可视性音乐艺术论文

摘要：音乐艺术与建筑艺术虽属于不同领域，但有其共同之处，它们的艺术语言、符号系统在历史的发展中不断地相互转换、相互影响。本文将从中国建筑构造思维对中国现代音乐创作的关联与影响进行分析，并从中得到一些新的启示。下面是小编为大家整理的《可视性音乐艺术论文 (精选3篇)》相关资料，欢迎阅读！

可视性音乐艺术论文 篇1：

论现代通俗音乐的视觉化与可设计化

20世纪以后，尤其是随着数字技术的进步，音乐艺术与以往传统音乐相比较呈现出许多新的特征。其中一个最为显著的变化就是音乐的视觉化，音乐艺术从纯听觉艺术逐步演变成为视听结合的艺术，在过去“听音乐”的基础上又出现了“看音乐”的现象。音乐艺术家们不仅要考虑如何让听众听好音乐，还要考虑如何让观众“看”好音乐。于是，音乐艺术和设计艺术这两种看似毫不搭界的艺术之间的关系呈现出相互融合、相互借鉴的趋势，音乐艺术的可设计化成为一个新的历史命题。艺术跨界，产业融合，成为我们观察和思考当代音乐艺术的一个重要维度。

一

音乐作为听觉艺术，一直在寻找视觉传达的表现形式，以突破听觉的局限，比如现代音乐中的先锋派音乐。通俗音乐在这方面的探索取得了突破性进展，并且越来越依赖于视觉元素的创新。如前所述，如果说欣赏音乐的传统方式是被动地以“听音乐”为主的话，那么通俗音乐突出强调视觉效果，通过演唱者的造型、服裝、表演以及舞台灯光、布景、特效，来增强艺术效果，人们欣赏通俗音乐的方式是参与式地与演员应和，即以“看音乐”为主。当代，通俗音乐因其本身所具有的复杂形式、商业包裝手段和产业化运行模式，使其兼具听觉艺术与视觉艺术的特征。并且这种潮流已经影响到传统音乐的表演，有的钢琴家不再局限于弹钢琴而是手肘脚并用甚至用臀部“坐弹”键盘;一些演奏家们不再局限于演奏更注重表演。在演奏环境上灯光、舞美以及视频技术等要素一应俱全，把听众变成了观众。正如美国学者尼古拉斯·米尔佐夫指出的：“新的视觉文化最惊人的特征之一是它越来越趋于把那些本身并非视觉性的东西予以视觉化”，“视觉化在整个现代时期已经是司空见惯，而在今天它几乎是必不可少的。”

视觉化体现出文化发展的一种趋向，音乐视觉化(或称“可视化”)是整个文化视觉化的一部分。当代文化各种形态、各个层面的普遍视觉化已成为一种潮流，这种视觉文化呈现出由传统转向现代、由不可视转向普遍可视、由偏重内容转向偏重形式、由模仿现实到超现实、由理性主义静观转向感性主义“动观”等新的特点。周宪提出：视觉文化的当代发展趋势首要的一条就是“视觉性成为文化主因”，可视性和视觉理解及其解释已经成为当代文化生产、传播和接受活动的重要维度。当代文化中的高度和普遍视觉化，集中体现在不断强化可视性和视觉快感，这从根本上摧毁了许多传统文化的法则，当然也摧毁了音乐作为听觉艺术的法则。卡拉OK、MTV中音乐与视频图像的结合是一种颠覆，演唱(奏)会选择宏大奇特的现场更是一种颠覆，人们用以理解、解释、欣赏的方式越来越呈现出感性直观图像化和视觉化趋势，视觉传达技术的进步使得视觉需求不断得到新的满足。文化视觉化趋向不仅以视觉满足为主要价值追求，冷落传统的“静听”，还把视觉效果转为更为逼真的触觉效果，如随数字技术、遥感技术发展起来的3D技术等。

从生理学和心理学的角度，不难理解视觉文化为什么会成为更受大众青睐的文化。相关研究表明：在信息吸收率方面，视觉为83%，听觉为11%;注意力集中程度方面，视觉为81.7%，听觉为54.6%;记忆保持力(三天以上)，视觉为20%，听觉为10%，视听结合为68%。当代生活节奏空前加快，相比耗时费力去理解复杂的音乐结构和深刻意义，人们更愿意借助视觉来理解把握作品，或者只是娱乐放松。

音乐的“视觉化”问题，主要指如下几个层面：

1.作为音乐本源的音乐视觉化。音乐的最初形态往往是诗歌、音乐、舞蹈三位一体的，可见，音乐的最初形态是视听艺术而非纯粹的听觉艺术。音乐独立为听觉艺术是社会生产力发展和社会分工逐步细化的结果。无论劳动起源说，还是巫术说、娱情说、模仿说，均无作曲家、词作者、演唱演奏者之分，也元音乐创作、音乐表演、音乐传播、音乐营销之分。值得注意的是，某种意义上可以说，今天在音乐视觉化方面的探索发展是对音乐本源存在状态的一种高级回归——尽管，原始时期的音乐视觉化与今天我们所说的音乐视觉化具有很大的不同。

2.作为音乐创作的音乐视觉化。作曲家的乐谱创作中出现意大利的钉型乐谱、哥德式乐谱等静态的视觉传达;现代西方音乐中的视觉化探索(如约翰·凯奇《4分33秒》)等都类似于音乐视觉化现象。但是这些只是对审美通感联觉的利用，或是以反音乐、非音乐为取向，不具有本文所说的音乐视觉化的本质特征，即共时可视化。作为音乐本体的音乐创作，可以纳入审美可视化范畴的，应该是指作曲家在作曲过程中同时对应构想它的视觉呈现元素，并把这种视觉元素与作曲有机融为一体的视听一体化创作方法。这样有点像原始时期的“乐舞”式音乐。它的根本特征在于创作初始方式和最终呈现方式的视听共时性。比如谭盾的许多音乐创作是与视觉大师一起完成;又如与其他视觉艺术相结合的电影音乐、电视音乐、动漫音乐、游戏音乐、广告音乐、舞蹈音乐、音乐剧、电子音乐等，听觉符号和视觉符号的内在高度融合，互为诠释，整体表达，缺一不可。无论从音乐作品还是音乐艺术的存在方式来看，都包含视觉化要素，都可以看作音乐创作本体的音乐视觉化。

3.作为音乐表演的音乐视觉化。音乐表演在音乐产生的原始时期本来就是一体化的，后来当音乐独立为听觉艺术以后，音乐的表演性退居次要位置。音乐审美的静默性、抽象性、多义性和复杂性上升为权威标准。直到现代，随着接受美学等理论的发展，音乐表演作为音乐二度创作、音乐欣赏作为三度创作、评论和美学研究作为四度创作的重要性才再次被人们所认可。特别是通俗音乐中的歌手、乐手、舞美、灯光、音响、服裝、化妆、道具、裝置、环境乃至演唱会海报、广告等都作为音乐的重要视觉传达符号逐一纳入进来，并日益凸现出越来越重要的作用。在这里，音乐的存在方式是形式和内容、主体与客体的高度统一，创作、表演、欣赏的高度统一。如西方通俗音乐中的广场音乐包括摇滚乐、甲壳虫乐队、雅尼乐队、克莱德曼通俗钢琴演奏等等，打破了传统音乐欣赏的被动反馈模式，形成互动参与、自由狂欢的新模式。如果对音乐存在方式的研究不止步于四度创作空间，还可以提出音乐创作的第五度空间，即指音乐表演中的视频制作、形象包裝、舞台设计、灯光音响等音乐多元视觉化传达，这一空间在音乐存在方式和表达方式中的作用具有越来越重要的地位。

4.作为音乐传播的音乐视觉化。音乐的传播活动自古有之，本质上是一种音乐信息的共享活动，也是音乐存在方式的一个方面，只是不同时期传播的具体方式不同而已。乐舞是一种初始传播方式，后来的宫廷乐舞、民间说唱、乐谱印刷、音乐会等都是视觉化的传播方式。再后来发展为音乐广播、音乐电视、音乐电影、卡拉OK、大型演唱会等视觉形式传播。当音乐进人信息时代、数字时代，音乐的创作本体、传播载体都纷纷打上了数字化、网络化的印记，音乐作为一种特殊的语义信息和审美信息，被记录存储在高容量的磁介质上，主要通过互联网、手机、随身听设备进行传播，“读屏”大行其道，数字技术将音乐的视觉推到了一个新的极致。

二

音乐与设计初始的本源关系，最为直观的是各种器乐的设计。比如西洋乐器中的钢琴、小提琴、圆号、长号以及中国的琵琶、二胡等，都有一个设计演进的过程。现代通俗音乐中出现的电子琴、电子合成器、电吉他、数码钢琴、架子鼓等，包括音响设备、录音设备、音乐播放器等，都是音乐艺术与设计艺术(还加上电子技术、数字技术)不断联姻的结果。设计使这些乐器变得越来越美观、越来越实用。不仅如此，音乐会广告设计、音乐书籍的设计、唱片封面设计、音乐厅的设计等也早已经出现，而后的舞台美术设计(包括灯光、舞美、道具、裝置等)以及服裝、化妆等，实际上也大量运用到了设计的理念和技法。

本文所论的音乐的可设计化，是基于当代通俗音乐高度可视化基础之上的音乐视觉传达特质。

当代通俗音乐有别于传统音乐，这几乎是不争的事实。除了在作曲技法上有差异之外，最重要的还是由音乐艺术产业化所导致的音乐个性化、音乐表演化和音乐视觉化。比如，与美声歌唱家不同，一个流行歌手如果缺乏嗓音声线的独特个性，缺乏与众不同的外在形象，就不具备商业价值，自然也就不具备音乐市场认可的艺术价值。在传统音乐里视觉的作用微乎其微，而在通俗音乐中它占据着越来越重要的地位。观看大多数通俗演唱会，人们并不一定在乎歌手唱的如何，甚至根本就没打算听他如何“唱”，而是看歌手如何“演”，视觉的享受大于听觉的享受，音乐在这里变成了一种背景、一种环境。于是，视觉设计便成为通俗音乐中一种不可或缺的要素，视觉传达设计也就成为了音乐设计的必要内容。正如现代人不再满足于工业产品只是给人生活实用，人们也不再满足音乐只是单一或主要诉诸于听觉。物质生活的审美化(设计美的出现)和精神生活的物质化(通俗音乐商品及其产业的发展)，是现代社会生活方式深刻变革所导致的必然结果和两大基本现象。现代人对音乐的欣赏方式和审美能力已经发生了深刻的变化，从而导致现代音乐的创作传播方式也随之发生深刻的改变。通俗音乐的商业化、工业化和流行化，不仅表现为音乐生产、传播方式的革命性变革，还表现为音乐的视觉形式成为音乐的一个极其重要的组成部分。作为现代工业品的一种特殊形式，音乐的可视性、表演性被前所未有地凸现出来。

凡具有视觉特征的物质形态产品(也包括绝大多数文化产品)都要求具备设计的要素。所以现代设计艺术的内涵与外延不断拓展也就成为必然。随着时代变迁，现代设计也已经开始发生较大变化。符号学理论、结构主义、解构主义、混沌理论、绿色设计等新思潮的出现，已经打破传统设计学的范畴。从现代设计的实践发展来看，环境设计、工业设计、影视广告设计等设计活动已经出现把视觉传达与听觉传达、形式传达与内容传达融为一体的趋向。我们有理由相信，随着科学技术的不断进步，设计学中所谓的“功能与形式”，其内涵与外延必将发生更为深刻的变化，至少在“功能”上不会局限于人们的物质需求，它一定会指向人类的精神追求、文化追求，设计的对象也一定会从一般物质形态扩大到精神形态、文化形态。对于这一点，一些设计学理论研究者已经开始给予关注。比如德国的马克斯·本泽和伊丽莎白·瓦尔特在《广义符号学及其在设计中的应用》一书中，就把舞台设计、音乐(记谱系统)以及电视广告、影视片、动画片等复合系统纳入视觉传达设计系统的范畴。设计学家尹定邦先生认为，随着今后数字技术、传播技术的发展，视觉传达设计还将发生更为深刻的变化，传达媒体由印刷、影视向多媒体领域发展，视觉符号形式已经或正在由平面为主扩大到三维、四维形式，传达方式由单向传达向交互式传达发展。由此，音乐从创作生产、表演到传播推广，与设计艺术整体融合是大势所趋。

从音乐视觉化的几个基本层面看，可设计化也蕴含其中。作为音乐创作本体的可设计化，是指：音乐创作观念和创作方法的革命性变革，视觉设计成为音乐创作的新要素;对那些已经实现音乐听觉与视觉相结合的形式，如电影音乐、动漫音乐、游戏音乐等进行规律性的总结和提升。作为音乐表演的可设计化，是指：无论音乐厅表演还是广场音乐表演，对表演者形象、舞台环境等多元视觉要素进行更为精巧的预先策划设计，以取得与欣赏者完美互动的效果。作为音乐传播的可设计化，则是指运用设计的方法不断推出更新更好功能更强大的音乐播放设备、播放软件和平台，创作生产出更多更好的音乐电视、音乐电影等产品。

三

在探讨了音乐的视觉化、可设计化之后，我们对其现实意义便有了如下认识：

(一)催生音乐设计。所谓音乐设计，主要指在现代通俗音乐高度可视化的背景下，音乐生产者从特定的设计理念出发，在准确把握人们音乐消费趣味和需求的基础上，对物质形态或精神形态的音乐产品进行预先设定的一种艺术创造活动，是设计艺术在文化工业(通俗音乐或流行音乐工业)的具体运用。它遵循设计艺术的基本规律、基本原则，同时体现文化工业特别是音乐工业的规律和特点。它主要应该包括如下范畴：音乐创作设计、音乐表演设计、音乐媒介和音乐传播设计、音乐器乐设计、音乐产品包裝和广告设计、音响工程设计、环境音乐设计、影视剧和广告音乐设计、音乐剧设计、MV设计等。它们分别归属于平面设计、立体设计和空间设计三大类型，或是划分为视觉传达设计、产品设计两大类型。现代通俗音乐设计是一种综合设计艺术，它围绕音乐艺术整合了视觉传达设计、产品设计、环境设计三大设计领域，涵盖了电影电视、动漫游戏等视听一体化艺术和复合多媒体艺术的相关要素。值得注意的是，这里面还包括了音响工程设计、背景音乐等一类的听觉设计，比如人声设计、模拟现实的立体环绕音响等听觉信息设计。它突破了视觉传达设计的框架，更加接近音乐艺术本身。

(二)助推音乐工业化。当代音乐文化的一个重要特征，就是音乐不断被产业化、工业化。虽然一些学者对这种工业化浪潮后现代文化极为反感，但是作为艺术回归大众、回归生活的一个有效路径，音乐的工业化仍然具有积极的意义。“流行文化在其创作中，通过不断向传统道德和传统价值观挑战，实际上实现了生活艺术化和艺术生活化的双向美学理论革命”，也就是实现了艺术向生活的回归。更为重要的是，通过这种双向“革命”，实现艺术的第二个回归：向大众的回归。

中国音乐的产业化浪潮中，通俗音乐是排头兵，是整个文化产业的主力军。音乐文化产业化带来的最大变化是：文化产品可以被复制和批量生产，通过商业化的营销使原来那些长期停留于少数文化贵族圈的艺术成为大众共享的产品;在网络化、数字化的技术条件下，每个人都可以参与音乐的创造和传播。比如改革开放以来先后兴起的“卡拉OK”热、“MTV”热、“歌星走穴”热、“超女快男”热、“网络音乐”热、“手机彩铃”热等，音乐在产业化的同时，也在实现音乐的大众化。音乐作品商品化是一把双刃剑，它在损耗原有艺术审美内涵和艺术创造力的同时，也极大地促进了音乐艺术的创新和发展。

当音乐成为商品，音乐商业活动成为产业，音乐艺术与设计艺术的跨界融合就成为了不可避免的事情。现代音乐产业化，是以现代通俗音乐为主体、涵盖传统音乐商业活动在内的一整套体系和运作过程。音乐的产业化为音乐设计的发展提供了最为广阔的空间。在整个音乐产业化的过程中，音乐设计历史性地成为了主角。在整个音乐产业链中，音乐设计无疑具有了关键性的意义。音乐策划人、音乐策划公司，在对音乐活动进行策划组织、对歌手进行声线定位与形象包裝、对音乐作品进行宣传推广时，都会自觉不自觉运用到音乐设计的方法和手段，通过一流的设计和策划实现音乐外在形式与内在精神、听觉符号与视觉符号的完美统一，赢得市场，在更好地传达音乐文化内涵的同时获取最大的经济利益。到了数字音乐时代，音乐作品的视频设计更为重要，优秀的视频设计能更好地传达音乐作品的审美内容，表达音乐内涵。

通俗音乐与时尚艺术有着密切关系。著名歌星常常引领时尚潮流。“在一定意义上说，我们生活在一个人为设计和视觉化的世界里。因此，从设计角度来思考一些问题，可以更加深入地触及视觉文化中时尚的深层问题。”比如，从设计的本质来说，它是将某种设想或概念赋予某个事物，不仅能够造成视觉快感，吸引视觉注意力，有利于传达视觉信息;而且还能在建构价值的同时传达价值，有意识地体现民族的、社会的主流价值观和文化品味。所以，音乐艺术借助设计“主要关心事物应该是的样子，还关心如何用发明的人造物达到想要达到的目标”的特性，主动介入时尚文化，引导时尚文化，有着极强的现实意义。

(三)促进设计艺术的发展进步。尹定邦认为，设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。比如1990年前后设计师与音乐家、舞蹈家、导演、编剧以及摄影、舞台美术家等合作制作出了“太阳神”等一大批商业性、思想性、艺术性俱佳的电视广告片。

我们知道，设计是人们在创造物质文明和精神文明过程中的一种有意识的谋划活动，它体现着人类的理性和情感特征，体现着人们对实用性和审美性的双重追求。过去谈到设计，或者艺术设计，主要是指建筑、工艺美术等视觉艺术或器物制造方面的一种艺术创造活动。无论广义还是狭义的设计，其共同特征就是一种同时合乎人类物质需求和精神需求、体现人类艺术创造能力的活动。现代设计行为是与现代生活的复杂性、人们对产品实用性需求和审美性需求同时增长的趋势紧密相连的。从19世纪末西方现代设计运动的鼻祖莫里斯算起，设计已经走过一百多年的历程，设计本身的内涵与外延发生了巨大的变化。广告、展示设计等平面设计、工业设计、环境设计、服裝设计、室内设计等先后进入设计学的领域和设计家的视野。这种现象反映了人类社会的进步趋向和客观要求。近年来，越来越多的设计师和理论家倾向于按照设计目的之不同，将设计大致划分为视觉传达设计、产品设计和环境设计三大类型。其中视觉传达设计(西方又叫信息设计InformationDesign)，涉及摄影、电视、电影、造型艺术、舞台艺术、音乐(记谱系统)等视觉符号系统，传达媒体扩大到现代多媒体系统等复合系统。由此可见，未来的视觉传达设计、信息设计将会与音乐艺术进一步融合，在融合中不断实现自身的发展。

从设计美学的角度来看，通俗音乐的审美特征恰好对应了设计美学的几大要素：形式美、技术美、功能美、艺术美的有机统一，文化取向与市场取向的有机统一。音乐的平民化、民主化，为音乐的设计确定了现时代的基本风格和文化内涵;音乐的产业化、娱乐化、时尚化、视觉化，为音乐的设计提供了制度保障和功能定位;音乐的个性化、自由化，为音乐的设计开辟了独立创造的巨大空间。更重要的是，蕴含在其中的通俗音乐视听一体化的特征，为音乐借鉴设计艺术、强化视觉传达提供了重要的物化形态要素。因此，现代设计艺术与通俗音乐艺术的进一步融合，具有很好的现实基础和广阔的发展前景。在此基础上产生的音乐设计具有整合提升视觉传达设计、产品设计和环境设计有关要素，拓展设计领域的重要作用。

总之，通俗音乐的视觉化特征，从本质上具有了设计学的元素和意蕴。通俗音乐的创作、传播都离不开视觉传达设计。这是我们在研究通俗音乐时所应该把握的一个重要特征。自觉运用这一特征，探索建立音乐设计的科学体系，可以更好地推动音乐文化和音乐产业的发展。

作者单位：武汉理工大学艺术与设计学院

作者：国静舒

可视性音乐艺术论文 篇2：

论中国建筑构造思维对现代音乐创作的启示

摘要：音乐艺术与建筑艺术虽属于不同领域，但有其共同之处，它们的艺术语言、符号系统在历史的发展中不断地相互转换、相互影响。本文将从中国建筑构造思维对中国现代音乐创作的关联与影响进行分析，并从中得到一些新的启示。

关键词：中国建筑构造 现当代音乐创作 虚实观 数理观

建筑艺术与音乐艺术分属于不同的艺术领域， 在中国传统建筑中，就整体而言，一方面重要建筑大都采用均衡对称的方式，沿着纵轴线与横轴线进行设计，借助于建筑群体的有机组合和烘托，使主体建筑显得格外宏伟壮丽。另一方面中国建筑构造思维巧妙地吸收中国书法用笔中的粗细、干湿、浓淡的起伏韵律和中国水墨画中景物间的差距与线描等技法。对于音乐艺术而言，不仅借鉴诗歌、文学、舞蹈、戏剧等姊妹艺术学科之精华，从构成的思维立体空间来说，横向主要表现为旋律曲线、纵向体现立体数字和声的框架思维、时空呈现在音响强弱效果以及声音投向展示为多媒体声学磁场的构架。笔者认为，从中国传统建筑构造思维与现当代音乐创作的相互联系来看，融汇了阴阳对位、八卦易经、天人合一等元素体系。本文将从中国建筑构造思维形态与现当代音乐创作的构成要素为观测点，力图从中找出规律性的创作原则，能够为现当代音乐创作提供更多新的思路。

一、建筑——音乐的历史渊源与理论关联

建筑学家梁思成的文章《建筑与建筑艺术》生动形象的举例说明一座建筑由左到右或由右到左的一柱一窗、一柱两窗、一柱三窗的排列法同音乐的拍子形成一致的艺术表达。美学家宗白华在分析中国画中指出：“我们的空间感觉随着我们的时间感觉而节奏化了、音乐化了。”说明建筑艺术以空间组合、体形、比例、色调等元素与音乐艺术以虚体的韵律、节奏、和声等要素体现出实体与虚体之间的联系。建筑的意识形态如同砖块和混凝土用框架结构来搭建的房屋一样，体现了“凝固的音乐”形态特征，而音乐又如同用音块和音符通过数字理论构成的乐章一样，亦像“流动的建筑”。建筑以和谐、对称、比例、数理等要素为表现特征，音乐以旋律、曲式结构、和声、复调、配器等要素为表现形式，二者交融贯通使其升华到审美的通感作用。二者从整体的、活性的视角，诠释了建筑与音乐在空间与时间二维一体的活性运动组织构造。

二、虚实观

在中国第一篇较有系统的美学论文——《乐论》中指出：“‘虚’和‘实’辩证统一，才能完成艺术的表现，形成艺术的美。” “以虚为用，以实为例”很好地概括了音乐与建筑二者看似独立而又关联的虚实关系。在中国传统建筑中，能居住的功用就具有了虚与实的辩证关系， 我们建构它的实体确是为了使用它的虚体。以典型的例子中国徽州传统民居“四水归堂”的合院建筑而论， 这是一种虚实相生的建筑形式。大量的徽居是密集建造的，马头墙就造成徽居封闭的整体外观，是“实”的一面;建筑群的内部用天井呈现的植物盆景繁茂、居民生活气息的各种景象，这是“虚”的一面。正是这虚实相生中达到了艺术和生活完美统一的境界。从先前老子的“大音希声”说蕴含音乐虚实相生的哲理，在不同方面对后世音乐创作产生的影响并启发人们对音乐意蕴的追求。对于音乐创作来说，传统“四大件”(和声、曲式、复调、配器)之间相互依附、彼此转化体现在以下方面：和声中横向的和声连接功能为实，纵向的立体框架为虚;曲式中呈示部、展开部、再现部为实，连接部、补充等部分巧妙地过渡为虚;复调中支声、对比、模仿等手法为实，多声部之间层次对接为虚;配器中各种不同乐器的编配为实，多种不同乐器融合所构成的色彩为虚。以高为杰创作的民乐室内乐《风声》为例，在乐曲的开始部分，以筝独奏的五声性色彩旋律为整曲奠定了浓厚古朴的中国传统韵味的基调为实体，作曲家别出心裁地用布覆盖马左琴弦来进行演奏，为营造出远处阵阵微风袭来的轻感官体验为虚体，二者一实一虚不仅体现出乐曲的中国格调，还别出心裁的用音乐演奏方式使人们体会到乐曲的意境和情感表达。通过虚实的运用，更好地诠释了以“实”拓展“虚”、以“虚”升华“实”。

三、数理观

中国古代数理哲学是一个涵盖了易学、天文历算、乐律等诸多方面的庞杂体系。首先对于建筑艺术和音乐艺术来说，建筑艺术中的数是各个空间组合的比例体现，音乐是用数字来解释的，它的和声、节奏、韵律都由数来组成，用数字和声学研究得出和谐、比例、尺度、秩序、比率等概念，因此建筑方位的偏差最终是借助音乐手段测出的。再者有关建筑艺术与音乐艺术中的“理”，两者艺术之间所共同倡导的遵循自然界的发展规律和秩序，建构了空间实体与时间虚体的天、地、人和谐统一之原则。

具有“江南第一村”美誉的黄山呈坎村，依山傍水而建，坐西朝东、背靠大山，呈九宫八卦式排列，从高处俯视，向外延伸八条街巷，把整个村庄分成大小八块，村内街巷，似通非通、似连非连。村边周围矗立着八座大山，山与山之间梯田形成了八卦的八个方位，巧妙地布局与结合，使徽州成为中国古村建筑史上的一大奇迹。由此折射出到现当代音乐创作，数控技术在“非音乐”的对象中寻找出新的探索思路。作曲家彭志敏以数理特性与逻辑方法，创作出具有探索性的钢琴独奏作品《风景系列》，受到数控技术中最简单和有效地方法---斐波那奇数列，用了一千个十六分音符，使用两种以十六分音符为基本单元的节奏排列法，将音程转化为数字来表述。 由此可以看出以建筑比例对应音乐逻辑、以音乐比率决定建筑特性。

四、结语

综上所述，从文化精神内涵来说，二者不仅循着中国传统朴素文化中“天地之和”、“自然之和”的基础上，还运用了开拓创新的思维方式。从意识形态上看，建筑以可视性的形象特征反射出音乐内在结构而形成的时空观，“凝固的”实体与“流动的”虚体二者之间的完美通感之效应、以及“世界性”的数理逻辑延展至创作空间的比例等要素，以高度的视角俯视建筑框架思维对音乐创作的影响、启发，二者之间的互通关系，使得建筑艺术对现代音乐创作提供了更多更好的思维空间，同时也对现代音乐创作道路给予了更多的可能。

参考文献：

[1]谭平，滕菲.精神的游历[M].北京：人民美术出版社，2000.

[2]童忠良.现代乐理教程[M].长沙：湖南文艺出版社，2003.

作者：青泉

可视性音乐艺术论文 篇3：

试论音乐艺术与文学艺术的关联性

摘要：作为记录人类文明的两种艺术，音乐和文学是彼此独立的艺术学科。它们拥有各自的性质、特点和表达方式。但在这两种艺术形式中，可以寻找到许多相似之处：如对表现内容所体现的节奏感、韵律感;对意境的塑造、想象空间的展开以及表现内容所包含的深刻的情感与内涵等等。同时，由于它们的艺术载体、表现形式不同，它们在表达方式和思维方式上也存在很大差异。尽管如此，两者之间仍存在密切的关联，在一定程度上，可以相互影响，相互作用。

关键词：相似性 相异性 关联性

一、音乐艺术和文学艺术的相似性

音乐艺术和文学艺术，有诸多方面的相似性，例如：作品中对节奏感和韵律感的把握、对表现内容进行意境的塑造以及想象空间的展开、作品中通常都蕴含着丰富的情感与深刻的精神内涵等等。

(一)节奏感和韵律感

节奏感和韵律感，共同存在于音乐艺术和文学艺术中。音乐被称为声音的艺术，也被称为时间的艺术和情感的艺术。声音，是音乐的特质。音乐艺术以时间为载体，以节奏为基础，音高的变化为律动，旋律为主要的表现方式来塑造音乐形象。在音乐进行中，节奏与旋律成为音乐表现的核心，对塑造不同的音乐形象具有决定性的作用。如贝多芬的《命运交响曲》第一乐章，就是由两个节奏和旋律感不同的结构因素组成。第一主题是短暂、急促的节奏和音调，象征着不向命运低头的英雄性格。第二主题虽然由第一主题引申而来，但旋律悠长抒情，表现了对美好生活的渴望。在对立的因素中展开和发展，使音乐具有更鲜明的特点。

文学作品的节奏感和韵律感，则是通过语言的手段来表达。尽管这种语言是通过文字记录而成，但它同时也是可以朗读的，可以运用有声的语言完成对一部文学作品的欣赏，民间口头文学就是最好的例子。对文字的运用，字句的长短，造成不同的节奏感。叙述方式的运用，修辞方法的选择，采用特定的叙述方式，使作品具有独特的韵律感，也是文学作品的主要特征之一。诗歌的风格尤为突出。如徐志摩的《再别康桥》，借由诗句的长短变化，朗诵时节奏、断句的处理，经由听觉抵达听者的内心，隐藏在字里行间的韵律感油然而生，并由此产生的特定艺术氛围。

(二)意境塑造与想象空间

无论是音乐艺术还是文学艺术，对作品的意境塑造以及想象空间的展开，都有着相同的要求。音乐艺术作为时间的艺术，它以流动的旋律，架构于特定的曲式结构，在一个相对固定的时间段呈现。正如叔本华所说：音乐是活的时间，音乐所揭示的正是那个“由生命活动本身标示的时间。这个时间便是音乐的首要或基本的幻象;而这一切活动都是以一个有机体的生命结构所具有的逻辑式样进行的”。在特定的音乐结构里感知音乐的同时，在流动的音符中感知音乐所指向、塑造的艺术形象和情感的体验，这种体验开启我们的想象空间，把瞬间的音乐体验转化为情感的体验和对情感的想象，从而与音乐产生共鸣。

文学艺术中，也存在着时间性。例如诗歌、散文、戏剧、小说在作品结构上，以及他们的内容表现形式上存在的张力、矛盾的冲突、解决等等，决定了文学艺术的时间性。当我们阅读文学作品时，在或长或短的时间里，由作品的客观表达方式唤起我们对作品意境的想象，进入一个由作者构建而成、由读者自己去体会的巨大的想象空间，从而达到对作品的深刻的情感体验。

(三)优秀的音乐作品和文学作品，都具有丰富的情感与深刻的内涵

情感与内涵，是音乐艺术和文学艺术表现的主要内容，也是它们演绎的最终目的。正如康斯坦丁诺夫所说：“感情的方面进入所有艺术作品的内容，无一例外，它不仅是内容必备的，而且是十分重要的一个部分。”它们通过各自特有的表现方式和不同的艺术载体，既表达感情，又传达感情。文学与音乐，它们的作品无一例外的渗透着感情内容。一部小说当中，无论是描写、叙述还是对论，都带着不同程度的感情内容，诗歌中的每一句都是感情的抒发。音乐则与感情的联系更为密切，人们往往把音乐作为感情的艺术。

当感情在作品中展开、呈现、深入，才使作品具有灵魂，表现出丰厚的含义和深刻的内涵。尽管文学与音乐，它们的表现手段和方法不同，但最终的目的却是相同的。在这一点上，它们有着惊人的一致性。

二、音乐艺术和文学艺术的相异性

虽然音乐作品和文学作品在节奏感和韵律感，对作品的意境的塑造以及想象空间的展开，以及作品都具有丰富的情感与深刻的内涵等诸多的方面有着相似性，但是这两种艺术之间还是有很多相异之处。

(一)音乐和文学的艺术表达方式不一样

中国古代名著《乐记》中，就有关于诗与歌的论述，曰：“诗，言其志也;歌，咏其声也”。由此可见音乐与文学的差异。德国古典哲学家康德也曾指出，诗借“语言”来表达，“留给我们某些从事思想的东西”;而音乐“通过感觉来诉说”，它比诗“更丰富多彩地激动我们的心境”。当代苏联著名文艺理论家莫.卡冈则认为：文学是“思想的直接表现和感情的间接体现”，音乐则是“感情的直接体现和思想的间接体现”。凡此种种论述，使我们认识到音乐与文学在表达方式上的差异。

音乐被称为“流动的建筑”。虽然音乐由乐谱记录，以一定的曲式结构创作完成，但所有的旋律都是稍纵即逝的音响，在非可视性的状态中进行。音乐中的每一个声音都没有被赋予具体的概念和明确的含义。它以声波的形态，在不间断的运动中营造出情绪的氛围和音响的声势，从而产生具有吸引力和渗透力的情感内涵，使听者不由自主的与它产生共鸣。而声波所体现出来的音调的高低与轻重;音频的急缓与疏密;音量的强弱与大小;音质的粗细与刚柔等等，所有这些付诸于我们的听觉，经由听觉进入我们的心灵，以此完成音乐对事物的表达。

文学与音乐不同，它有良好的可视性。文学作品以文字的形式存在。人们阅读文学作品，体会文字，词汇，语句中所包含的精确含义。通过例如小说情节的叙述，或是诗歌音调的抑扬顿挫，或戏剧中的矛盾、冲突、解决等等来使人追寻到隐藏于文字之后的情感所在，深刻的思想和充满想象的，把客观的文字化为主观的情感体会。

(二)思维方式不同

音乐艺术是感性思维，而文学艺术是理性思维。由于音乐的非语义性的特点，我们在欣赏音乐时更多依靠的是对声音的感觉和判断能力。在音乐里我们体会的是具有象征意义的感情，它是模糊的、非具象的，并以情感经历作为想象的前提。这种想象所体现出的具象的感受，也是因人而异的。例如著名指挥家小泽征尔就曾经说过，欣赏《二泉映月》这首二胡曲，应该跪着欣赏。缘于这首乐曲，使他感受到中国民间音乐的纯粹、博大、精深，同时，也传达出他对中国民间音乐尊崇、喜爱的个人感叹!

文学艺术的语言，具有精确的语义性。我们阅读文学作品时，文字语言提供给我们精确的含义，依靠文字构建的理性思维达到解读作品的目的。阅读的过程，其实是作者提供理性思维的叙述空间，由读者跟随文字语言的思维产生想象、联想和情感的体验过程。这个过程是具象的，是语言思维和文字思维共同作用的结果。

三、关联性

音乐与文学的关系历来非常密切，研究音乐史假如不熟悉文学史是绝对不行的，文学史中也有不少与音乐有关的现象。文学思潮与音乐思潮相互渗透在历史上也屡见不鲜。其中最突出的是十九世纪欧洲浪漫主义思潮对音乐的影响。浪漫主义音乐的产生和发展始终与当时的文学思潮有十分密切的联系。音乐与文学之间相互影响、相互作用，形成两种艺术真正意义上的相互渗透与融合。以文学作品为题材进行音乐创作，就是最为常见的方式，尤其以艺术歌曲和歌剧最为突出。这样的例子在历史上数不胜数，例如门德尔松的艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》，是以著名诗人海涅的一首抒情诗为基础创作而成;威尔第的歌剧《茶花女》，是根据小仲马的同名悲剧改编而成;比才的歌剧《卡门》，以梅里美的同名小说为蓝本进行创作;莎士比亚的著名悲剧《罗密欧与朱丽叶》，被柴可夫斯基以此为素材创作出了同名交响幻想曲;里姆斯基-科萨科夫创作的管弦乐曲《天方夜谭》，取材于阿拉伯民间故事等等。音乐吸取文学作品的故事情节、戏剧成分、矛盾冲突、情节发展，作为音乐构思的基本线索，并且从文学作品中凝练出特定的精神气质作为音乐构思的基础。

在音乐与文学相互渗透、融合的过程中，文学为我们展开了理性、客观的过程，音乐则向我们开启感性、主观的世界。当客观世界的人与社会和自然在我们面前展现，以音乐来展示人的内心情感和体验时，音乐的想象和联想能力激发了我们对于客观主体所表现的喜怒哀乐，并投影在我们的内心世界。这时，我们能解读非语义性的音乐里流动着故事性、叙述性的元素，也能够感受音乐里矛盾、戏剧性的冲突。当音乐与文学产生高契合度的联动，我们就可以在音乐里体会文学艺术的理性、客观的描述;也可以在文学里想象感性、主观的情感体验。例如，舒伯特根据歌德的同名叙事诗创作的艺术歌曲《魔王》，歌曲保持了诗歌中叙述者、父亲、儿子、魔王这四个角色，运用不同的旋律、音色、节奏、和声等分别代表各自不同的音乐形象。当我们欣赏这首歌曲时，对比歌德的诗歌，我们会发现，歌曲和诗歌里对情感的展开是完全同步的，使抽象的音乐和形象的诗歌在内容的演绎上达到高度的契合。

四、结语

音乐艺术和文学艺术，它们见证和记录了人类历史文明的进程，以它们独特而鲜明的表现形式，凝结成人类智慧、文明和情感的结晶。它们彼此独立，又相互影响、作用、渗透。正好印证了这样一句话：所有的艺术都是相通的。我们在学习任何一门艺术学科时，如果能够更多地借鉴其他艺术类型的艺术特点、表现力和表现手法的话，对于我们的学习，无疑会有巨大的帮助。通过各艺术学科的联动，能充分开启我们的想象空间，提高我们的艺术感受力，也可以丰富我们的创作素材，使我们的艺术创作空间得到更为充分的发挥。

参考文献：

[1][美]苏珊·朗格.艺术问题[M].滕守尧，朱疆源译.北京：中国社会科学出版，1983.

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[3][苏]康斯坦丁诺夫，[保]安盖诺夫.音乐美学原理[M].杨洸译.北京：中国文联出版公司，1987.

[4][德]康德.判断力批判[M].邓晓芒译.北京：商务印书馆，1985.

[5][苏]莫·卡冈.艺术形态学[M].凌继尧，金亚娜译.北京：三联书店，1986.

[6]王次炤.音乐美学新论[M].北京：中央音乐学院出版社，2005.

作者：陈一林