺与斥责文艺复兴萌芽时期的教会与皇权统治，在具备批判现实的政治意义的同时，又将诗歌的含蓄美与意蕴美轻松自然地驾驭其中，虽然受到时代局限性的影响，仍然充斥基督神学色彩，但是由于其在诗学思想与修辞方式上的推陈出新，使得在古罗马文学中不登大雅之堂的诗学被提升到了与神学旗鼓相当的地位。
又比如将自身支持的政教平等之观点隐喻为“两个太阳”：
造福世界的罗马，向来有两个太阳，分别照明两条路径，
尘世的路径，和上帝的路径。
一个太阳把另一个熄灭，
宝剑和十字架都拿在一个人的手里。
此处将政权与皇权比作两个太阳，他们本应共生共存，彼此依靠，如今却互相厮杀，两败俱伤，最终导致的结果便是置本就不完整的意大利于四分五裂的人间炼狱中。
若说隐喻义较字面义更加晦涩难懂，又或较神秘义少了些诗学灵性，但就其为诗学带来的无可取代的审美感受，也足以使创作者与读者忽略其其他缺陷。中世纪神学家托马斯·阿奎那说：“朦胧与难解总是美的，它激起你浪漫而不甘束缚的灵魂。”这种跳脱原本写作范式、打破基准规则，只为求一人性的归一、人类情感共鸣与审美学体验的文学实践，笔者将其视作人本主义美学的文学实践。
三、文学作品对“人本思想”的反思与突破
“与政治经济旗号相吻合的思想动向是普遍的，具有发展与延伸性的思想论是微少的，落到具体的执行计划与操作细节中，需要特殊性来解决具体问题时，总是少了具有建设性的方法论的指引。”[4]
值得欣慰的是建设性知识论与方法论的提出虽凤毛麟角，但是在运用的过程中确也产生了积极的影响与普世性价值。如但丁利用文学这一表达形式来规范俗语为意大利统一民族语言，受益人不仅是意大利本族居民，其对于高品质文化精神内核的所做出的理性努力与不懈追求，对整个欧洲乃至世界文化的发展都有着毋庸置疑的强大推动作用。文艺复兴时期的文学作品与“人本主义”思想的共情力，为人本主义美学在文学作品中的发展提供了温暖的襁褓，即使到了七百年后的今天，我們依然可以站在巨人的肩膀上，感知这种温柔而扣人心弦的力量。
参考文献
[1]康德.判断力批判(注释本)[M].李秋零译.北京：中国人民大学出版社，2011：67.
[2]乔万尼·薄伽丘.十日谈[M].逯士博译.北京：作家出版社，2015：138.
[3]但丁.经典译林：神曲[M].黄文捷译.南京：译林出版社，2011：13.
[4]Jerry Brotton.文艺复兴简史[M].北京：外语教学与研究出版社，2013：72.
作者：李佳倩
摘 要：形成于15世纪的尼德兰艺术，以其令人瞩目的、标新立异的油画技法，视觉上的写实主义以及立意高远的象征寓意被后人铭记与传承。尼德兰艺术作品中呈现出的象征主义更是成为了一个具有美学价值和历史意义的主题。文章将通过分析尼德兰艺术作品，试探析画面中的象征性画面语言及其带来的影响。
关键词：文艺复兴;尼德兰艺术;象征主义
象征主义出现于19世纪80年代，其打破了中产阶级趣味的传统模式，探索并强调有灵魂的生命、神秘未知的东西，驱使艺术家们以直觉和想象为出发点。作为体现特定的时间和空间的审美倾向，它不仅体现了艺术家们的思想观念，更被认为是艺术家们与观者思想和感觉交流的媒介。象征主义的前身可以追溯至文艺复兴时期的尼德兰艺术中宗教题材与世俗题材的表现手段，进一步学习尼德兰艺术作品中的象征性语言有助于理解绘画特征及表现手法。
一、绘画中的象征主义
根据词源，象征指借助一些具体形象来表现某种抽象的概念、思想和感情，使得原本的主体蕴含更深刻的意义。象征主义最早源于文学领域，其对于我们所接触到的艺术领域的作用同样令人无法忽视。艺术发展的长河里，艺术家们富有象征寓意的作品毫无疑问是值得一再探究和反复琢磨的。在中世纪时期“象征”常常与宗教一起出现，艺术家们运用隐喻和象征的抽象表现手法来传播教义和表现宗教内容，将自己的思想感情融入作品里，通过宗教象征赋予自身对于神灵的敬畏之心。到文艺复兴时期，表现宗教题材的作品开始出现世俗化的特点，但艺术家仍然选择隐喻象征的手法，在画面中展现他们的崇敬。
象征在作品中的呈现方式多样，或直接使用传统的象征性符号或形象，或暧昧隐晦，带有抽象和模糊的特征。无论任何一种手法都能让作品饱含象征意味，能让我们在欣赏一幅作品时，感受到更强烈的视觉美感和精神享受。
二、文艺复兴时期的尼德兰艺术
(一)艺术风格特征及成因
位于歐洲北部的尼德兰，其南部一个被称为“法兰德斯”的地区亦追随文艺复兴人文主义思潮，将日常生活融入绘画当中，并以一种缓慢、温和的方式演变着。14世纪时法兰德斯是尼德兰艺术家主要的活动区域，他们的创作主要来源于圣经故事。作为艺术史上的一个概念，法兰德斯绘画于1581年以对细节的精细描绘、追求表现材质的真实性为主要特征，并成为早期艺术家表现风景画、静物画以及风俗画的手法。法兰德斯绘画渐渐发展成以画面中细腻的描绘手法、独特的透视角度、对比强烈的色彩关系以及富有深意的象征性表达著称的艺术。
(二)艺术家及其作品中的象征主义分析
早期的的法兰德斯相继涌现出了一批艺术大师，代表艺术家分别有罗伯特·康宾、扬·凡·艾克、凡·德尔·维登，他们十分注重对细节的刻画，开创了绘画的新时代。
1.罗伯特·康宾
罗伯特·康宾被后人称为佛拉蒙大师，作为最早通过风景来烘托生活气息浓厚的宗教人物的艺术家，他极其擅长对画面中的道具细节进行描绘，画面效果给人以圣洁的美感。在他的作品中可以看到许多带有象征性的艺术形象，如在早期作品《炉火前的圣母子》(图1)中，大大地将宗教题材世俗化。圣母和圣子在一个普通人家的居室中，圣母眼眉低垂，温柔地用左手轻抱着圣子，右手摁着自己的乳头，准备喂养怀中的圣子，左手臂靠在雕有华丽图案的橱柜上，身穿白色长礼服，阴影带有浅浅的淡紫色。圆润饱满的圣母坐在壁炉前的长凳上，在她的身旁的枕头上放着一本打开的《圣经》，圣母身后的圆形炉栏让人不禁想起中世纪的宗教题材作品中人物头上的光环。窗户外是壮观的城镇风景。画面中在平凡的室内环境背景映衬下的圣母显得平易近人，世俗的母子之情，洋溢着人世间的美好幸福。
2.扬·凡·艾克
扬·凡·艾克是文艺复兴时期尼德兰绘画艺术的大师，善用丰富的色彩，对事物的描绘都尽显精确，给人以严肃、华丽之感。作品《罗林大臣崇拜圣母》(图2)中将远处河流和城镇都进行了精细的描绘，画面效果逼真，体现出凡·艾克敏锐的洞察力与强大的描摹能力。整幅作品最引人注目的一组三扇窗户的存在，它同样意味着三位一体，透过窗户所看到的风景，有代表纯洁的百合花，有象征把教义教法渡往彼岸的船只。
作品画面的有意义之处，不仅在于整个画面和场景有意义，更在于其中的每一处细节都有意义。凡·艾克正是在受到了这种对实际物体的关注与对宗教的虔诚的启发后，出于对美好事物的祈求，逐渐开始运用带有象征性的艺术手法来表达他的感情，这种象征手法在尼德兰绘画的发展中得到了理想的继承和发扬。
3.凡·德尔·维登
凡·德尔·维登因作品注重细节的刻画和自然神态的描绘而闻名于14世纪，维登早期的作品体现出他受到扬·凡·艾克和罗伯特·康宾的影响。在后期，维登把对两者艺术特点的理解结合运用到自己的画面中，形成了具有个人特色的构图形式和色彩语言。在他的画面中常常出现柔和却光彩夺目的主色调，在人物的身体曲线和物体细节上的处理可见他的创新之处。克莱格·哈贝森在《艺术家之镜》中分析“凡·德尔·维登的写实主义是细节艺术视像与感人的宗教情感两者的完美体现”。的确，其创作于15世纪中期的《阅读圣经的抹大拉的玛丽亚》是其祭坛画中最大的一幅，抹大拉一直以一个被耶稣拯救的形象出现在基督教的传说里，而此刻的她坐在一个红色的垫子上安静地阅读着，仿佛已经完全从过去的罪孽中摆脱出来。背景中其对细节的描绘如人物腰带末端的金饰、身旁的膏油瓶以及书页边的金钩都十分精准。通过画面上半部分的窗户望去，有弓箭手雕塑的花园围墙，在行人散步的草地旁有象征着灵魂与自由的河流。
三位法兰德斯早期文艺复兴艺术家各有千秋，作品不分伯仲。康宾的作品更偏重于描绘人性的、感官的画面，而维登则更关注内在表达，使得他的画面中有种狂热的且虔诚的宗教感和仪式感，后期慢慢地趋向于精致的刻画与柔和的画面效果。而在扬·凡·艾克的画面中，可以看出他对于自然和空间的关系处理十分忠于自己的内心，通过描绘自然风光使得宗教主题的作品生动有趣。
三、尼德兰艺术象征性的影响及思考
由于宗教和政治原因，这时期的艺术作品均带有象征主义色彩，对环境、静物的刻画十分尊重现实，追求真实，在俗世生活的细枝末节中，蕴含了神秘的宗教意味，这种隐含的象征主义是文艺复兴时期法兰德斯艺术的特征，早期绘画中布满了一眼就能看见的象征性绘画语言，反映了艺术家的审美意识与追求。
19世纪末的艺术家为了把真实的思想感情表现出来，不得不借用历史故事和宗教神话传说，才正式形成象征主义艺术。象征主义艺术家认为现实的真切可以通过作品的直观呈现得出，而他们意图表达的内在思想则需要借助象征、隐喻来刻画他们感受到的真实，满足了艺术家再现其情感和思维的需求。象征主义以其多变的绘画风格，催生了以马蒂斯为代表的野兽派，以毕加索为代表的立体主义等，西方现代艺术的帷幕被象征主义绘画这股力量真正地揭开了。
时至今日，中国的當代油画呈现出多元发展的局面，在油画创作中运用隐性的象征寓意，扩充了象征寓意的元素、符号、手法，使得具有象征性的绘画语言在中国当代油画创作中得到了发展。艺术家们通过创造的形象符号，表达他们对自我精神状态、社会现象的调侃与批判。象征寓意对于当代油画来说犹如一股清流，引导观者在欣赏作品时能通过画面激发想象力从而产生共鸣，实现情感上的超越，洗涤人们看待社会现象的重要方式，让人们提高对个体内在精神与现实问题的关注度并进行反思。
四、结语
通过对文艺复兴时期尼德兰早期艺术绘画作品中象征主义表现的研究发现，我们只有对题材与内涵进一步探索和挖掘，才能更准确地把握文艺复兴时期尼德兰绘画的特征，同时加固对象征这种表现手法的理解。从某种意义上来说，象征主义绘画不仅促进了现代绘画的发展，并且影响了许多艺术家。绘画作品中的象征性语言表达形式多样，目的也各不相同。因象征性在艺术创作及表达中的重要性，因此其成为了艺术家丰富画面内涵的一种形式，从中我们不仅可以解读出传统文化的演变，更能感受到思想观念的冲突和变化。所以我们应当继续探索，多观察多思考，掌握象征性绘画语言的本质规律与美学内涵，关心社会时事，联系实际生活，才能更好地理解艺术作品的深层次内涵。
参考文献：
[1]哈贝森.艺术家之镜——历史背景下的北部欧洲文艺复兴[M].陈颖，译.北京：中国建筑工业出版社，2009.
[2]李维琨.北欧文艺复兴美术[M].北京：中国人民大学出版社，2004.
[3]翟明明.象征与符号——论意大利文艺复兴时期绘画符号性语言的象征内涵[D].内蒙古师范大学，2007.
[4]张盾.论艺术的象征本质——兼论中世纪的艺术与美学[J].武汉大学学报，2017(5).
作者单位：
广西师范大学
作者：邓智媛
自2014年10月习近平总书记主持召开文艺工作座谈会以来，全国网信战线认真贯彻总书记文艺座谈会重要讲话精神，全力做好网上文艺传播、网上文艺精品建设、网上文艺环境净化等工作，网络文艺取得长足发展。
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正能量作品在网络全面开花
“文章合为时而著，歌诗合为事而作。”习近平在文艺座谈会上说，“衡量一个时代的文艺成就最终要看作品。推动文艺繁荣发展，最根本的是要创作生产出无愧于我们这个伟大民族、伟大时代的优秀作品。没有优秀作品，其他事情搞得再热闹、再花哨，那也只是表面文章，是不能真正深入人民精神世界的，是不能触及人的灵魂、引起人民思想共鸣的。”
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建立正能量网络文艺作品发现推送机制。中央网信办牵头设立网络文艺正能量作品库，组织相关媒体网站主动发现、推荐优秀网络文艺原创作品和相关报道评论文章，择优在全网推送。
强力推进网络文艺评论工作。中央网信办协同中国艺术报打造了一支由知名专家学者组成的评论员队伍，开设评论微信公众号，同时，组织召开座谈会，邀请中国文联、《光明日报》等部门负责同志，白烨、庄庸等知名学者以及人民网、新华网等中央新闻网站负责人就当前评论现状，提出对策建议，精准“问诊”。
此外，中央网信办还以网络文艺优秀作品“五进”（学校、社区、企业、部队、乡村）活动、推进线上高端论坛及直播主创交流会、建设移动端网络文艺精品数据库、实施传统文艺与网络文艺融合发展等，加强正能量网络文艺作品传播。
传统文艺作品需与网络结合
习近平在文艺座谈会上谈到：“繁荣文艺创作、推动文艺创新，必须有大批德艺双馨的文艺名家。要把文艺队伍建设摆在更加突出的重要位置，努力造就一批有影响的各领域文艺领军人物，建设一支宏大的文艺人才队伍。”
然而，目前我国网络文艺发展呈现出传统文艺界准备不足、网络文艺人才匮乏、网络文艺评价体系单一、主流文艺工作者网上发声不足等问题。
具体表现为，传统主流文艺工作者、文艺创作交流组织对互联网介入较少，拘泥于传统表达、局限于传统传播，没有完全融入互联网，引领艺术创作；当前从事文艺创作的人才存在严重的代际断裂和不衔接，目前从30后到90后共计七代人从事文艺创作，但从事网络文艺工作的基本以70后、80后、90后三代人为主，缺乏艺术传承；网络文艺作品以“点击率”“浏览量”论英雄，缺乏价值导向；当前文艺评论家主力年龄结构偏大，与年轻网民在思想认知、对网络技术掌握的熟练程度上存在巨大差异，传统文艺评论家无法接受网民网上情感宣泄式的表达，在情感上容易受到伤害，加据了对互联网的抵触心理。
多方引导严守网络宣传阵地
“要适应形势发展，抓好网络文艺创作生产，加强正面引导力度。”习近平在文艺座谈会上指出，“我们要扩大工作覆盖面，延伸联系手臂，用全新的眼光看待他们，用全新的政策和方法团结、吸引他们，引导他们成为繁荣社会主义文艺的有生力量。”
那么，如何引导这些创作者成为文艺群体有生力量？中央网信办从三方面做工作，抓网络文艺创作生产。
积极扶持网络文艺创作传播阵地做大做强。在2017年底前，通过资金补贴、宣传推广等多种措施，形成数家网络文艺重点网站和重点文艺频道、栏目，建立正能量网络文艺的有效传播矩阵；做大做强传统部门网络文艺理论网站，重点发现并扶持民间网络文艺理论网站；建设交流互动平台，鼓励文艺名家投稿，定期举办沙龙与论坛，促进文艺工作者交流经验与联络感情；组建网络文艺传播分会等。
坚决维护网络文艺创作传播秩序。修订完善网络文艺内容审核发布流程，加强对重要作品的审核把关；开通“艺网情深”专家微信群、媒体沟通群，及时推送推荐的评论稿件，还委托中国文联、中国传媒大学等解剖案例、提出对策建议，每周形成并提交一次阅评报告；从2016年起对热点舆情及时开展研判，尤其加大对涉意识形态网络文艺问题的研判力度；起草自律公约文本，2017年前适时在全国范围内推动相关企业签署公约；提高风险意识，防范意识形态渗透；开展“三俗”（庸俗、低俗、媚俗）作品清理行动等。
着力营造网络文艺创作传播的良好环境。除人民网、新华网、光明网、中国网等中央新闻网站外，主要商业网站、地方新闻网站也要开设专题专栏，加大对优秀工作者和作品宣介报道力度，举办优秀作品赏析活动；打造文艺评论、文艺批评知名品牌，预计2016年下半年起，在全国范围内发掘、遴选一批有代表性和典型特点的工作者，扶持其开展创作；通过打造权威奖项，树立网络文艺领域风向标，扶持更多精品和名家涌现；从4月起，通过举办培训班，传达中央精神解读、网络创作经验分享、技巧交流等，分类分层分批提高相关人员认识和素质；与北京大学、中国传媒大学等有关高校和科研院所建立合作机制，推动网络文艺理论和学术研究，为引导和管理网络文艺发展提供决策参考。
文艺复兴时期人文主义在达·芬奇
美术作品中的体现
摘要：人文主义最早的源头应该是古希腊，但是后来逐渐被基督教的基督教义和神学精神统治所代替。统治者使用宗教的神学和思想来统治领导人民，宗教只不过是统治者奴役人民的一种统治工具。文艺复兴运动最早是在13世纪末兴起于意大利，意大利新兴资产阶级中的一些先进的资产阶级知识分子借助研究古希腊、古罗马艺术文化通过文艺创作宣传人文主义精神。文艺复兴时期的艺术家所追求的不仅仅是对古典艺术的简单重现，而是把学习古典艺术作为一种途径创造出一种新的文化——人文主义文化。这个时期的艺术作品充分肯定和宣扬人的价值，宣扬积极的人生态度和对世俗生活的追求，反对封建神学对人性的压抑和禁锢他们的这种精神对以后的民主、人性化的设计产生了重大影响。
关键词：人文主义;文艺复兴;达芬奇
欧洲文明进入现代的历史就是从文艺复兴开始的，随着科技和生产力的发展人们对自然的了解越来越多，各种知识不断扩展开始对神学的统治产生怀疑。很多人开始从自然科学的角度去考虑问题 ，在不断探索的过程中逐渐确立了个人主义有了一些新的观念新的认识。这些新的思想观念的力量是巨大的，它激发了人很强的创造性和进取心成为对抗封建神学统治的基础。在过去的思想中对人的认识是把人当作神的附属物来认识的，而文艺复兴的思想是把人当作人来认识的。文艺复兴时期产生了很多这样的思想文艺巨人，其中最杰出的代表就是列奥纳多达·芬奇。
15世纪末到16世纪中期是欧洲文艺复兴的兴盛时期，这个时期以意大利的文化和艺术为代表其艺术水平达到了前所未有的高度。其中最出名的代表人物是达·芬奇，他是意大利文艺复兴三杰之一。达·芬奇知识渊博对很多学科都有研究，他还是出名的雕塑家、建筑家、作家、数学家、医学家、制图师、工程师和科学家。作为一代艺术大师，他完整的作品保存并流传下来的很少，大概只有17幅真迹现存于世上。虽然只有17幅作品，但这些绘画作品都是不朽之作，在达·芬奇存世不多的绘画作品中，“圣母”是一个很重要的题材，在他的笔下一系列富有人性之美的圣母形象折射出了文艺复兴时期的真精神。在宗教题材的绘画中，达·芬奇所绘的圣母像是独一无二的，他在人文思想和绘画上的创新手法影响了一百多年后的意大利及欧洲各国的文化艺术。
达·芬奇之所以被称为文艺复兴三杰之一，是因为他有着丰富的感情，渊博的知识与敏锐的观察力。16世纪，达·芬奇敏锐的捕捉到了一个新时代的气息——文艺复兴的人文主义。他的一系列作品中充分的体现出了人性、母爱的光辉
和反对封建禁锢的决心。虽然他的油画作品大都还是在描述宗教题材，但是更多的是加入了理性的思考反对封建神学对人的理性的贬低。达·芬奇的绘画已经摆脱了宗教式的神话说教，画里面人物描绘的虽然是神但是已经有了世间普通人物的个性面貌和人性，描述的是凡人的感情与生活带有更多的人性特点。他的油画作品更注重的是关心人，尤其是关心人的精神生活尊重人的价值，以人为本重视人的价值反对封建神学对人性的压抑。
在达·芬奇存世不多的绘画作品中，“圣母”是一个很重要的题材，这似乎是达·芬奇比较偏爱的题材。他的圣母系列的作品中，人物形象既有母爱的光辉又有圣母般的圣洁，充满了慈爱、美丽、祥和。在达·芬奇的作品《加罗法诺的圣母》(1475)，和《持花圣母》(1478)中所描绘的都是圣母怀抱婴儿逗着婴儿玩耍的情景。这两幅画中的圣母形象已经摆脱了中世纪刻意描绘的呆板的圣母形象了，画面中的圣母流露出了带有人世间母性的母亲形象。画面中柔和的色彩洋溢着清新自然和青春的气息，而没有宗教的神秘感画面中圣母的微笑高度概括了人世间现实生活中年轻的母亲对自己孩子的幸福感。在这两幅作品中，圣母头上带有神性的传统的“圣光”光环，被室内的窗户与室外的明镜蔚蓝的天空景色所代替以更多的“人性”代替了“神性”。后来这种风格一直贯穿在达芬奇的绘画作品中，以上几幅作品可以算得上达芬·奇的成熟之作。
达·芬奇的另一个著名圣母作品代表作是《岩间圣母》，此画属于传统题材，是达·芬奇所作的祭坛画 。现在收藏于巴黎卢浮宫，这幅画是为米兰的圣弗朗切斯科教堂内的一间礼拜堂所绘制的祭坛画也属于宗教类绘画。虽然达·芬奇在画这幅画时还只有三十多岁，但这幅画却已经具有了鲜明的达·芬奇风格与思想。我们可以看到有两个地方最显著：首先就是圣母玛利亚和天使乌列的手，融美感与真实感于一体，这是文艺复兴时期其他艺术家所达不到的，比如拉斐尔、米开朗琪罗等，他们曾经都学习过达·芬奇的那种画法但没有达到他的水平。其主要原因是因为他们没有达·芬奇那样精深的解剖学研究基础，他们所做的只是停留在表面上的观察的原因。其次，是画中圣母嘴角的微笑，我们可以从画中看到圣母与天使的嘴角总是挂着独特而神秘的笑意，那种微笑也正是达·芬奇的作品中所独有的，这样的微笑后来在其作品《蒙娜丽莎》中达到了最高境界被称为世界上最美的微笑。
当我们面对《岩间圣母》这件达·芬奇开始走向成熟期的作品时，我们可以看到他给绘画所带来的新方法与思想，金字塔式的人物构图，神秘深邃的自然风景全部融入在生动可感的空气氛围中，优美人物的形象与自然环境的关系是那么的和谐那么的相得益彰。15世纪意大利早期画家作品中，经常难以避免的空间与人物不协调的生硬效果一扫而光。这些成果要归于达·芬奇富于创造性的明暗
表现法和新的以人为本的思想，以及他对空气作用的认识和整体的感觉。达·芬奇在他的绘画作品中不停的探索研究着去表现自然的方法，在《岩间圣母》中采用的薄雾绘画法使画面充满了朦胧的画意，显示出自然而柔和的感觉整个景象如幽远的梦境，在这幅画中达·芬奇第一次成功地探讨了自然与人物的融合。
达·芬奇是一位伟大的人文主义艺术家，他的民主思想立场是坚决站在意大利新资产阶级这边的，他的作品《最后的晚餐》一直是世界人民反对邪恶势力与之斗争的榜样。达·芬奇最出名的作品应该是《蒙娜丽莎的微笑》，在这幅画中蒙娜丽莎含蓄、神秘的微笑更多的是透露出了一个人世间美丽的女子对平凡的世俗生活怡情、惬意，是画家对人文主义者追求世俗精神的真是写照，是达芬奇在人文主义思想的影响下着力表现人的感情。这幅作品一反传统的描绘宗教主题，而是描绘的世俗世界中平凡的人，以真实的社会人物为表现内容。
由此，可以体会到其人文主义思想意义的内涵，这是新兴资产阶级对封建教会发起的挑战是一次人文主义的革命。他的艺术作品代表了15—16世纪的一次艺术创新与思想的革命，他一生都在对周围的生活进行着美学的审视和人性的思考，其对美与人性的发现与创造令人惊讶与叹为观止，他成为绘画中智慧的象征。达·芬奇对艺术与人性的探索进一步完善了艺术与人文思想的发展，在他的作品中更好的考虑了人性，使理性与情感、现实与理想在美术作品中获得了完美统一。使形与空间的关系获得了高度的和谐，为再现性美术确立了一种经典的样式，从而给后世提供了效法的最佳范例对以后西方美术思想的发展产生了巨大影响。
参 考 文 献
[1] 李少林.西方美术史[M].呼和浩特:内蒙古出版社,2006.4：107
[2] 胡跃生.细看达·芬奇[M].桂林:广西师范大学出版社,2005.11：66-68
[3] 徐庆平.意大利文艺复兴美术[M].北京:中国人民大学出版社,2004.10：161-168
[4] 张石森.西方宗教题材绘画艺术[M].呼和浩特:远方出版社,2006.1：79-81
[5] 李砚祖.造物之美—产品设计的艺术与文化[M].中国人民大学出版社,2000
[6] 尹定邦.设计学概论[M].长沙:湖南科学技术出版社,2009
姓名：米兴梁 院校：齐鲁工业大学艺术学院(2011级研)研究方向：设计理论实践与研究
第五章 近现代西方文化
第一节
文艺复兴时期的文化
中世纪的黑暗统治：约公元476年~公元1453年），是欧洲历史上的一个时代（主要是西欧），自西罗马帝国灭亡（公元476年）到东罗马帝国灭亡（公元1453年）的这段时期。另有说法认为中世纪结束于文艺复兴时期。
"中世纪"一词是15世纪后期的人文主义者开始使用的。这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治。封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪早期在欧美普遍被称作"黑暗时代"，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。人物不曾作过长途旅行，不会说四五种语言，不在几个专业上放射出光芒。《自然辩证法》
罗马教皇为了保持自己的独立地位，建立了教皇国， 并且伪造了《君士坦丁赠礼》文件，声称当年君士坦丁大帝把罗马城，拉特兰宫等地交给了教皇。意大利一直不能统一。
教会统治非常严厉，并且控制了西欧的文化教育。教士不能结婚，主张禁欲，要求人们将一切献给上帝才能死后上天堂，另一方面圣职买卖现象又很严重。宣扬三位一体、原罪说等经院哲学，严格控制科学思想的传播，并设立宗教裁判所惩罚异端，学校教育也都是为了服务于神学。在教皇格里高利一世（公元590年 ~公元604年）时期，古罗马图书馆也被付之一炬。
骑士，或称武士，是欧洲中世纪时，受过正规军事训练的骑兵，后来演变为一种荣誉称号，用于表示一种社会阶层。在此阶段的纷乱局势中，国王和贵族都需要一些在战争上具有压倒性优势的兵种，为此他们会悉心培育一些年轻人，使之成为骑士。而骑士的身份，往往不是继承而来的，其本质也与贵族不同，除了和贵族一样能够获得封地之外，骑士也必须在领主的军队中服役，并在战争时自备武器与马匹。
在骑士文学中，骑士往往是勇敢、忠诚的象征，每一位骑士都以骑士精神作为守则，是英雄的化身（实际情况不一定是如此），欧洲的骑士制度和日本的武士制度亦有相似。 一 、文艺复兴的背景
1、经济背景： 14世纪开始，意大利的一些城市中出现了资本主义萌芽。其中，佛罗伦萨、威尼斯和热那亚最为突出。佛罗伦萨（手工业中心） 14世纪的手工工场与资本主义萌芽。呢绒加工业与贵族政治。
佛罗伦萨： 是
13、14世纪欧洲最著名的手工业、商业和文化中心。它有极其发达的毛纺织业、丝织业、五金业和建筑业。其商业网遍布于西欧，在土耳其、埃及也有商号，其商人的足迹甚至于远涉中国。佛罗伦萨的金融业最为突出，其银行、钱庄超过100家，所铸造的"佛罗林"，为欧洲和近东地区之通用货币。15世纪时，美第奇银行家族控制了城邦政权，不仅包揽了教廷税收，而且是许多君王的债主。
文艺的"保护神"： 新的生活方式，新的市民阶级，需要新的文化生活。佛罗伦萨的统治者柯西莫·美第奇提出"和平、繁荣和文化"的方针，对外实行和平外交，对内注重市政建设，给贫民以实惠，让富人更富有，佛罗伦萨因此成为资本主义经济最为发达的地区。柯西莫崇拜古典文化，他的身边聚集了许多著名的人文主义者，他还在佛罗伦萨建立了一所柏拉图学院，因此被称为文艺的"保护神"。
罗伦佐大公：罗伦佐·美第奇大公，柯西莫的孙子，他不仅是杰出的政治家、外交家，还是一位人文主义诗人，他的宫廷是文学家、哲学家、雕刻家、画家、建筑学家、音乐家和诗人荟萃之处。他有极其丰富的古典杰作收藏，还开办了一所美术学校。佛罗伦萨在美第奇家族统治时期，经济和文化空前繁荣，被历史学家称为"文艺复兴的摇篮"。
2、文化背景： 意大利继承了希腊、罗马的文化遗产，又通过拜占庭、阿拉伯文化的联系，得到许多古希腊的许多典籍和艺术珍品。意大利学者通过对这些来自东方世界的文化珍宝的研究，发现了与欧洲中世纪文化绝然不同的文化宝藏。
1453年，基督教世界的坚固堡垒君士坦丁堡被奥斯曼土耳其人攻陷。大批的希腊人涌入西欧，他们带来的古典文化成果引起好一阵的文化休克。接着，一个对古典文化模仿和复兴的过程就开始了。
3社会心理背景:自14世纪以来，由于城市经济的发展和罗马天主教的庇护，越来越文雅化的意大利人对中世纪以来文学艺术的鄙陋状况越来越不满，人们纷纷指责古典文化结束以后，直到14世纪，在西欧没有出现过稍有水平的文化作品。
4、意大利人的文化秉性背景： 文艺复兴，在很大程度上，可以说是意大利人的文化秉性与古典文化相结合的产物。其间，古典文化只不过是一种媒介，而意大利人固有的功利主义、感性主义和个人主义才是真正起作用的东西。
崇拜感性主义:意大利文艺复兴时期的文化，是一种艳丽的感性文化。意大利人当时还处于崇拜权威的阶段，只不过他们用古典时代的权威代替了中世纪的权威，而实际上他们又用感性主义的权威取代了古典时代的权威，于是，古典权威成了愰子，而崇拜感性主义才是实质。 人的感性的解放:文艺复兴的时代精神是人性的解放。而这里所说的人性的解放，主要是指人的感性的解放。他们以感性意义上的人性反对抽象的神性，用人的正常情欲和感官享乐反对中世纪的禁欲主义和普遍虚伪。这种时代精神所规定的基本社会生活原则，就是感觉主义和唯美主义。
二
文艺复兴时期的人文主义和文学
（一）人文主义
中世纪早期，神学是至高无上的学科。从14世纪起，一些学者开始研究以人类和人类社会为内容的学科，如哲学 、语言学、文学 、历史、政治、经济等 。人文主义这一名称，就由此而来。
是文艺复兴时期新兴资产阶级反封建反教会斗争中形成的思想体系、世界观或思想武器，也是这一时期资产阶级进步文学的中心思想。它主张一切以人为本，强调人的价值和尊严，提倡个性解放自由平等。反对神的权威，把人从中世纪的神学枷锁下解放出来。
人的发现:文艺复兴早期的意大利诗人彼特拉克把自己研究的学问叫做"人学"，或"人文学"，自称"人文主义者"。以后，人们就称他为世界上第一位人文主义者。 人文主义的特征：
1、提倡以人为中心，反对以神为中心。
2、提倡个性解放，意志自由。
3、追求知识，重视实验科学，主张探索自然，用科学方法了解自然。
4、否认教皇和教会的绝对权威，揭露教会的腐败，嘲笑僧侣的无知。
正面的人文主义
当时，几乎所有的人文主义者在思想和行为上都表现出一种我行我素的自由人格。这有力地推动了人文学科的复兴和文学艺术的繁荣，特别有利于使人从中世纪普遍虚伪的状态下解放出来，实现人的觉醒。
人性的觉醒首先表现为个性的解放，普遍人格的发展首先表现为对每 一个个别人格的尊重。人道主义就首先表现为个人主义。要摆脱抽象的神性对人的生活的主宰，最方便的办法，就是打出感性的个体的大旗。
由于个性解放和人格的发展而导致的普遍的人性觉醒，与崇高典雅的古典文化相结合，就产生了这一时期意大利所独有的"在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人"（恩格斯：《自然辩证法》） 负面的人文主义
1、 道德方面，就更为糟糕。
马基雅弗里说："我们意大利人较之其他国家的人更不信奉宗教，更腐败。"
文艺复兴时期意大利人的道德堕落与他们的艺术成就一样著名。在北欧人的心目中，一个意大利化的英国人，就等于是魔鬼的化身。在莎士比亚的笔下，意大利人多为坏蛋，比如伊阿古 （《奥赛罗》）、夏洛克（《威尼斯商人》）之流。
布克哈特认为，由于个性的高度发展，非道德发展到了登峰造极的地步。许多人把犯罪作为体验的对象，为犯罪而犯罪。 他们抨击教士，不是针对教士们人性的弱点，而是针对他们由于过分的唯灵主义理想所导致的普遍虚伪。
人文主义不是廉洁和自律的运动，其目的是想让教士小偷小摸的欲望满足和感官享乐成为所有人的理直气壮的行动。
它还是美第奇等显贵家族支持的豪华运动，是意大利享乐主义和古典文化相结合的产物。它本身是贵族式的，根本与人民大众无缘。
（二）文学三杰
人文主义者从古典文献中寻找在中世纪文化中失落了的古典文化精神。
他们研究古代的文献，不是从中去寻找神学的合理性证明，而是因为他们由衷地欣赏这些宝贝。
人文主义者从古代文献中领略到许多新的人生体验，使他们感到惊异的是感到自己与古 人的距离竟然比自己和中世纪文化的距离小得多。
他们意识到直抒胸臆是一件很值得一做的工作，就这么作了，于是就有了人文主义的文学创作。
1、 但丁（1265-1321）
出身于佛罗伦萨没落贵族之家。早年曾在波伦尼大学学习，深受古典文化的熏陶，后又留学英国和法国。但丁在政治上属于代表市民阶层和下级贵族的圭尔弗派，曾任佛罗伦萨执政官之一，后因反对教皇，于1302年被逐出佛罗伦萨，最后客死他乡。
但丁最负盛名的作品《神曲》分为《地狱》《炼狱》《天堂》三部份。
但丁在《神曲》中对教会、教士、贪官作了无情的揭露和批判，，指斥教皇的宫庭是"基督整日被买卖的地方"，他对在烈火中受煎熬的教 皇的灵魂说："你的贪婪使世界陷于悲惨，把好人蹂躏，把恶人提升"。"你们把金银做你们的上帝"，他甚至在作品中为当时在世的教皇卜尼法斯八世在地狱的火窟中预留了一个位置。
在《神曲》中，但丁歌颂了人的理性、自由意志、才能和智慧。他说，人"生来就有理性的力量"，人有天赋的自由，自由一种崇高的力量，"人生来不是为了象野兽一般活着，而是为了追求美德和知识"。
但丁歌颂现实生活，激励人们投入现实世界的斗争，去追求美好的现实生活。把但丁救出困境并引导他游历天堂的不是天使，也不是圣徒，而是童年时代倾慕的美女（贝亚特丽契）。但丁仰慕荷马、泰勒斯、苏格拉底、柏拉图、德谟克利特等先贤，尊称他们为"大师"、"圣哲"，并以能见到他们的亡灵为荣。这反映了他对古典文化的高度推崇。
2、彼特拉克（1304-1374）
生于佛罗伦萨的阿雷佐城。十二岁入大学学法律。后改学文学 、修辞和宗教，他经常外出旅游，到过法国和德国。长期在教会供职，对个中黑幕所知甚详，但对其仍表敬意。
他热爱古典文化，到外搜求古希腊、古罗马的手稿、文物，专心研究，声称要来一个"古代学术的复兴"。他把自己的研究称为"人文学"，与以宗教为主研究的神学区分开来。其主要著作有《歌集》《意大利颂》等 。
1324年，彼特拉克获得"桂冠诗人"的称号。
彼特拉克在研究当中，因接触到古罗马西塞罗的作品而热情倍增。在思想上，他深刻地体验到灵与肉、精神与物质的冲突，感到中世纪与近代、理想与现实之间的矛盾。他博学，极有文化气质，并敏感到了人的生命本质和人的生活态度之类的大问题，却生活在中世纪和近代两种文化的夹缝中。在山上与上帝对活的飘渺之感，那是完完全全的灵的召唤；但现实 世界的生活又总是把他从美梦中拉回，又不得不回到人间，与愚昧的人们讨论各种愚蠢的问题。
彼特拉克认为，人应当首先认识自己；不认识自己，就决不能认识上帝。他说："我不想变成上帝，或者居住在永恒中，或者把天地抱在怀里。属于人的那种光荣对我就够了。这是我所祈求的一切。我自己是凡人，我只要求凡人的幸福。"
凡人，既极力追求善良美好的生活，又为自私的欲望而烦恼；既向往永恒不朽的价值，又企求尘世的声誉；时而踌蹰满志，时而心灰意冷。他是一个行动、企求、和创造着自己的美和尘世命运的人。
"凡人的幸福" ：主要是爱情和荣誉。其所作《短歌集》，是赞美其情人劳娜的十四行诗集。他说："我同时爱她的形体和灵魂"，这种爱，与中世纪所提倡的精神之爱大相迳庭。
彼特拉克还反对人们迷信权威。他说：亚里士多德是一位伟人，但仅仅是人而不是神，其著作不可能也的确没有穷尽一切的知识。因为在他出生之前，人们就已经有了许多知识，而在他死了以后，人们还在不断地发展知识。因此，亚里士多德并不是空前绝后的权威。
3、薄伽丘（1313-1375）
佛罗伦萨一个商人的私生子，儿时所受的教育非常马虎，十岁去巴黎学习经商，几年后成了他父亲的推销员。他的父亲发现，他所买的书籍，比他卖出的货物要多得多。其父因他学商不成，就打发他去那不勒斯大学学习法律。他学习努力 ，但法律实非他的心中所爱。在那不勒斯，他有机会出入宫廷，结识了许多人文主义者，也接触到了不少的古典著作。
1430年，他回到故乡。在政治斗争中，他站在代表市民利益的共和派一边，曾多次代表共和派出使其他城邦。在佛罗伦萨，他结识了彼特拉克，受益非浅。
薄伽丘的代表作： 《十日谈》
三、文艺复兴时期的艺术
人文主义思潮的兴起，使绘画和雕刻在思想内涵、风格和题材方面发生了巨大的变化。呆板的宗教画被世俗生活的新画卷所代替。
人的发现，是艺术家的重大成就。一方面 ，艺术家力图表现人的复杂性格、思想、感情、以及人的地位和价值。另一方面，是把艺术家自己的思想、感情和要求熔入作品中，使作品具有时代精神和个人的风格。 与人的发现具有同等是自然美的发现。在艺术家的笔下不再是清一色灰暗的天空和大地，而是绚丽多彩的大自然，艺术家都努力地表现大自然的秀美和壮丽，并用自然风光作为人物画的背景。
艺术家们还将解剖学、光学、几何学等的成果引进了文艺创作，使创作方法和艺术技巧都发生了革命性的变化。在创作肖像和雕刻作品时，首先考虑的是骨骼、肌肉，然后才是外形、肌肤、衣饰。光学和几何学引进绘画，确立了三维空间的度量概念，使画面呈现层次和立体感。艺术与自然科学相结合，把文艺复兴时代的艺术推向了高峰。
(一)早期绘画
1、 乔托（1267-1337）
佛罗伦萨画家。文艺复兴绘画的先驱。
他把人文主义精神和新的技法带到绘画中，开创了一代新画风。他的代表作《逃亡埃及》《犹大之吻》都取材自《圣经》，却带有浓烈的生活气息。
乔托绘画的创新意义，在于发明了一套直接观察自然，以再现客观现实的绘画实验方法，开创了绘画早期的科学时代。
他所塑造的宗教人物犹如雕像般的浑厚，个个都是有血有肉有人情味的世俗男女，不再是中世纪的幽灵；在画面艺术处理方面，力求在平面上再现立体空间的效果，空间具有空气感和深度感，画中形象具有体积感和量感；在人物安排上，善于突出主体形象，具有视觉的吸引力，这种艺术处理的方法，成为后来欧洲绘画的典范。
乔托是公认的使西方美术摆脱中世纪美术程式的第一人，从而成为开创写实画风的鼻祖，被誉为欧洲近代绘画之父。
乔托打破了平面结构的传统画法，开创性地运用了透视的新技巧，使绘画具有丰富的层次和立体感。他开始用自然景色作为绘画的背景，而且正十分注意刻划人物的感情世界。
《逃亡埃及》 在这幅画中，乔托把画中的人物极为平静，连驮人的驴子似乎也停止了迈动蹄子，马利亚的恐惧收敛得到家，一点也看不出来，只是急行在前的约瑟强调了这一事件的危急和可怕。一个忧愁的天使飞翔在前方的上空引路，背景的山树画得单纯，质朴，显示文艺复兴初期，人的思想意识总是放在"人"上面的。
《犹大之吻》 画中，犹大紧抱着老师，身体前倾，紧皱的眉重重地圧在眼眶上，目光灼灼，燃烧着痛苦的火焰。肥大的衣袍包裹着颤抖的他和目光绝望而内心平静的耶稣。基督的必死和犹大的负罪，都 是上帝的旨意，上帝已把酒交到子的手上，把吻交到犹大的嘴上，尽管他们都不情愿。乔托在画中把犹大拥抱并亲吻老师时的无奈、痛心表现得十分深刻。
2、 波提切利 (1445-1510年)
波提切利真名叫亚历山大·菲利普 。少年时代就酷爱绘画，开始时当金银艺匠学徒，因为有绘画天资，15岁时被做皮革匠的父亲送到画家菲利普 ·利比的画室学画。
利比带着波提切利一同描绘现实生活中的人，并借鉴古希腊艺术中的理想，所以他们创作的圣母子和神话人物都具有世俗的情态：和蔼可亲、动作轻盈、身着绢纱、临风飘逸。
后来波提切利又转从委罗基奥门下，与比他小7岁的达·芬奇同窗。
《春》里，一群象征春天的女神在阳光灿烂、树木葱茏、鲜花盛开的林间草地上翩翩起舞。小爱神丘比特自天而降，射来了爱情之箭。此画使人感到春回大地、爱洒人间的盎然生机。本图是波提切利最有名的作品之一从右边起，画中的人物依次是西风神泽费罗斯，花神克洛莉丝，花神弗洛拉（弗洛拉是克洛莉丝和泽费罗斯结婚后变成的成熟女性），画面中央是爱与美的女神维纳斯，接下来是美惠三女神，她们分别象征华美贞淑欢悦，接着是众神的使者墨丘利。人物从右向左的排布顺序象征情欲转变为知性之爱，而维纳斯则是促成这一转变的原因。
《维纳斯的诞生》，作于1485年，描绘美神维纳斯从碧波荡漾的爱琴海 中诞生，赤裸着身躯踩着贝壳飘然而来。节奏舒缓，韵律优美，色彩明丽。
（二）文艺三杰
达·芬奇，力求探索人的理性，人与自然的奥秘，有如深邃的大海； 拉斐尔，表达人的善良情感和美好心灵，有如明媚的原野。
米开朗基罗，表现人的斗争精神和蕴藏着的强大力量，有如峻峭的山岳。
1、 达·芬奇（1452-1519） 达·芬奇出身于佛罗伦萨一律师之家。画家、雕塑家、建筑家、工程师、哲人、还精通文学和音乐，以至于有"旷世奇才"之称。
从小爱绘画。14岁入佛罗基阿画坊。此地为艺术中心，亦为人文主义者聚会之所。受其影响，把理解世界、反映自然作为创作的原则。
为画好作品，亲自解剖30多具尸体，以深入了解人体结构。故其画，不仅能反映人的外部特征，还能表现人的肌肉、骨骼、以至于流动的血液。又研究光学，便于用色彩的变化表现出画面的立体感；研究力学与数学， 以便精确地表现人体的比例和运动中的人体结构；研究植物学、地质学、以便使画面背景反映出壮丽的自然景色。
以往无一画家用如此丰富的自然科学知识进行绘画，故人称"科学的画家"。
他的《画论》把绘画诸要素：光线、明暗、透视、构图等整理成科学的法则，以人物的形象传达内心的情感。
代表作《蒙娜丽莎》。作品表达了对女性美、人的丰富、复杂、微妙的内心生活的赞美。少妇的右手被认为是美术史上啊完美的创造，如玉似脂的手上似乎可以看到内部流动的血液。蒙娜丽莎淡淡的微笑，给人以无穷的遐想，启迪人去探寻女性内心世界的奥秘。仅凭微笑，就能表达出如此丰富、变化不定的情感，真是神来之笔，空前绝后，不可模仿。还用透视法在背景上画出了起伏的山峦、茂密的森林、蜿蜒的河流，整幅作品中人生和自然的颂歌，充满了人文主义精神。
代表作《最后的晚餐》，为米兰城圣马利亚教堂作的大壁画。耶稣神态镇定安详，且流露出对叛徒的轻蔑。门徒露出不同的姿态与神情：惊愕、气愤、怀疑、表白自己，耶稣右二的犹大，震惊、恐惧，且身子后缩，脸部处于灰暗的阴影中，露出惶恐的心情，颤抖的手紧握钱袋。
美与丑，正义与邪恶，和谐地统一于同一作品中。
2、 拉斐尔（1483-1520） 出身于意大利中部乌尔宾诺城绘画世家。成年后在许多著名的画坊里学画。1540年来佛罗伦萨，接触到人文主义。他一直得到贵族的保护，过着优裕的生活，还得到教皇的赏识，为梵蒂冈宫殿画壁画，并主持圣彼得大教堂建筑工程。
最著名的作品是圣母像。有《西斯廷圣母》、《草地上的圣母》、《圣母子》（一称奥尔良圣母，因良家族收藏而得名）等 。
世俗化的圣母： 他是用人文主义思想来画圣母，圣母成为一个健康、美丽、温柔、善良的世俗女性，充满了母爱。《草地上的圣母》近乎农村风光画，一位母亲领着孩子在阳光下的原野上嬉戏，洋溢着天伦之乐。《西斯廷圣母》中，圣母抱着孩子降临人间，表现出把爱子奉献给人类的慈母的崇高心灵。拉斐尔的圣母像以秀美、温柔著称，但过于纤弱，可能是画家本人常出入于贵族社会之故也。
拉斐尔在梵蒂冈教皇宫大厅留下了许多辉煌的壁画。其中最有名的是《雅典学派》 《雅典学派》，描绘的是古希腊著名学者苏格拉底、柏拉图、亚里士多德、毕达哥拉斯、阿基米德等人的群像。有的在辩论，有的在沉思，有的在创作，画面上一共有50多位名人，其神情不一，个性突出，但画面又是一个整体。由于对透视法掌握纯熟，背景显得十分深远、浑厚，带有雄浑、笃实、深沉和老到的风格。
3、米开朗基罗（1475-1564）
他的成名之作《哀悼基督》。
大卫像： 大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死非利士巨人哥利亚，肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左肩扛着投石器，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。作品解剖准确，人体结构表现细腻，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。
《创世纪》： 1508年，米开朗基罗受教皇之聘，负责绘制梵蒂冈西斯廷教堂穹顶的壁画。工作十分艰巨。《创世纪》，西斯廷教堂天顶画。大800平方米，有300多个人物。这件雄伟的杰作，是米开朗基罗用4年的时间完成的。 晚年，他还完成了祭坛画《末日审判》。他努力使他们的作品"要使希腊人和罗马人黯然失色"。
四、西欧诸国的文艺复兴 国家 代表人物 作品
英国
莎士比亚 四大悲剧：《哈姆雷特》《奥瑟罗》《麦克白》《李尔王》 四大喜剧：《威尼斯商人》 、《仲夏夜之梦》
《皆大欢喜》 、《第十二夜》
法国
拉伯雷
《巨人传》 荷 兰
伊拉斯谟
《愚神颂》
西班牙
塞万提斯
《唐吉诃德》
1、莎士比亚(1564～1616) 英国诗人、剧作家。
莎士比亚的创作:莎士比亚在20多年间共写了37部戏剧，154首十四行诗,两首长诗和其他诗歌。分为历史剧、喜剧、悲剧和传奇剧。他的作品代表了整个欧洲文艺复兴文学的最高成就。
历史剧： 莎士比亚早期创作的英国历史剧共9部，其中8部可以归纳成为两个四部曲。《亨利六世》上、中、下篇和《理查三世》；《理查二世》、《亨利四世》上、下篇和《亨利五世》。此外有《约翰王》。
他写历史剧的主旨：要求在一个开明君主的统治下，巩固国内和平与统一。 喜剧：约从1593至1600年,莎士比亚写了10部喜剧：《错误的喜剧》、《温莎的风流娘儿们》、《威尼斯商人》、《驯悍记》、《维洛那二绅士》、《爱的徒劳》、《无事生非》、《仲夏夜之梦》、《皆大欢喜》、《第十二夜》等和一部悲剧《罗密欧与朱丽叶》。这些喜剧各有特色但均以爱情为主题，反映了莎士比亚主张个性解放的人文主义理想。
悲剧：从1601至1607年，莎士比亚写了 "四大悲剧"、 5部以希腊罗马故事为题材的剧本和两出"喜剧"。
这一时期的剧作，思想深度和现实主义的深度大增。
莎士比亚写的悲剧是他对他那个时代的重大问题深入思考的成果，是新兴资产阶级思想最生动的形象的再现。
2、塞万提斯（1547-1616） 文艺复兴时期西班牙最杰出的现实主义小说家。
《唐吉诃德》没落贵族的后裔 唐吉诃德因读骑士了迷，自己决心成为一名游侠骑士，于是带着侍从桑 却，出门去行侠仗义。
他沉浸于幻想中，把乡村旅店当作城堡，把风车当作巨人，把羊群当作军队，把理发匠当作武士，闹出许多笑话。
这部小说反映了西班牙从中世纪向近代过渡的社会现实，塑造了唐吉诃德这一不合时宜的理想主义者的生动形象，成为世界文学国外地里的一朵奇葩。
五、文艺复兴的历史意义
1、文艺复兴是一次伟大的思想解放运动，它唤起了人的觉醒，使人们把关注的重点从来世转移到现世，激扬起为创造现世的幸福而奋斗的乐观进取的精神。资产阶级正是在这种精神的指引下创造近代资本主义世界的。
2、文艺复兴是人类向精神世界的大进军，在文学、艺术、政治思想及自然科学领域内创造了丰硕的成果。文艺复兴时期创造出来的精湛的艺术品及文学杰作，成为人类艺术宝库中的无价瑰宝。文艺复兴提倡科学方法和科学实验，为日后自然科学的大发展打下了基础。
3、文艺复兴为以后的思想进步扫清了道路。它打破中世纪经院哲学的统一局面，使各种世俗哲学兴起，从而在精神方面为资本主义制度的确立开辟了道路。
一、课题：文艺复兴时期的雕塑
二、教学目标
1. 知识与技能：引导学生了解文艺复兴时期的雕塑作品的特点,从而领略文艺复兴时期的审美观念。
2. 过程与方法：通过欣赏使学生理解雕塑的艺术语言，并能够感受作者通过雕塑所表达的内心情感，进一步提升学生的欣赏水平。
3. 情感态度价值观：在引导学生欣赏美术作品时应充分发挥学生的主观能动性。
三、教学重难点
重点：了解文艺复兴时期的雕塑作品的内容及特点。
难点：通过对米开朗基罗雕塑作品的分析，体会米开朗基罗雕塑作品中独有的艺术魅力和人格魅力。
四、教学方法:观察法、讲述法、提问法、讨论法和多媒体辅助教学等。
五、教学过程
1. 新课导入
提问:上节我们欣赏了古希腊的雕塑艺术,谁能说一说古希腊雕塑的总体风格是什么? 引入:继古希腊之后,西方美术史上出现了又一个辉煌的高峰,以意大利为中心的欧洲出现了空前的艺术繁荣,被称为文艺复兴时期。今天我们就来讲
一讲“文艺复兴时 ——引出教学内容。
一、导入
二、讲授新课
1、简介“文艺复兴”的社会背景提问:我们曾在历史课中学到文艺复兴,谁能够说一说文艺复兴发起的时间和地点,你能不能说出文艺复兴时期大师的名字?教师简介:文艺复兴运动的发源地和中心是在意大利,最早发起时间是公元14世纪,至
15、16世纪推广到欧洲。这个时期是欧洲封建社会的晚期,也是欧洲资本主义的萌芽时期,新兴的资产阶级思想的核心是争取个人在现实世界中的地位和发展,历史学家们称之为“人文主义”。为与基督神学进行斗争,新兴的资产阶级知识分子终于认识到饱含现实主义精神和科学理性的古希腊、古罗马的思想文化,重新认识到他们的价值,掀起了如醉如狂的搜求,学习和研究古希腊、古罗马文化的热潮,使意大利乃至欧洲出现了前所未有的艺术繁荣,被史学家们称之为“文艺复兴”。它标志着资产阶级文化的萌芽,反映了新兴资产阶级人文主义的要求。
2、文艺复兴时期的雕塑所具有的艺术风格①欣赏一系列作品(录像)②总结:在文艺复兴时期,许多美术家敢于冲破中世纪宗教神学的束缚,用人文主义思想去破旧立新,开始用世俗的思想感情和写实技巧来描绘人物,并且开始以自然景色为背景,代替中世纪长期以来的用金色或蓝色作背景的旧习,使画面增添了生气。“文艺复兴”并不是古希腊、古罗马文化的简单复兴,而是借用古希腊、古罗马的艺术语言唱出新文化的赞歌,特别是雕塑饱满地赞颂了人的内在力量与智慧,表现了巨大的信心与宏伟的气魄。
3、介绍文艺复兴时期杰出的雕塑巨匠----米开朗基罗和他的作品①米开朗基罗米开朗基罗?波那罗蒂是个多才多艺的人,他是雕塑家、画家、建筑师和诗人。他十分关心祖国的命运,在艺术上有坚强的毅力和雄伟的气魄,他的雕塑充满着激越的热情,其强大的力量和夸张的动态,鲜明地反映着他反对教会和贵族的复辟,从而被人们称为“市
《欧洲文艺复兴时期的绘画》
大庆四中 丁月光
我的教学设计师取材于人民美术出版社出版的《高级中学美术教材》第二十课《欧洲文艺复兴时期的绘画》。我的教学设计分以下几个步骤：
一、教材分析
1.教材的地位、作用
高中美术欣赏教材的内容大体可归纳为四大门类：工艺美术、建筑艺术、雕塑艺术、绘画艺术。绘画艺术又可分为以中国画为代表的东方绘画和以油画位代表的西方绘画。
西方绘画曾经历了一场伟大的变革——欧洲文艺复兴运动。文艺复兴时期的美术，伴随着人类思想的解放，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，以重视人的价值为核心的人文主义精神为指引，无论在创作观念还是表现形式上，都表现了旺盛的个性自由和世俗精神。它借用古希腊、古罗马的艺术语言，唱出了新文化的赞歌，标志着资产阶级文化的萌芽，反映了新兴资产阶级的需求。这一时期的艺术家们勇于探索，敢于实践，既从希腊罗马的古典艺术中吸取营养吸取营养，又实现了科学与艺术的完美结合，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法。同时，改革了油画材料和技法，大大提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技法得到了空前的提高，推动欧洲绘画艺术登上了西方绘画史上的第一高峰。这是一场伟大的精神革命，对西方美术界产生了深远的影响;这是一次伟大的艺术运它不仅仅是传承了古典，重要的是更开启了未来。
正因为欧洲文艺复兴运动在西方绘画史上有着如此重要的地位和作用，所以也就成为我们欣赏西方绘画的重点，也是高中美术欣赏课的重要知识点。只有了解了文艺复兴时期欧洲绘画的辉煌成就，才能进一步理解此后
17、18世纪的外国绘画，为什么仍然是以欧洲绘画最为突出。才能深层次领悟19世纪欧洲绘画走向全面繁荣，达到西方绘法艺术的又一高峰时期，而且影响遍及世界许多国家，这些都是欧洲文艺复兴运动中美术繁荣所带来的久远的历史性的影响。
2.知识线索
1.1文艺复兴运动产生的历史背景
2.2欧洲文艺复兴运动中美术取得辉煌成就的原因 3.3文艺复兴三杰
引导学生去对三位大师进行了解，以揭开他们雄居文艺复兴时期绘画界无数英才之首的原因。
通过对三位大师几幅代表作品的分析，从而了解欧洲文艺复兴时期总的审美观念以及人文主义思想，同时也了解三位绘画大师各自的艺术风格。
3. 重点、难点
3.1教学重点：
简要理清欧洲文艺复兴运动的性质以及它对欧洲美术发展产生的重要作用和影响，以使学生更好地理解文艺复兴时期美术成就及其时代特色。
引导学生认真地分析达·芬奇等人的绘画名作，了解文艺复兴时期绘画的总体风格和造型特点。 学习艺术家勤奋、刻苦的献身精神和敢于实践的优秀品格。
3.2教学难点：
着重理解文艺复兴运动的性质和重要历史意义。
着重理解文艺复兴时期美术之所与取得高度成就的主要原因。
二、教材的加工重组及补充、拓展
1、重点难点的调整
重点方面，除教材原有两点之外，补充一条“学习艺术家勤奋、刻苦的献身艺术的精神和勇于实践敢
1 于探索大无畏品格。
2、内容方面的增减：根据教学目标的需要及课时的限制，删去了对波体切利和它的作品《春》的介绍，增加了学生们既熟悉又陌生的达芬奇的《蒙娜丽莎》。
年轻的拉斐尔，书中对他没作介绍，只在第4课《美术作品的形式美》中，介绍了一幅《西斯廷圣母》，但身为欧洲文艺复兴意大利美术三杰之一，他的成就确实令人瞩目。他的艺术是以优雅、和谐、秀美而见长，尤为重要的是，他的作品体现了他所处时代的人们最普遍的审美观。拉菲尔笔下圣母的美是举世公认的，所以我把它代表性的圣母画像如《椅中圣母》、《草地上的圣母》、《西斯庭圣母》等加入本，让学生从拉菲尔笔下的圣母那美丽而略带忧伤的眼神中领会作品内涵，我还把拉菲尔的《雅典学院》加进课件，从这件拉菲尔的成名作中，让学生更多了解拉菲尔，了解他对于人类早期的最高知识和精神世界的崇敬和向往。
虽然他的作品的思想深度，无法和达·芬奇、米开朗基罗相提并论，但他则是以勤勉好学、善于博采众家之长,而踏着大师的肩膀攀上艺术的巅峰。在他的身上，让学生们更多看到的是：天才出自勤奋，成就来自努力。如果说，达芬奇的智慧、博学令学生望尘莫及，米开朗基罗的坚韧、意志令学生感到自己的渺小平凡，那么拉斐尔的成就，则可以让学生们更多的坚信，成功属于每一个为之付出的人。
拉菲尔的《雅典学院》。
三、教学目标
依据文艺复兴时期绘画的总体性质和巨大意义及影响，我从以下三个方面确立教学目标。
1.知识与技能：了解文艺复兴时期绘画的总体风格和造型特点，掌握欣赏外国绘画作品的基本知识。培养学生对文艺复兴时期美术作品作品的欣赏能力。
2.过程与方式：以教师引导设问、学生探索解决问题为的方式，引导学生运用视觉艺术的语言去感受 、体验和品评、欣赏欧洲文艺复兴时期美术作品
3.情感态度与价值观：了解文艺复兴时期“三杰”对西方绘画艺术的重大贡献，学习艺术家们勤奋、刻苦和专研的精神以及献身艺术的品格。
四、学生情况分析
1、学生学习本课内容的基础
对于欧洲文艺复兴时期美术，学生们都有基本了解，对于意大利绘画三杰及其主要代表作品，也都能略知一二。而对于文艺复兴运动所提出要复兴的古希腊罗马艺术，在上学期的欣赏课学习中也已涉猎，所以学生们对本课内容的学习，有一定的知识基础
2、学生学习本课内容的能力
通过高一上学期过对《美术作品的艺术形象》、《美术作品的艺术语言》、《美术作品的形式美》等课的学习，以及大量美术作品的赏析，学生们基本掌握了从哪些方面、哪些角度，以什么方式、以什么为侧重点去欣赏、分析、品评美术作品。可以说学生已具备了的欣赏、分析、品评各类美术作品的基本能力。
3、学生学习本课内容的心理
对于本课的知识内容，学生们可以说是充满期待，又充满好奇。虽对于然欧洲文艺复兴运动大家都略有所知。但大多数同学还是知之甚少。为什么欧洲文艺复运动中美术取得了极高的成就?为什么在那个群星闪耀的时代，达芬奇、米开朗基罗、拉斐耳能成为群星中的明星?他们的作品究竟好在哪里，每件作品背后，有着作者怎样的人生经历?画家们是经过怎样的不懈努力?怎样的探索、求索，竟会达到如此高的艺术峰巅?
4、学法分析
课前预习查找资料，课堂探索解决问题——提出问题、讨论问题、分析问题。经教师、补充整合，最后学生们自己解决问题。
本课主要是让学生自己去思考、参与知识获得的过程。目的是培养、锻炼学生学习的主动性和锻炼自学能力，形成良好的学习习惯。
五、教学过程设计
1、导入：欣赏歌曲《文艺复兴的赞歌》(创设学习情景，提出问题) 问题一：什么是欧洲文艺复兴运动?
2 追问：欧洲文艺复兴运动产生是在什么时间、怎样的历史背景下产生的?
以欧洲中世纪基督教神学统治下令人发指的压制人性、扼杀人的审美需求的背景材料引出课题，然后由学生根据掌握的资料来介绍这是一场怎样的运动。这一环节以层层设疑步步推进的形式，使学生从宏观上了解文艺复兴运动产生的背景。同时使重点、难点中的一个方面：“欧洲文艺复兴运动的性质和意义”得到了体现和解决。
所以这个环节的设计是本课的侧重点。
2、知识的铺开(引导反思，自主探究) 对于文艺复兴运动这一群星闪烁的特殊历史时期来说，每一部分内容都是辉煌的一章，取舍起来肯定有些眼花缭乱。所以我引导学生着重以意大利文艺复兴“三杰”的成就，及尼德兰画派杨·凡爱克对油画颜料和油画技法的改革为脉络探讨铺开。步步设疑、处处设问，使学生在对各个疑点、问题的解答中，完成了对艺术大师的“探访”;对大师们传世杰作的探究;对大师们何以取得巨大成就的了解，从而达到教学目标完成教学任务。
2.1 文艺复兴运动产生的历史背景
(1)资本主义萌芽的发展,资产阶级成长起来.
(2)天主教会统治压抑人的个性,阻碍科学和生产的发展.
(3)拜占廷帝国灭亡时,大批学者逃到意大利,带来大量古希腊罗马的古籍. (4)意大利城市政权强大,同情并支持资产阶级.
2.2 欧洲文艺复兴运动中美术取得辉煌成就的原因
问题：为什在欧洲文艺复兴运动中美术会取得辉煌成就?
15世纪末到16世纪中叶是意大利文艺复兴的全盛时期，16世纪达到了繁荣的顶点。在此以前，15世纪的文艺复兴美术已基本完成了掌握现实主义表现方法的任务，透视法则与人体结构的科学知识已相当丰富，在此基础上，16世纪的艺术家们便可集中全力于艺术典型的创造。
文艺复兴不只是恢复古代哲学、艺术和追溯已逝去的“黄金时代”，而是一个充满发明、加速变革的时代。尽管在体裁、创作手法上的这些革新并非与中世纪艺术绝无承继关系，但由于人文主义与经院哲学的对立，文艺复兴时期的艺术，无论在内容上还是形式上,都发生了革命，而不仅仅是基于中世纪绘画基础上的渐进发展。在文艺复兴时期涌现出一大批成就卓著的艺术大师。
教师归纳：
一、科学透视法的发明
二、画家们冒着生命危险所惊醒的人体解剖学的研究
三、油颜料发现、和油画技法的改进
四、大批古罗马文物的出土
2.3 文艺复兴三杰
问题一：文艺复兴三杰都是谁?
十五至十六世纪，著名艺术家达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔的绘画及雕塑艺术，被后世誉为意大利文艺复兴时期的三杰。他们的辉煌成就，不仅对欧洲而且对全世界后来艺术的发展产生了深远的影响。三杰作品至今为世人推崇乐道。
问题二：三人如何在大师云集的欧洲文艺复兴时期成为后人仰慕的意大利三杰哪? 问题三：我们如何赏析这些艺术巨匠的遗产呢? 达芬奇介绍
达芬奇是意大利文艺复兴盛期的著名的画家、科学家。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并特别善于将艺术创作和科学探讨相结合，在世界美术史上堪称独步。他纵横驰骋于艺术领域的的绘画、雕塑、建筑、音乐等广阔空间;而他介入的科学研究的范围更是极其广阔，从物理、数学到生理解剖，几乎无所不包;他在技术方面的创造发明遍及民用、军事各个领域。在科学领域的发明、创造、探索、研究，包罗了天文、地理、生物、植物、医学、物理、机械、军事等方方面面。
如达.芬奇甚至比哥白尼更早发现地球是围绕太阳旋转的，只不过他没有公诸于世，而是记在自己的笔记里;达.芬奇最早提出了城市建造下水道的设想，达.芬奇最早设计出了双向车道，达.芬奇设计出了
3 世界上第一个飞行器，只不过当时的制作技术无法制作完成，达.芬奇设计出了世界上最早的装甲车等等
达·芬奇一生完成的作品不多，但几乎件件都是不朽的名作。的绘画作品虽不多。 谜一样的《蒙娜丽莎》
问题一：蒙娜丽莎是谁?是作者本人?是一名孕妇?是一位商人的妻子?还是作者心目中的母亲? 问题二：蒙娜丽莎美在哪里? 问题三：你眼中的蒙娜丽莎是怎样的?你感觉她的表情是甜蜜?是幸福?是满足?还是迷茫?是苦涩?是痛苦?
问题四：蒙娜丽莎微笑的魅力何在?
问题五：为什么长久以来人们对蒙娜丽莎的兴趣有增无减? 近乎完美的《最后的晚餐》
那构图完美，充满对人物内心世界微妙探索的《最后的晚餐》值得我们去仔细体味 问题一：构图特点? 问题二：取材? 问题三：内容?
问题四：画中人物的表情和心理活动分析。 米开朗基罗：
那倔强的品格，不屈的个性，那横溢的才华，是他那气势磅礴的作品的根源和注解。他不仅有多方面的艺术才能，而且一生非常勤奋坚毅，对艺术创作永不满足。直到逝世前一星期，89岁的米开朗基罗还在创作雕塑。临终前，他感到遗憾的不是生命即将结束，而是他热爱的艺术劳动就要停止。他说，我刚刚对艺术有点入门，正在打算创作我的真正的艺术作品的时候，我却要死了。
那么米开朗基罗自己认为那不是真正艺术品的作品又是怎样呢?先说他的雕塑作品，《大卫》的健美，《摩西》的坚定，以及作者在这两幅作品中所倾注的强烈的爱国主义激情，都深深。
惊世之作(又名《创世纪》) 《创造亚当》
《诱惑与逐出乐园》 《洪水》 《诺亚醉酒》
问题一：米开朗基罗是在什么情况下什么心情下接受下绘画《西斯庭教堂天顶画》的任务? 问题二：创作的有哪些困难、艰难。
创作过程的艰辛劳苦，整幅作品之规模宏大、气象万千，被举世公认为空前绝后之作，这幅作品与其说是表现虚幻的上帝创造世界的传说，倒不如说体现了米开朗基罗对宗教传说的再创造。
拉斐尔
问题：不像达·芬奇那样深邃、含蓄和富于理智，也不像米开朗基罗那样雄健有力和充满激情的拉菲尔，又是如何在欧洲文艺复兴盛期那大师云集的艺术星空中，成为璀璨的群星中最耀眼的一颗的呐?
《雅典学院》 欣赏、分析讨论。
3.反思结论，归纳总结
资料欣赏：通过欣赏三位大师的作品学生反思结论，归纳总结如下问题。 问题一：请学生们总结出三位大师艺术的相同之处。 总结一：三巨匠的艺术有其共同特点 (从作品中归纳)
●形神 三巨匠的绘画有其共同特点不仅重视形似，而且重视传神。
左图 米开朗琪罗绘《创世纪》中的亚当头像局部年轻、健壮、生动传神。
右图 《创世纪》中的夏娃头像局部，美丽动人栩栩如生。
左图 达·芬奇《贝努亚的圣母》母子嬉戏，神态自若。
右图 达·芬奇绘《伊萨贝尔》神态高雅的气质非凡。
左图 拉斐尔绘《格拉多卡圣母》圣母抱圣婴站立着，母子神态安祥。
右图 拉斐尔绘《旷野中的圣母》圣母慈祥，看着两婴儿戏耍，完全人性化。
左图 米开朗琪罗绘《创世纪》中的《厄立特立亚女预言家》，女子侧面沉思典雅严肃。 右图 米开朗琪罗绘《创世纪》《耶利米》古希伯莱预言家。低头扶手沉思，神形逼真。
6
●骨法
三杰都有对人体解剖学深刻的研究，对肌肉骨骼十分熟悉，掌握骨法，是他们创作的源泉。
左图 达·芬奇男子头像手稿，骨骼肌肉均称。
右图 米开朗琪罗绘《创世纪》中的《库马西埃女预言家》其骨骼肌肉笔法和达·芬奇男子头像有异曲同工之妙。
左图 达·芬奇青年女子素描手稿。其头面颈肩着笔不多，不熟悉人体骨骼是画不出来的。
右图 米开朗琪罗，朱理二世墓奴隶雕塑之一。其裸身肌肉比例和真人几乎相同，只有熟悉人体解剖，骨肌关系，才能有此杰作。
7
●布局
教师：绘画中布局均称协调，色彩，光线运用适当，也是个伟大时作品成功的特点之一。
左图 拉斐尔《坐椅中的圣母》母子的亲昵右侧孩子的嫉妒画面协调和谐。
右图 达·芬奇绘《拿小花的圣母》圣母拿小花逗孩子玩，窗外远景风光协调。
●气势
教师：绘画取势十分重要，使人观画有一股浩然正气，肃然起敬，三杰在这方面的传神，达到炉火纯青。
左图 达·芬奇老人头部素描。把老人饱尽苍桑，沉默持重的势态活现出来。
右图 米开朗琪罗绘《约拿》圣经《旧约·全书》中的先知。抬头问天的气势，如在眼前。
左图 达·芬奇少女低头默思的手稿，略带忧伤的气质。
右图 拉斐尔的《烛前圣母子》。圣母安祥，圣婴喜悦，和两侧的孩子一起，形成平和温馨的气氛。
●意境
教师：意境通过绘画把人物的心态和周围的环境有机的结合表达出来，主客观达到高度和谐。也是三杰作品的又一特色。
左图 米开朗琪罗作《大卫》头部，这一年青犹太王坚毅自信雄才大略的意境，出神入化。 右图 拉斐尔《圣母子》，圣婴在圣母怀中看镜子，背景是宁静的山河，意境幽闲。
左图 米开朗琪罗绘《创世纪》上帝拯救亚当的局部，亚当表现出无可奈何的意情 右图
达·芬奇绘青年武士手稿，一种特有的勇敢坚定的气氛。
问题二： 三位大师有着怎样各自鲜明的艺术风格?
总结二：达芬奇：睿智、深邃。
米开朗基罗：气魄、力度 拉斐尔：优美、典雅
9 4.收拢全篇，
当学生在老师的引导下，完成对全课内容的探索和了解后，教师趁热打铁，引导学生总结欧洲文艺复兴绘画取得高度成就的原因。就势收拢全篇，结束全课，并让意尤未尽的学生进一步预习下一课内容，再探讨一下文艺复兴之后，欧洲绘画将呈现怎样的局面。
五、教学设计说明
本课主要以教师引导设问、学生探索解决问题为主。是高中美术新课程理念所倡导的学习方式只一。主要问题有：欧洲文艺复兴运动的性质、意义和取得巨大成就的原因，欧洲文艺复兴运动中美术的主要成绩。在这个大框架下，还将引出无数小问题，需要学生一一运用、组合自己所掌握的资料和知识在老师的引导下加以解决。
本节课我采用的是引导、探索相结合的教学模式。
本模式课型的前提是：学生课前预习全课并占有详细丰富的资料。
“引导——探索”教学模式的程序结构如下：
课前预习查找资料，教师设疑步步引导——学生探索解决问题——讨论、分、——教师、补充整合。
2.所依据的理论支撑点
“引导——探索”教学模式，是从“发现——探究”型教学模式族学习演变而来。在这种模式中，教师的作用是要引导课堂形成一种学生能够独立探究的情景，而不是提供现成的知识。是让学生自己去思考、参与知识获得的过程。目的是培养学生学习的主动性和锻炼自学能力，形成良好的学习习惯。
六、教学手段、
以多媒体手段来配合教学，此辅助手段的优势在于： 同步性：可以在需要画面内容时随时切入。
灵活性：教师可以根据课程内容和教学设计的意图随意编排设计自己需要的课件，课件在播放时还可以根据需要随时切换或重放。
丰富性：图片、资料来源广泛。
审美性：所呈现给学生的课件都是经过教师加工设计的，会呈现和谐统一的艺术风格，给学生以视觉美感。
艺术的基本特征就是审美性，艺术的审美性是人类审美意识的集中体现。任何艺术作品都必然是人所创造的，凝聚着人类劳动和智慧的结晶。我们又必须注意，并不是人类一切劳动和智慧的创造物都可以是艺术品。艺术的审美性是真善美的结晶。艺术类要以真和善为前提，并通过审美性体现出艺术中这种真、善、美的统一。
西方社会自14世纪起，就进入了一个新的时代，即文艺复兴时代。文艺复兴的原义是指在复兴古希腊、古罗马的文学艺术思想的基础上，获取新知的运动。文艺复兴时代是艺术史上强烈的自觉意识觉醒的时代，恩格斯在讲到欧洲文艺复兴的时候写道：“这是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。”
文艺复兴时期是一个艺术界群星荟萃、流派纷呈的时代。在三个多世纪的发展和变革中，先后涌现出佛罗伦萨画派、罗马画派、威尼斯画派、热那亚画派和那不勒斯画派等不同风格的艺术流派。
意大利文艺复兴在艺术发展上大致经历了四个主要阶段：第一阶段从13世纪后期至14世纪中期，这一阶段为文艺复兴的预备期。主要以意大利佛罗伦萨为中心，代表人物有乔托、马萨乔等;第二阶段从14世纪中期开始至15世纪上半叶，为文艺复兴中期或发展期。主要代表人物有安吉利科、保罗·乌切洛、波提切利等;第三阶段从15世纪后半期至16世纪，为文艺复兴的鼎盛时期。此时文艺复兴的中心转向了罗马。主要代表人物有达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗;第四阶段从16世纪后半期至17世纪前期，为文艺复兴晚期。这一阶段以威尼斯画派的崛起为代表，主要艺术家有提香、乔尔乔内等. 文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带 了有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。
文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。
文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体观着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。
但是意大利文艺复兴时代的建筑师绝不是食古不化的人。虽然有人(如帕拉第奥和维尼奥拉)在著作中为古典柱式制定出严格的规范 。不过当时的建筑师，包括帕拉第奥和维尼奥拉本人在内并没有受规范的束缚。
他们一方面采用古典柱式，一方面又灵活变通，大胆创新，
甚至将各个地区的建筑风格同古典柱式融合一起。他们还将文艺复兴时期的许多科学技术上的成果，如力学上的成就、绘画中的透视规律、新的施工机具等等，运用到建筑创作实践中去。
在文艺复兴时期，建筑类型、建筑形制、建筑形式都比以前增多了。建筑师在创作中既体现统一的时代风格，又十分重视表现自己的艺术个性。总之，文艺复兴建筑，特别是意大利文艺复兴建筑，呈现空前繁荣的景象，是世界建筑史上一个大发展和大提高的时期。 一般认为，十五世纪佛罗伦萨大教堂的建成，标志着文艺复兴建筑的开端。而关于文艺复兴建筑何时结束的问题，建筑史界尚存在着不同的看法。有一些学者认为一直到 十八世纪末，有将近四百年的时间属于文艺复兴建筑时期。另一种看法是意大利文艺复兴建筑到十七世纪初就结束了，此后转为巴洛克建筑风格。
意大利以外地区的文艺复兴建筑的形成和延续呈现着复杂、曲折和参差不一的状况。建筑史学界对其它各国文艺复兴建筑的性质和延续时间并无一致的见解。尽管如此，建筑史学界仍然公认 ，以意大利为中心的文艺复兴建筑，对以后几百年的欧洲及其他许多地区的建筑风格都产生了广泛持久的影响。
文艺复兴的作品思想
文艺复兴时期的作品，集中体现了人文主义思想：主张个性解放，反对中世纪的禁欲主义和宗教观;提倡科学文化，反对蒙昧主义，摆脱教会对人们思想的束缚;肯定人权，反对神权，屏弃作为神学和经院哲学基础的一切权威和传统教条;拥护中央集权，反对封建割据，这是人文主义的主要思想。其中，代表性作品有：但丁的《神曲》、薄伽丘的《十日谈》、马基雅维利的《君主论》、拉伯雷的《巨人传》等。 文艺复兴时期的艺术歌颂了人体的美，主张人体比例是世界上最和谐的比例，并把它应用到建筑上，一系列的虽然仍然以宗教故事为主题的绘画、雕塑，但表现的都是普通人的场景，将神拉到了地上。
人文主义者开始用研究古典文学的方法研究圣经，将圣经翻译成本民族的语言，导致了宗教改革运动的兴起。
人文主义歌颂世俗蔑视天堂，标榜理性以取代神启，肯定“人”是现世生活的创造者和享受者，要求文学艺术表现人的思想感情，科学为人谋福利，教育要发展人的个性，要求把人的思想感情和智慧从神学的束缚中解放出来。提倡个性自由，因此在历史发展上起了很大的进步作用。
艺术语言的创造来源于审美理想
艺术语言在经过原始的创造动机和崇拜自然物的巨大激情,创造了自己的稚拙艺术形式之后,艺术家对艺术语言的探索也在不断进行之中。外国艺术语言除了向世人传达精神层次上的文化意义外,并能在自己的作品中体现出一定文化的美学内涵,同时也是画家对现实生活审美理想的一种体现。欧洲文艺复兴时期三杰———达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗,其美术作品就是一个时代艺术语言鲜明的印证。由于受到写实主义艺术语言的影响,他们对美的崇拜,逐渐转向视觉的真实。他们的艺术创作一方面围绕着宗教题材展开,一方面又借宗教题材来表达画家对现实自然社会的看法,促使其作品具有浓烈的人文主义色彩。这就是以人性取代神性,反对宗教的精神禁锢,重视现实生活,发展人的个性,肯定人的价值和创造力等。例如米开朗基罗创作的《创造亚当》,作品表现的是上帝创造的第一人———亚当正渴望地等待,让上帝的手指触到他的手指,亚当健美的身躯就会获得生命。画中的亚当表现出画家对于人的健美、力量和智慧以及对人的觉醒的渴望。画家借宗教神话题材的描绘,一方面把中世纪美术的艺术语言尽情地发挥出来,另一方面反对宗教禁欲主义,对人性的尊重、人的价值的肯定。
欧洲的文艺复兴运动是世界艺术史上的伟大时代。这场运动历时二百余年，它像一股摧枯拉朽的狂飙，彻底地扫除了欧洲长达千年之久的封建文化余孽，为人类艺术谱写了新的篇章。文艺复兴在艺术史中不是一个孤立的时代，它是古希腊罗马美术的复兴，同时又与中世纪美术有着不可分割的关系。如果说古希腊罗马美术是文艺复兴的历史之源和遥远的榜样，那么中世纪后期的哥特式美术则是文艺复兴美术风格的现实之源和直接的基础。文艺复兴美术正是在这样的基础上追求着自己的理想并结合科学技术的进步而走向了时代的辉煌。
文艺复兴时期的艺术,其性质都具有相同性,即它们都体现了以人为主体的人文主义世界观和以神为主体的世界观之间的斗争。然而不同民族在不同的地理环境、
社会环境以及时代背景中,又彰显着各自相对独立的艺术创造个性。欧洲文艺复兴最具代表性的地方当推意大利和尼德兰,然而这两地域的绘画艺术既有不同的起源又有相互之间的传承影响;既有不同的绘画形式又有着趋同的人文理想„„关系可谓是错综复杂。本文对这两个地方在文艺复兴时期的绘画艺术进行比较研究。本文主要围绕相同点和不同点两部分进行论述。其中相同点主要包括意大利与尼德兰文艺复兴时期绘画产生的经济基础和绘画所体现的进步的精神内核：首先看经济基础,文艺复兴之前的意大利和尼德兰都因为地理优势成为当时欧洲重要的贸易中心,导致资本主义生产方式萌芽的产生,新兴市民阶层的出现,从而产生了新的文化需求;其次主宰这次欧洲文化运动的核心思想是人文主义,当时的人文主义精神虽然具有明显的阶级局限性, 但是从否定中世纪的神本论,肯定人自身的价值方面来看,当时的人文主义精神无疑具有重大的历史的进步意义。表现在绘画上主要是宗教绘画的主体形象已经变成了生活中的自然人,神话故事传说已经成为了一个名存实亡的依托;而且在当时出现了适应市民阶层审美并与市民生活更为贴近的肖像画、风景画等画种。不同点主要是包括意大利文艺复兴与尼德兰文艺复兴绘画文化脉络和图式渊源;两地的画家在技术上的创新点;具体绘画作品的面貌特征。首先在渊源方面意大利文艺复兴虽然受多种艺术传统的影响,但是它最主要的图式来源是古希腊罗马的艺术作品。而尼德兰文艺复兴的绘画则是通过改良并发展晚期哥特艺术来实现的;其次,在绘画技术上的贡献方面,意大利的文艺复兴更多的贯穿了科学主义的精神,发明了透视法,并首率先将人体解剖的理论成果应用于绘画中,创造了许多理想的形势比例和人物造型,形成了丰富的理论资源,促进了当时整个欧洲文艺复兴的绘画的发展;尼德兰对绘画技术的贡献主要在于改进了油画的技术,克服了丹培拉绘画技术干燥速度过快、不易反复细致刻画、画面光泽度差等缺点,从而使油画技术趋于成熟。在不同点的第三部分,本文分析了文艺复兴时期意大利和尼德兰各个时期的代表画家及其具体的作品：从乔托到提香,经过几代艺术家的努力,意大利文艺复兴创造出了大量典型的、理想化的人物形象。这种形象皆有典雅的姿态、匀称的比例以及优美的面容,成为后世西方古典绘画的楷模。通过分析凡艾克、博斯、博鲁盖尔等人的代表作,我们可以发现尼德兰画家感兴趣的不是理想化的形象,而是现实中的真实。通过本文的对比研究,揭示出欧洲文艺复兴时期两个最重要的地区在绘画方面所呈现出的不同的现象和现象背后相同的经济基础以及思想内核。
文艺复兴时期的全才
----------大师李奥纳多·迪·瑟皮耶罗·达·芬奇
一般人一提到达·芬奇的名字，第一反应一般都是他是一个意大利著名的文艺复兴绘画大师。脑袋里即会浮现达·芬奇画鸡蛋，《最后的晚餐》，《蒙娜丽莎》，《岩间圣母》等著名故事和作品，可达·芬奇的能力远远超过于此。其是一位多项领域博学者，他不仅是艺术家，同时还是建筑师、解剖学者、工程师、数学家、发明家，他无穷的好奇与创意使得他成为文艺复兴时期，也同时是是历史上最著名的画家和全才之一。他的所有已发表及未发表的成就可以作为人类发展史上的一座无垠的宝库。达·芬奇在除了绘画之外的各方面研究所著的7000多页手稿(现存约5000多页)至今仍在影响科学研究。他是一位现代世界的预言家，而他的手稿页被称为一部15世纪科学技术的真正百科全书。
他的思维超越常识所容许的范畴，突破天际，是超越当时世俗的广泛构思。普通发明家与之相比，犹如星矢较之明月。达·芬奇著名的概念性发明比方直升机、坦克车、太阳能聚焦使用、计算机、板块构造论基本原理、双层壳等皆是举世无双的构想。只可惜在文艺复兴年代，现代科学所用的冶金及工程学技术仅仅出于摇篮期。故在他的生平中，种类繁多的设计只有屈指可数的几项能付诸于实物。同时，他的绘画作品中只有极少数画作流传下来，这无疑是一种人类文化史的悲剧。达·芬奇拥有许多珍贵手稿，包括了绘画、科学示意图、笔记等各个方面。所幸这些手稿还有所保留，致使当世之人有幸能瞻仰其鬼斧神工。 在绘画方面，他与米开朗基罗和拉斐尔并称“文艺复兴三杰”。其绘画为写实画风。例如著名的《蒙娜丽莎》，《最后的晚餐》都是写实作品的代表作。其人物刻画和透视原理的运用在当时达到了登峰造极的高度。
《蒙娜丽莎》可谓是世界上最著名的油画，其是直接作画与白杨木上的。这幅半身肖像油画描绘的是一位表情内敛的、微带笑容的女士，模特是佛罗伦萨富商弗朗西斯科·戴尔·吉奥亢多的夫人丽莎·乔宫多。画作里端庄典雅的妇人，其笑容尝被人们说成是“神秘的笑容”。画中人物的眼神相当独特，无论你从正面哪个角度赏画，都会发现蒙娜丽莎的眼睛直视着你。这让这幅画给人一种生动鲜活的感觉，其眼神会随着观众的视角游走，并对所有观众抱以永恒的微笑。不少人围绕着这笑容的内涵和由来及暗含意义展开了激烈的讨论。甚至还有一种观点认为，蒙娜丽莎就是达芬奇的自画像。
《蒙娜丽莎》的画中妇人以一副坐着并把双手交叠，达·芬奇一改早期画像只画头部及上半身、在胸部截断的构图。这次他让画中人物从头部至腰部完整的呈现出半身形体，为日后的画家和摄影师建立了肖像图的基本架构。达·芬奇的这幅著作虽然手法简单，但是人与背景，色彩颜色，灰度明暗搭配十分和谐。这也是为什么这幅画能成为历史上最著名的、分析得最细致的一幅画。细心的人就会发现，妇人的头发与衣服的曲线与背景中山谷和河流的弯曲相称。
从作画角度来看，达·芬奇是以一种灰色松鼠毛制成的极细的笔，沾上用溶济冲淡的颜料，一次又一次地反覆使用格列兹画法，进行绘画。这样的巧手及方法的应用易于表现出颜色的变化，作画最火再用手指晕染出轮廓，加以润饰收尾。据业内人士观察发现，背景风景实际上是由各种不同的视点所观测的风景合成的。人物两旁的湖面，即是绘画史上写实画面中掺进超现实场景最好的例子。
仔细观察还可以发现，《蒙娜丽莎》的画人物身后背景右高左低,这是因为男左女右，而达·芬奇是女权主义者，他个人比较尊敬女性。《蒙娜丽莎》中可谓富含了众多秘密。此画体现了达·芬奇对人与自然界的联系的观念，并完美代表了达·芬奇的世界观并佐证了他的天才。
《维特鲁威人》1487年左右创作的著名素描。达·芬奇用钢笔和墨水徒手绘制，努力
展现一个完美比例的人体。内容为一名男性“十”字形，和“火”字形的姿态，并同时被分别嵌入到一个矩形和一个圆形当中。要注意的是，这幅画并非单单展现了达·芬奇细致入微的绘画技术，还展现了他的解剖技术。正因为他解剖学上造诣不低，对人体结构研究至深，才有可能做出这一在当时就算是医学界中也较为标准的男子比例图。
达·芬奇从师韦罗基奥时涉及了人体解剖学。当时，韦罗基奥坚持要所有学生必须学习解剖学。而达·芬奇在成功的艺术家时，由于他经常行走于上层社会，所以他得到了在佛罗伦斯圣玛丽亚纽瓦医院解剖人体的许可，之后他在米兰马焦雷医院以及罗马圣灵医院第一个意大利本土医院工作。于30年内，达·芬奇详细解剖了30具不同性别年龄的人体，这为其的绘画和机械发明方面都有很大影响。基于人体解剖的研究，甚至使达·芬奇设计出了史上第一个机器人。
达·芬奇可以称得上是局部解剖图宗师，不仅精于研究人体解剖，而且在对其他动物解剖也同样成竹在胸。达·芬奇不只关心身体结构，也关心生理功能，这使得他同时成为解剖学家和生理学家。他在寻找模特时，会刻意寻找外观有明显生理缺陷的人，以便画成滑稽的画作突显生理功能的意义。最让人惊讶的某过于达·芬奇他可以同时一手作画一手写字。
达·芬奇在物理上成就非凡。他重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出：在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。他的这一发现使亚里士多德的落体学说产生了动摇。他发展了杠杆原理，除推导出作用力与臂长关系外，还算出了速度与臂长的关系。他指出了“永动机”作为能源的不可能性。达·芬奇还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，„„使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有破坏力。”
在达·芬奇数量极多的研究和发明中还涉及到军事和机械方面，他发明了飞行机械、直升飞机、降落伞、机关枪、手榴弹、坦克车、潜水艇、双层船壳战舰、起重机等等。他对机械世界痴迷不已，水下呼吸装置、拉动装置、发条传动装置、滚珠装置、反向螺旋、差动螺旋、纺织物扩张器等等都是达·芬奇无数奇思妙想中的冰山一角。他甚至还设计出初级机器人。点燃现代汽车发明灵感之火的 便是他设计的“达·芬奇汽车”。他还被称为直升机之祖。
达·芬奇还将弹簧巧妙地运用在了钟表设计上。后来大型钟表采用的原理，就是出自达·芬奇的设想。只是在这个设想中，弹簧的弹力被物体的重力所代替，物体向下的重力通过众多齿轮咬合作用被均匀传递，钟表便得以保持匀速运动。
此外，挖河机、潜水机、起重机、照相机、加热机、温度计„„达·芬奇曾有过无数的发明设计。而这些发明足足可以让我们的世界科学文明进程提前100年。
科学史家丹皮尔曾经有一段确切的评论，现摘录如下：“如果他当初发表了他的著作的话，科学一定会一下就跳到一百年以后的局面。猜测这种情况对人类的学术与社会的进步，当然是毫无用处的，但是我们可以万无一失地说，如果真有这种情况发生的话，人类的学术和社会的演变一定都会大不相同。”还有另一句经典评论：“这位文艺复兴时期的天才早在莱特兄弟之前就有可能开创人类飞行的历史。”
达·芬奇全名李奥纳多·迪·瑟皮耶罗·达·芬奇 (Leonardo di ser Piero da Vinci)，之间有特殊含义。 意思是“芬奇城梅瑟·皮耶罗之子──李奥纳多”。代表了其父母对故乡的敬意。而科学家们则把小行星3000命名为“Leonardo”，表达对达·芬奇的尊敬。一个人在一方面做到甲等，这很正常。但在多个方面达到甲等，那就是神人。达·芬奇，他就做到了，他的存在犹如一颗闪烁的明星，照亮了文艺复兴时期的社会，引领人们从对神明的盲目崇拜走向关注人性，关注自我。
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